Te-Th


  TEA Underdogs & outsiders (2003)
  TEARS OF MARTYR Entrance (2009)
  TEBAS Regeneración (2012)
  TEMPESTAD Sueños de libertad (2005)
  TEMPLARIO Besos de Judas (2005)
  TEMPLARIO A hierro (2007)
  TEN Far Beyond The World (2001)  
  TEN Return to evermore (2004)
  TEN Stormwarning (2011)
  TEN Heresy and Creed (2012)
  TENEBRA Luz en la oscuridad (2011)
  TENEBRARUM Voices (2006)
  TENEBRARUM Winter (2007)
  TERMINAL 6 Comienza el viaje (2010)
  TERRORIFIKA Sangre (2010)
  TERRORISTARS Made In HellSpain (2007)
  TESLA Replugged Live (2001)
  TESLA Into the now (2004)
  TESLA Real To Reel (2007)
  TESLA Alive in Europe! (2010)
  THAYKHAY Tan cerca del Sol (2007)
  THE EYES Hold Your Axes, Rip Their Guns (2011)
  THE MOON AND THE NIGHTSPIRIT Regõ Rejtem (2007)
  THRUSTOR Abysmal Fear (2012)
  THUNDER Shooting at the sun (2003)
  THUNDER The magnificent seventh (2005)

 

TEA “Underdogs & outsiders” (2003)

Ni yo pretendo ser Lázaro Carreter, ni ellos Dream Theater. La música de Tea no se pierde en adornos, por lo tanto es de justicia que vayamos al grano: Este es el tercer disco del grupo madrileño, rock and roll clásico de aire setentero y cantado íntegramente en inglés. No inventan nada, no revolucionan la escena, ni siquiera innovan, pero puede que sean en estos momentos el grupo de rock más directo del país.

Dos guitarras, bajo y batería a saco. Voz rasgada, de no excesiva amplitud de registros pero coherente con la música que la sostiene. La Vacazul, Sol lagarto, Buenas noches Rose, Gov’t’mule, Black Crowes... esa es la pinta . Lo digo por si algún despistao todavía no sabe de qué estamos hablando.

El disco incluye 13 temas, de los cuales 2 son buenísimas versiones: “Stone cold fever” (Humble Pie) y “Follow me” (Rory Gallagher). De los restantes, “L.o.v.e. love” fue compuesto por Greg Ridley (bajista de Humble Pie y Peter Frampton entre otros) quien colaboró en esa misma (bajo y voz) y en “Stone cold fever” (bajo). Por cierto, Ridley murió en noviembre de 2003 en el hospital de Alicante de una neumonía, justo cuando se puso a la venta el disco que nos ocupa. También colabora en el disco Ñaco Goñi metiendo alguna armónica (“Pretty Queenie” o la propia “Stone cold fever”), quien por cierto es hermano de Luis Goñi, batería del grupo. Además, el corte nº 6: “Anything you want”, pegadiza donde las haya, formará parte de la banda sonora de la película “Muertos comunes”. O sea, que alicientes tiene de sobra.

Los restantes temas van en la onda que he descrito antes, reminiscencias zeppelinianas en muchos rincones y ningún bajón de nivel, nada de relleno. “Moving round”, “You shoot ‘em down” y “Always slipping away” dejan a nombres consagrados de nuestra música a la altura del betún. El éxito no va siempre acorde con la calidad del trabajo de los músicos, eso es algo que no creo que nadie cuestione, pero es que escuchando este disco la indignación que se siente al escuchar tanta mediocridad patrocinada es aún mayor.

TEA (en este momento Jorge Muñoz -guitarra y voz-, Enrique Muñoz -guitarra y coros-, Pedro Úbeda -bajo- y el mencionado Luis Goñi -batería-) llevan más de mil conciertos a sus espaldas. Han teloneado varias veces a Deep Purple, y a otros como Glenn Hughes, Status Quo, HTP, Dr. Feelgood etc. Han tocado en garitos para cuatro monos y en recintos para miles, y si después de escuchar este disco no les toca ya pasar a la primera división y destronar a algunos cantamañanas, es que se venden pocos bastoncillos para los oídos.

He empezado a hacer esta reseña nosecuantas veces, porque lo único que se me ocurría decir era: “discazo”. La verdad es que no habría mucho más que decir. Para mí lo mejor que se ha publicado por estos lares desde hace mucho tiempo.

Salud

Alvar de Flack


 

TEARS OF MARTYR “Entrance” (2009)

Cuatro años transcurrieron desde que la banda originaria de Las Palmas de Gran Canaria apareciera por esta casa con su segunda demo, “Renascence” (2005), y ya con su nueva ubicación en Madrid autoeditar su primera obra de larga duración: “Entrance”, con esa oscura y sugerente portada (obra de Drawing Tears Design) que nos invita a adentrarnos en un mundo de sensaciones acompañadas por su muy bien compuesto, trabajado y ejecutado Metal Gótico.

El disco fue grabado del 20 al 24 de octubre de 2008 en los estudios M-20 (Madrid), y desde el 19 de enero al 1 de febrero de 2009 en los estudios Cube (Madrid). Corriendo su producción por cuenta del reconocido Alberto “Timburton” Seara y la propia banda, siendo Alberto quien mezclara los doce cortes que componen el álbum; y masterizándose en La Nave de Oseberg (Buenos Aires, Argentina) en febrero de 2009.

Con “Entrance” comprobamos que la banda ha crecido y mejorado bastante respecto a su anterior grabación, siguiendo integrando el grueso de la formación su fundador Miguel Ángel Marqués (guitarras & voces), Berenice Musa (voz soprano), Doramas Párraga (batería), junto a la incorporación del guitarrista J.M. Astur (ex–Dawn Of Tears), y la colaboración en todo el disco del bajista Dani Fernández (en la actualidad con Violent Eve, ex–Inntrance, Dark Moor, Metrópolis VI).

La introductoria e instrumental “Entrance” me recuerda a la música de algún programa televisivo, anuncio, o película, siendo la artífice de lo que suena (teclas, orquestación…) Isabel García, quien también es la encargada de las partes de Midi en el álbum. Esa intro enlaza con “Realm Of Pain”, donde la voz principal (gutural, grave, y voz rasgada) la lleva Miguel Ángel, aunque también aparece la preciosa voz soprano de Berenice, escuchándose además, y dándole un grado mayor de grandilocuencia, las voces de las sopranos Marina León, Beatriz Albert (ex–Ebony Ark) y Adriana Rodríguez, el tenor Juan Antonio Sanabria, y el barítono brasileño Roosewelt Borges, quienes vuelven a escucharse durante: “The Book Of Blood”, “Evil Domini”, “Dark Tears (Don´t You Shed Those)”…

En las primeras canciones -“Realm Of Pain”, “The Book Of Blood”, “Evil Domini” (con aires Doom), “Dark Tears (Don´t You Shed Those)” (incluyendo pequeña parte sinfónica/progresiva) y “A Shadow Blurs The Path” (escuchándose a Miguel Ángel hasta con voz limpia)- no sabría cuales destacar, ya que el juego de las voces extremas de Miguel Ángel y la bella de Berenice quedan bastante ejemplares en todas ellas, acompañadas correctamente por los instrumentos, sin resaltar ninguno. Metal Gótico de calidad con todo lo que conlleva, sin nada que envidiar en absoluto a otras formaciones foráneas.

“Prelude To Violence”, con la participación del violín del cubano Julio Fernández, es el preámbulo a “Violence In Red (A Violin´s Story)”, una tortuosa historia entre dos personajes (soprano y violinista).

“A New Design” (con letra de Berenice, Miguel Ángel, y el anterior teclista, Yeray Corujo) precede a “The Renascence (I)” y “Chasing The Sun” (II)”, dos canciones que anteriormente grabaran para su segunda maqueta y que aquí suenan estupendamente y mucho mejor.

Con la melancólica “Ballad For A Tortured Soul”, donde Berenice nos estremece con su voz, concluyen con bastante acierto su primera obra.

Además de resaltar del libreto la portada y el oscuro dibujo de ciudad futurista en la parte central, me ha gustado que se recuerde a: Jürgen Bjurenlind (batería), Jorge Maestre (guitarra solista) y Armando Álvarez (bajo); Luz Díaz (voz), Javier Montesdeoca (guitarra líder), Óscar Morante (guitarra líder), Yeray Corujo (teclas); y Javier Santos (bajo) y Carlos Archeón (bajo). Todos antiguos componentes de la banda, y les honra al grupo acordarse de ellos, algo que en muchas formaciones no es así, obviando o queriendo olvidar músicos que dieron vida y pasaron por las filas de las bandas.

Tears Of Martyr, junto a formaciones como los albaceteños Níobeth… son los grupos del llamado Metal Gótico u Operístico de mayor calado que hay en la actualidad en nuestro país. “Entrance” ha sido distribuido en Alemania, Austria y Suiza por STF Records.

Las actividades más significativas de la banda durante el presente 2011 fue abrir el concierto del 15 de abril de Dark Moor en la sala Heineken (Madrid), e integrar el cartel del Palencia Metal Rock 2011, y dar su primer concierto fuera de nuestras fronteras en el “Night Of Rock 2011”, que tuvo lugar en julio en Enzesfeld-Lindabrunn (Austria).

En la actualidad (Berenice, Miguel Ángel y Doramas, junto al bajista Adrián Miranda) preparan lo que será su segundo disco, el cual tienen previsto grabar en verano de 2012, co-produciéndolo la banda junto a Enrik García (Dark Moor).

 

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TEBAS “Regeneración” (2012)

Después de su primera demo, comentada por estos lares, y debutar en directo en el segundo día del festival San Javier Rock del pasado noviembre de 2011, el grupo murciano nos presenta su primer disco.

Con la intención de sacar una segunda demo grabaron seis canciones de nuevo en los estudios “Snoopy Virtual Studio”, aunque finalmente decidían ofrecerlas como un disco. Tal y como hicieron con los dos temas de su demo, el disco está a disposición del que quiera bajarlo gratuitamente desde la página web de Tebas, además incluyendo portada, contraportada, galleta del CD, y libreto (con las letras de cada canción acompañada por fotos o dibujos referentes al tema en cuestión) por si quieres imprimirlo y tener tu propia copia física. A nosotros, gracias a J.C. Redondo “Snoopy”, nos llegó una copia física muy bien realizada artesanalmente.

Bien es verdad que hay mejoría en el sonido de las seis canciones que contiene “Regeneración” respecto a los dos temas que había en la demo de 2011, pero aún el sonido es bastante mejorable, con predominio de la voz (Leandro de la Poza), las teclas (J.C. Redondo “Snoopy”) y la guitarra (Adrián Vera), sonando la batería (Juanpe Romero) sin fuerza, falta de más pegada y presencia, y el bajo (Ginés Martínez “Ignis”, también didgeridoo en “Tebas”) prácticamente inexistente.

El estilo de los murcianos sigue siendo Hard Rock melódico, con referentes en bandas nacionales e internacionales preferentemente de la década de los 80, destacando para mi gusto en las canciones el aporte de las teclas y la guitarra, y a la hora de los solos.

Escuchando repetidas veces el CD una de las composiciones que más me atraen ha sido “Sin control” (acompañando a su letra en el libreto la imagen de una carrera de fórmula 1 y una foto del fallecido piloto brasileño Ayrton Senna), un tema al estilo de Yngwie J. Malmsteen, incluso el solo de guitarra tiene la huella del guitarrista sueco. “Cinturón de Orión” posee un buen estribillo, al igual que la más comercial “Por ti”, que me trae recuerdos a los primeros Bon Jovi, una canción que podría ser perfectamente un single, aunque la alargan en demasía (llegando a durar casi seis minutos). “Ave Fénix” también puede traernos a la cabeza a Malmsteen o a los argentinos Rata Blanca, aunque tiene muy buenos solos, para mi no llega a la altura de “Sin control”.

De la inicial “Esclavos de un Dios (Indignaos)” y “Tebas” no logro sacar mucho en positivo, quizá de la primera destacaría el solo de teclas de aires arábigos, como sucede también en el comienzo y durante la canción del mismo nombre de la banda, aunque vuelven a alargar el tema demasiado (más de seis minutos), con un estribillo que no me gusta nada.

Aparte del sonido de la grabación, también a la hora de escuchar el disco, la voz de Leandro de la Poza deja entrever carencias en su voz, faltándole trabajarla y educarla más, además de dotarla de más matices, fallando a la hora de subir de tono, y al afrontar y acabar algunas líneas de voz. Lo bueno es que aún es bastante joven, y puede progresar y mejorar, con dedicación y esfuerzo.

Estoy seguro que para la próxima grabación tanto el sonido, como las canciones, y la banda en general, se mostrará mucho mejor. Si te gustan grupos nacionales como los Asfalto (de “Cronophobia” y “Corredor de fondo”), los Santa (de “No hay piedad para los condenados” y “Templario”), Alcaudón, Zenith, Júpiter, Sátira, Marshall Monroe, Niagara, Hiroshima… deberías escuchar el trabajo de Tebas, además, no te cuesta nada entrando en su página web y descargártelo.

El quinteto ha seguido durante este año 2012 tocando por la región murciana, en conciertos y festivales, destacando el abrir para Medina Azahara el pasado sábado 5 de mayo en la sala La Matriz Creativa de Cartagena. El próximo viernes 12 de octubre de 2012, en el café-pub Tiki Taka de Santiago de la Ribera (Murcia), el bajista Ginés Martínez se despedirá de la banda, tomando la alternativa en directo la bajista Betsabé Sánchez.

 

Web TEBAS

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TEMPESTAD “Sueños de libertad” (2005)

La media de edad de los nuevos grupos está bajando de forma vertiginosa. Esta gente de Alicante anda entre 16 y 20, con unas habilidades musicales que, si bien están sin pulir, dejan entrever un gran futuro.

Esta es su primera grabación seria. Tiene lo que suelen tener las primeras grabaciones, más ganas que resultado, pero es para estar satisfechos teniendo en cuenta la poca experiencia. La música está a caballo entre el power metal y el heavy clásico, con estribillos y partes vocales fácilmente identificables que sueltan los clichés más arquetípicos del género, cuestión a mejorar. Las guitarras repiten riffs bastante primitivos y demasiado previsibles aunque de buen sonido.

Reflexión aparte merecen las bases. Joan hace sonar muy bien su batería, pero en muchos casos queda desbaratada por el exceso de Harrisismo (me la acabo de inventar, pero es lo más gráfico que encuentro) del bajista Carlos. Ese golpeo en las cuerdas contra la pastilla queda horroroso, y en ocasiones destroza los ritmos (y los nervios). No entiendo como han podido mantener esos armónicos en la mezcla, pero bueno, supongo que será por gusto...

El resto de la banda lo componen Omar García, cantante de estilo similar a Jose de Mago de Oz, y dos Alejandros a las guitarras (supongo que de apellidos Murray y Smith! -chiste malo pero fácil, sorry-).

Por lo demás es un disco bastante homogéneo y repetitivo, no hay temas que destaquen sobre el resto pero tampoco hay bajones pronunciados. Cuando se quiten de encima el estigma de Iron Maiden (en el bajo, en las melodías y dobles guitarras, en los riffs, en los cambios de tiempo etc., excesivo) probablemente podrán desarrollar plenamente sus capacidades que, por lo que se puede escuchar, son muchas. Ánimo.

Más en: Web TEMPESTAD

Alvar de Flack


 

TEMPLARIO “Besos de Judas” (2005)

Otro caso más de grupo hispano de buen Heavy Metal clásico que no se le presta apenas atención por los medios especializados y es poco conocido y seguido por la gente, a pesar de la calidad que atesoran y de los años que llevan en candelero. 

El trío castellonense nació en 1988, y después de sufrir varios cambios tras la batería finalmente consolidan la formación en 1995 con la entrada del zurdo Miguel Ángel (ex–Black Rain), que se une a Fran Martínez de Osaba (voz, bajo y multiinstrumentista) y a Alberto Sales (guitarra). Después de algunas demos editaron el mini-CD “Sequías” (D3, 1996), luego vendrían “Templario” (Pies Records, 2000), “Sueños Perdidos” (Anfeca, 2001), y “La Risa de las Bestias” (Zero Records, 2003). Recalan en el Sello Red Dragon Records, participando con la canción “Caballeros de Sangre” en el tributo que se le rinde al grupo Pánzer por dicha Discográfica, y cuando estaban dispuestos a editar su quinto trabajo el responsable del Sello, Alfonso J.B. Sánchez no cumple lo acordado con la banda (ni con ellos ni con Lándevir, Angelus Apatrida…) y sin explicación ninguna desaparece del mapa. Así que la banda, con el disco listo para ver la luz en el 2004, se tiene que encargar de auto-editarlo y distribuirlo como buenamente puede en el 2005. 

Creo no errar al decir que “Besos de Judas” es el trabajo más duro, el que mejor suena del trío, y el mejor disco hasta ahora. Como en sus tres anteriores obras la grabación se hizo en los estudios “Rocketes”, propiedad del guitarrista/productor, consiguiendo un sonido totalmente directo y cañero, escuchándose todo perfectamente, no quedando ningún instrumento por debajo de los demás. Lo primero que suena del disco es sonido de goteo y las palabras del título del primer tema, “Malas Compañías”, dichas al revés, después de la pequeña intro el tema atruena muy heavy y speedico, con unas guitarras con gruesos y potentes riffs acompañados y respaldados por una contundente base rítmica que a lo largo del trabajo se hace notar con insistencia y maestría. La letra está basada en su experiencia con las Discográficas por las que han pasado, especialmente dedicada a la ya desaparecida Zero Records. “Ecos de Discordia” posee unos ritmos muy marcados, entrecortados y potentemente heavies. Las citadas son dos buenas canciones que abren el disco, pero se alcanza uno de los altos picos de calidad con “La Cadena” y su fenomenal estribillo, no anda muy lejos la antibelicista “Magnetismos de Violencia”. En “Almogàvers”, tema basado en los almogávares (soldados de infantería de la Corona de Aragón que batallaron en la zona mediterránea entre los siglos XIII y XIV) salen a relucir, como en pasados trabajos, sus toques folclóricos y medievales. “Tengo un Lugar” es un tema hard rockero que me recuerda a The Cult, especialmente por los riffs de la guitarra. Denuncian en sus letras algunas barbaridades del ser humano, como en “Balleneros” (con ritmos y muro sónico que me hacen pensar en Accept, como pasa en otros temas) y “Nunca Más” (con empleo de didgeridoo y gaita en su comienzo), ésta basada en las catástrofes ecológicas en el Mar. Podemos comprobar su técnica instrumental perfectamente en “Ritualizar”. “Moviladicción” cuenta con acierto la esclavitud que mucha gente padece con el maldito móvil. El décimo primer (y último) tema, “El Secreto de Chiflón”, es una canción tranquila llena de música medieval con utilización de flauta y demás instrumentos folclóricos… por parte de Fran. Al final hay una sorpresita de caja de música. 

Quizás a determinada gente no le convenza la voz de Fran, aguda y nasal, asemejable a Klaus Meine (guardando las distancias), o a Santiago Alonso “Sasa” (Sobredosis). Puede que cueste algo acostumbrarse a ella, pero es personal y marca de la casa, vamos, que si ya conoces a Templario y no has escuchado algún tema, nada más oirla sabes que son ellos. 

En marzo de este 2007 ya han empezado a grabar su sexto disco. Ojalá sea de la misma calidad que el que te he comentado o mejor aún. Espero verlos cómo se desenvuelven en directo en la segunda edición del festival Leyendas del Rock.

Web TEMPLARIO

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TEMPLARIO “A hierro” (2007)

Apretando los dientes y con mucha rabia se presenta, ya desde la portada, el quinto larga duración del trío Templario.

Lo que vemos en la portada del digipack es un simple preámbulo de lo que vamos a encontrar al escuchar el disco, con la mayoría de temas destilando bastante rabia, intensidad, potencia y energía… con un sonido poderosísimo, muy metálico y a la vez pulcro (grabando de nuevo, entre mayo y junio de 2007, en los estudios Rocketes por el guitarra), donde la base rítmica de Fran y Miguel suena granítica y técnica, acompañando perfectamente la guitarra cañera de Alberto, y las letras incisas y directas denunciando lo que haga falta.

Si ya en su anterior disco “Besos de Judas”, contaban en el primer tema, “Malas compañías”, su historia con los Sellos discográficos, en esta ocasión el cañonazo de inicio, “Sal en llagas”, va directo a la yugular y denuncia con dolor y muchísima rabia su malísima experiencia con el desaparecido Sello Red Dragon Records y su responsable.

Con “Besos de Judas” dieron un paso importante musicalmente, editando hasta ese momento su mejor trabajo. Pienso que siguen con paso muy firme a un excelente nivel, y en “A hierro” alcanza aún cotas más duras que su antecesor, sonando muy tralleros y homogéneos, como podemos gozar desde el principio con grandes composiciones una tras otra seguidas, “Sal en llagas” (con ciertos aires épicos en sus coros), “4º mundo”, la speedica “Aliento de muerte”, la pegadiza y cañera “Justicia ciega”, acercándose al Thrash Metal en “Kaos”, ramalazos veloces alternados con ritmos más actuales y machacantes en “Silencio a la verdad”… y así hasta llegar al cierre con la balada “Nacida en Abril (1970-2005)”. 

Continúan en sus letras con temática que, lamentablemente, desde hace años siguen copando los titulares de prensa caso de la inmigración (“4º mundo”), incendios provocados de bosques para la especulación del terreno (“Aliento de muerte”), su título lo indica todo (“Justicia ciega”), violencia a la mujer (“Silencio a la verdad”), y trata de blancas (“Piel”). Otros temas que tratan son sobre la literatura de caballería en “Tirant Lo Blanc”; la traición en la amistad, aunque aquí también se le podría aplicar a su affaire con Red Dragon Records, en “Un cuervo llamado amigo”; su reconocimiento al duro trabajo de actor, principalmente al del teatro, en “El comediante”; y por último “Nacida en Abril (1970-2005)”, cuya letra emotiva es un réquiem para Montserrat Ramos Espejo, aunque musicalmente no logra ser un buen tema, a pesar de cierto parecido que me da con “Una copa por un viejo amigo” de Ñu. 

Como no podía faltar en todo disco de Templario hay partes y fragmentos de Folk, participando como invitado Jorge Sangorrin con su violín, acústica y mandolina en “Tirant Lo Blanc” y “Nacida en Abril”. Fran, todo un experto en instrumentos antiguos, toca también en el disco viloa de roda, gaita búlgara, cromornos, flautas, bendir, udu, darbuka, dulcimer, aizko, riq y gaita; escuchándose en las introducciones de “Tirant Lo Blanc” (gavotte suite dance 1600), y “Aliento de muerte” (S. XI misticismo búlgaro gaida). 

Puedo decir que Templario con sus dos últimos discos, para mi, son uno de los mejores grupos hoy en día de Heavy Metal en nuestro país. ¿No te lo crees?, pues prueba a bajarte este “A hierro” de su página web, y si te gusta le compráis original el digipack por tan sólo 5 €. Gran disco.

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TEN “Far Beyond The World” (2001)

A estas alturas los Ten de Gary Hughes no necesitan presentación. Con seis discos en estudio, contando este último, y un doble directo de la gira de “The robe” en poco menos de seis años se han hecho hueco en una escena acaparada por el Nu-Metal, el heavy en su vena más clásica, los punkrockers escandinavos y otras tantas tendencias. No obstante, los primeros pasos de la banda en 1996 no fueron tan generosos y la publicación de “Ten” y “The name of the rose”, aún recibiendo las mejores críticas por parte de los medios, tuvo una acogida fría, no sé si por cuestiones promocionales o paradojas del momento. En mi caso, ensimismado en los noventa más poperos (e interesantes para un servidor por aquel entonces) de “(What's the story) morning glory”, “Garbage”, “Jagged little pill” o “Moseley shoals”, supuso una alegría volver a escuchar ese hard rock hecho con el corazón y que con unas pinceladas de AOR y algún toque heavy daba cuerpo a unas canciones extraordinarias. Por lo tanto, ver cómo “Babylon” entró en las listas de éxitos alemanas fue alentador en lo que a reconocimiento de un trabajo duro concierne.

Grabado en Reino Unido y mezclado en los Area 51 Studios de Hannover (Alemania) por Tommy Newton (Helloween, Kamelot, Elegy, etc.), “Far beyond the world” ha contado con el omnipresente Gary Hughes a la producción de nuevo. Aunque ahí no queda la cosa y el cantante, no satisfecho con la actividad que genera Ten, se encuentra ultimando una ópera rock con Bob Catley, basada en las leyendas Artúricas y de título “Once and future king”. El guitarrista John Halliwell ha sido el encargado de diseñar la portada de “Far beyond the world”, que recupera la austeridad de los tres primeros discos y se sale de los dibujos fantásticos que ilustraban “Spellbound” y “Babylon”.

Gary Hughes se sirve de su receta personal para componer estos nuevos once cortes, por lo que deja poco espacio para la novedad. Quienes conozcáis a Ten vais a encontraros con otra dosis de rock plagado de melodías suaves y en otras ocasiones de potencia, siempre templada por el tono grave de la voz de Hughes, que parece no forzar en ningún momento pero que le da a los temas esa candidez tan típica del grupo.

Por encima de todo, resalta la alta calidad de las composiciones, que no pierden comba con los anteriores álbumes de la banda y que recalcan la personalidad propia de Ten. “Scarlet and the Grey” y principalmente “Glimmer of evil” encierran el equilibrio fuerza-armonía seña de identidad de Ten, capaz de emocionar al más pintado. No me extrañaría que con la segunda más de uno caiga rendido porque retiene mucho de piezas del primer plástico tales como “Yesterday lies in the flames” o “After the love has gone”. Algo más heavies, sin embargo, suenan “Black shadows”, “High tide” y “Outlawed and notorious”. Las guitarras de Burns y Halliwell en la segunda contienen su punto de insinuación a los tempos de “Miracle man” y “That I never had” de Ozzy Osbourne, dándole un extra de caña al tema. La tercera, en cambio, desata una faceta metálica del grupo prácticamente desconocida hasta ahora, y es que la forma en que las melodías de voz y guitarra van paralelas trae a la mente el power que practican cientos de bandas en la actualidad.

El lado sensible de Hughes, siempre presente en los textos de las canciones (las letras de este trabajo son monotemáticas), se acentúa en las baladas, las cuales beben de fuentes muy distintas. “What about me?” está dentro de los parámetros de canción lenta hardrockera, esto es, tópica a más no poder pero que acaba convenciendo y gustando. “Far beyond the world” es si cabe más arquetípica, una balada clásica en toda regla cuya mayor aportación es un juego de voces en el estribillo realmente conseguido. Pero si hubiera que resaltar alguna, esa es sin duda “Heart like a lion”. Comienza destilando cierto sabor bluesy para convertirse progresivamente en una canción intensa alejada de la suavidad inicial, sin perder la elegancia que la envuelve a cada momento.

En otra esfera se encuentra “Who do you want to love?”, en la que una base de teclados de tono alegre saca a la luz la buena labor de Paul Hodson (Hard Rain, Bob Catley) a lo largo de toda la grabación.

“Far beyond the world” no es el tarro de las esencias si lo que buscas es cosas nuevas. Sin embargo, hará disfrutar a todos los que gusten de ese rock maduro y entrado en años entendido con buen gusto y paladar. Si eres seguidor de la banda, te encontrarás ante un trabajo impecable en todos los aspectos. Y es que Gary Hughes, a pesar de la marcha de Vinnie Burns una semanas después de grabar este álbum, es el alma mater de esta banda, no sólo por firmar la totalidad de los temas, sino también porque después de seis años no ha visto mermada su creatividad. ¿Quién dijo que el año recién finalizado había cerrado mal discográficamente?

J. A. Puerta

 

Debo haberme portado bien este año, porque SS.MM. los RR.MM. de oriente tenían que elegir entre este último disco de TEN, y el “Live from the house of blues” de YES, y la decisión fue salomónica: Los dos.

Al grano, “¿Cómo repartir melodía y caña?, that’s the question”, pensaría Gary Hughes alma de este grupo, compositor de todos los temas, productor del disco (a medias con Tommy Newton) y cantante. La solución ha sido meter 11 temas de hard rock melódico en algo más de una hora. Ojo, que no es un disco de baladas, aunque haberlas háilas (”What about me?” y ”Far beyond the world”). Lo digo porque al hablar de hard rock melódico siempre hay quien lo interpreta como “moña”, y de eso nada. La formación la completan Vinny Burns (guitarra), John Halliwell (guitarra), Steve McKenna (bajo), Greg Morgan (batería) y Paul Hodson (teclas).

Mejor sonido que en anteriores ocasiones, gracias sobre todo a Tommy Newton, me refiero a que el batiburrillo esta vez es algo menos espeso, aunque sigue siendo bastante denso en el sentido de muy comprimido. Con un sonido algo más expandido sonarían como el resto de grupos de rock melódico de este estilo, eso es cierto, como también lo es el hecho de que el sonido característico de un grupo es una cualidad importante a la hora de forjar la propia personalidad. De hecho se podría hablar del “sonido Ten”, hablando en términos de producción, así es que mucho mejor así, si esto es lo que quieren.

Como digo, Tommy Newton ha sido el encargado del sonido. El ex-guitarra de Victory se ha vuelto a salir, aunque una miaja más de guitarra lo hubiera acercado al “Babylon”, que no es mala referencia. Los solos de Viny Burns están algo escondidos en todo el disco, de hecho Halliwell destaca más que la propia solista, por ejemplo en “Black shadows”, de acordes largos en las rítmicas. Y es que una de las características de este disco es la búsqueda más del sonido general del grupo que del lucimiento personal, se eliminan protagonismos, quizá a excepción de las voces. Por cierto, que las voces de abajo (las que doblan) tapan todos los huecos, llegando a saturar (“Outlawed and notorious”). De todas formas las voces ocupan todo el primer plano, a veces con coros demasiado altos en la mezcla con respecto a la voz principal (“Scarlet and the grey”). A esto me refería cuando hablaba del sonido Ten y tal.

El trabajo con los teclados también es más de equipo que de lucimiento personal. Otros temas a destacar: “Heart like lion”, la que abre el disco “Glimmer of Evil”, y “High tide”, con una intro que es caña pura.

Aunque me esperaba algo más de Vinny Burns (me sigue gustando más su trabajo en Dare), me parece un muy buen trabajo de Ten, en su línea.

Salud

Alvar de Flack


 

TEN “Return to evermore” (2004)

Nuevo disco de Gary Hughes & Co., con algunos cambios importantes pero ninguna sorpresa agradable. Ya no está Vinny Burns, sustituido por un guitarrista de dudoso pasado (omitiré su procedencia por si hiere alguna sensibilidad...) llamado Chris Francis, quien no se parece a su antecesor ni de lejos.

Si seguimos comparando con el anterior “Far beyond the sun”, la mezcla final tampoco se parece. Aquí quedan muy diluidas las guitarras, quizá gane en nitidez, pero pierde contundencia. Sonido demasiado suave, muy pulido, sin apenas contraste, muy en la línea standard del AOR literal, muy para las FMs.

Los temas van en la línea habitual, hechos para la voz, con melodías muy suaves y estribillos pegadizos. Quizá este sea el disco en el que más a un lado han dejado las florituras musicales para centrarse en las voces. Como decía en el párrafo anterior, AOR de libro.

Tal y como lo voy describiendo pudiera parecer que es una birria de LP, pero nada de eso. El disco es una maravilla de principio a fin, pero tiene mucho menos interés musical que cualquiera de los anteriores. No es un disco para escuchar atentamente, sino para consumir, para ponértelo de fondo mientras haces cualquier otra cosa. Eso no es ni mejor ni peor, simplemente es un disco de los que gusta escuchar sin pararte a analizarlo. Perfecto para ir conduciendo y canturreando, por ejemplo.

Hay temas muy interesantes, como “The temple of love” in crescendo hasta el mejor solo del disco, coros perfectos y arreglos que ponen los pelos de punta. “Evermore” tiene un punto celta que recuerda a los mejores tiempos de Gary Moore con su “Out in the fields” o a los Dare de los dos primeros discos (aquellos que vampirizó Ten para ser lo que son). Quizá sean los temas que destaquen.

No es el mejor disco de Ten, pero es un discazo de cabo a rabo. Quienes disfruten con los coros bien hechos y los coros perfectamente armonizados ya están tardando en hacerse con él. Y no llevo comisión.

Alvar de Flack


 

TEN “Stormwarning” (2011)

Mucho tiempo ha pasado desde su último trabajo, aquel “Twilight Chronicles” (2006) que evidenciaba cierto agotamiento en la siempre prolífica actividad creadora de Gary Hughes, uno de los máximos exponentes del Rock melódico de la última década. Tras los bajos resultados en ventas y popularidad de aquel álbum, Hughes decidió dejar reposar a Ten el tiempo suficiente para que las musas le visitaran de nuevo con la suficiente fuerza.

“Stormwarning” supone la vuelta de Ten a la actualidad, 5 años después. Y el reposo les ha sentado de maravilla, vistos los resultados. Estamos ya ante el 9º disco de estudio de la banda británica, y supone en gran medida una vuelta a sus orígenes, con una calidad que se acerca a aquellos dos primeros discos que maravillaron a todos los amantes del Rock melódico en la segunda mitad de la década de los ’90.

Para ello, Gary Hughes ha hecho algunos cambios en la banda que se han mostrado muy efectivos. Por supuesto, él mismo se encarga de la voz y algunas guitarras, amén de llevar el peso compositivo, secundado como siempre por el guitarrista John Halliwell. También le sigue acompañando Paul Hodson (teclados). Las nuevas incorporaciones son Neil Fraser (guitarra solista) y Mark Sumner (bajo). El puesto de batería está vacante, contando para esta grabación con la contratación de Mark Zonder (Fates Warning), aunque su estancia en la banda no es permanente.

Gary Hughes ha conseguido con ellos construir un gran disco en el que la melodía y la fuerza se combinan como en sus mejores tiempos. Hughes sigue cantando con ese enorme sentimiento y buena entonación que nos hace perdonarle su escaso poderío vocal. El otro triunfador del disco es el debutante Neil Fraser, cuya guitarra se erige en protagonista en multitud de ocasiones, con gran técnica y un feeling que se asemeja a los mejores momentos de Vinny Burns en la primera etapa de la banda.

El disco está repleto de grandes temas que hacen su escucha muy agradable. Grandes cortes como “Centre Of My Universe”, “The Hourglass And The Landslide” o “Stormwarning” nos hacen bendecir la vuelta de Ten a la acción, pero si me tuviera quedar con un solo tema, este sería sin duda “Love Song”, una delicia para los oídos y cuyo largo desarrollo (sobrepasa los 7 minutos) permite desplegar todo lo que la creatividad y el buen gusto que Gary Hughes puede aportar, conteniendo además un maravilloso solo de Neil Fraser.

Aunque desde la llegada del CD este elemento es tenido en cuenta en menor medida, no puedo dejar de destacar la portada, obra del español Luis Royo, que cuenta con los elementos más standard de la iconografía rockera (chica guapa ligera de ropa, fuego, espada, gárgola… no falta de nada), logrando combinarlos de manera atractiva.

Tanto si eres seguidor de Ten desde sus inicios como si los descubres ahora, no puedes dejar pasar “Stormwarning”, con el que el grupo vuelve a recuperar la posición de referencia dentro el Rock melódico a este lado del charco. Espero que esta nueva etapa que ahora se abre al grupo sea tan fructífera como la primera.

Shan Tee


 

TEN “Heresy and Creed” (2012)

Uno de los músicos más influyentes del rock melódico de la década de los ’90 es, sin duda, Gary Hughes. Cantante, compositor, productor… ha colaborado con múltiples artistas y cuenta en su haber con varios discos en solitario y proyectos compartidos dignos de mención.

Su grupo estrella es Ten. Sus dos primeros discos, “X” y “The Name of the Rose”, ambos editados en 1996, son majestuosos y no pueden faltar en la discoteca de cualquier aficionado al género. La banda nació con la unión de las fuerzas de Gary Hughes con el guitarrista Vinny Burns, que se había labrado un nombre en los también indispensables Dare.

Vinny Burns estuvo junto a Gary Hughes hasta 2001, participando en los discos “The Robe” (1997), el doble en directo “Never Say Goodbye” (1998), “Spellbound” (1999), “Babylon” (2000) y “Far Beyond the World” (2001). La salida de Burns provocó un parón en Ten, y permitió a Gary Hughes dar rienda suelta a otros proyectos, entre los que destacan las dos entregas de la ópera-rock “Once and Future King”.

Ten volvió a la actualidad en 2004 con “Return to Evermore”, al que siguió “The Twilight Chronicles” (2006). Sin llegar a ser un fracaso, estos discos distaban mucho de la calidad y aceptación de los anteriores, lo cual llevó a Gary Hughes a dejar descansar al grupo hasta que a principios de 2011 volvió a la carga con “Stormwarning”.

Este “Heresy and Creed” que tenemos entre las manos es, por tanto, el décimo disco de estudio de Ten, sin contar EPs, recopilaciones ni directos. Una cifra redonda que coincide con el nombre del grupo, y quizás por ello (o quizás no…), tenemos ante nosotros uno de los discos más brillantes de su trayectoria.

En este disco, Gary Hughes se acompaña de sus fieles compañero John Halliwell (guitarra), en la banda desde “The Name Of The Rose” y Steve McKenna (bajo), parte de Ten desde “Spellbound” y que se reengancha al carro después de no aparecer en el anterior disco, “Stormwarning”. El resto de músicos que completan la formación son Dan Mitchel (guitarra), Darrel Treece-Birch (teclados) y Max Yates (batería).

“Heresy and Creed” conjuga todas las virtudes de los Ten más inspirados: Una contundente base instrumental, más de lo habitual en una banda de rock melódico, y grandes canciones de melodías agradables, interpretadas con mucho gusto por Gary Hughes, líder indiscutible tanto musical como organizativo. Su voz, siempre escasa de potencia pero llena de sentimiento, huye de esfuerzos que sería incapaz de asumir para bordar las melodías escritas para cada uno de estos temas.

La banda suena como un cañón. Las guitarras de Dan Mitchel y John Halliwell suenan poderosas y mucho más rockeras que los que desconozcan al grupo pudieran suponer, con un constante protagonismo. Y la base rítmica de Steve McKenna y Max Yates es contundente cuando debe serlo, dejando espacio a la tranquilidad llegada la ocasión. Los teclados de Darrel Treece-Birch tienen poco protagonismo, ya que se dejan escuchar en contadas ocasiones, normalmente intros de algunos temas, aunque su escasa aportación es siempre brillante.

El disco tiene temazos como la potente y pegadiza “Gunrunning”, la atmósfera dulce e intensa de “Raven’s Eye”, los aromas arábigos de “Arabian Nights” (con gran aportación de ambos guitarristas), el ritmo de “Insatiable” o el buen gusto de “Another Rainy Day”, sin olvidar las dos preciosas baladas “The Last Time” y “The Riddle”.

“Heresy and Creed” viene para situar a Ten en la cima del rock melódico actual. Puede que no llegue a la excelencia de sus dos primeros trabajos, clásicos incunables ya del estilo, pero Gary Hughes demuestra una vez más que es un genio del rock melódico.

Imprescindible.

 

Shan Tee


 

TENEBRA “Luz en la oscuridad” (2011)

Es reconfortante comprobar como grupos a los que hemos conocido dando sus primeros pasos van cubriendo las etapas necesarias en su crecimiento como banda de Rock. Hace unos años comentamos la maqueta “La dama del amanecer” de Tenebra, y hoy les tenemos aquí ya con su flamante primer disco bajo el brazo. Como era de prever, el grupo se muestra ahora más maduro, manteniéndose en la línea de Metal melódico que ya habían mostrado con esa maqueta.

El camino hasta “Luz en la oscuridad” ha dejado en la cuneta algunos de los músicos que nos presentaron aquella maqueta, quedando ahora definitivamente la formación con Aroa Zorrilla (voz), Eduardo Calvo (guitarra), Ulfe Piñón (guitarra), Sara Murillo (teclados) y Roberto Liendo (batería), quedando el bajo en manos de Luis Ruiz, productor del disco.

Si bien en aquella ocasión comentábamos que el grupo estaba descompensado a favor de la voz de Aroa Zorrilla, este hándicap ha sido corregido. En “Luz en la oscuridad” ya tenemos a Tenebra sonando como un grupo al completo, si bien el predominio Aroa sigue siendo el mayor aliciente, tanto por su voz como por las líneas vocales sobre las que giran todos los temas. Afortunadamente, Aroa huye del grito desaforado de otras cantantes femeninas y su voz lidera los temas con solvencia. El grupo aprovechan la profundidad de la formación para que los toques de teclados y la combinación de guitarras enriquezcan el resultado, aunque siempre en pequeñas dosis, dejando la máxima atención para Aroa. Yo les animaría a soltarse más y que la parte instrumental asuma un rol más importante.

De estos momentos de momentos de lucimiento personal, destaca el toque de elegancia de los teclados y algunos buenos solos de guitarra, como en “Nunca supe” y, sobre todo, un bonito duelo de ambas guitarras en “Sueños de cristal”.

El resto del disco camina con temas donde lo importante es la canción en sí más que el lucimiento personal, cosa que se agradece, siempre comandados por la voz de Aroa. Entre ellos me quedo con “Tu hogar” y la bonita balada “Que se pare el tiempo”, como mejores exponentes del disco. Otros cortes, sin embargo, carecen de excesivo interés, mostrando un margen de mejora que esperemos cubran pronto.

“Luz en la oscuridad” es una buena carta de presentación de Tenebra. Con buenas virtudes, deben pulir algunos defectos para ir mejorando aún más. Desde aquí les animamos a ello.

 

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Shan Tee


 

TENEBRARUMVoices” (2006)

El penúltimo disco de Tenebrarum lo editaba en Europa el Sello madrileño Mondongo Canibale Records, cinco años después de ser publicado en su país, Colombia. 

Tenebrarum fue gestado en 1990 por David Rivera en Medellín. Editando en 1992 su primera demo, “Visiones del Horror”, de estilo Death Metal clásico. En 1994 cambian su sonido y editan su primer disco “El vuelo de las almas”, mezclando música clásica con Metal, utilizando violines, piano… “Blood & Tears” (Voodoo Records, 1995), supuso su segundo disco. Le siguió “Sol negro” (Voodoo Records, 1996), recopilando la demo, el primer disco y cuatro temas en directo; y “Divine War” (Voodoo Records, 1997). “X” (Necrodeath, 2000), sólo fue publicado en vinilo con seis nuevas versiones de temas antiguos y dos nuevos. En el 2001 se edita por primera vez “Voices” (Voodoo Records). Siguió “Divine War 2002” (2002), edición en digipack que contiene nuevas versiones de antiguas canciones, y una pista multimedia con 14 temas en mp3 y un video. 

“Voices” es un disco conceptual compuesto por once temas (más extras en esta edición) que tratan sobre una historia de guerra y amor. Su música es una mezcla con mucho acierto de Gótico, Doom… Metal, donde el violín de David Rivera (ex–Maleficarum) nos cautiva con esas melodías melancólicas, erigiéndose de batuta en cada tema. Pudiendo recordarnos, mientras escuchamos el disco detenidamente, por momentos a los tristemente desaparecidos germanos Darkseed, Moonspell, Tiamat, Samael, Paradise Lost, My Dying Bride, los israelitas Orphaned Land… y demás buenos grupos de sonidos oscuros y lánguidos. Recuerdos a esos grupos pero con la suficiente personalidad para sonar por sí solos atrayentes. Todos los temas rayan a una gran altura, aunque por nombrar algunos diremos por ejemplo que una voz femenina de acompañamiento hacen más interesantes composiciones como “Voices” y “Enlightment”; además una orquesta de cámara registró algunas partes para el disco, como en la instrumental “Sadness”, pura belleza y melancolía; seguida de la instrumental está la embrujante “Visions” con melodías arábigas. El trabajo conceptual es cerrado por “*”, un corte que se sale de la línea del disco, y que es una versión de la pieza instrumental “Oxford Suite Part 1” del disco “Purple Electric Violin Concerto” (1992) del violinista británico Ed Alleyne - Johnson.

Por aquel entonces componían la banda: Juan Carlos Henao (guitarras y voces; Cromlech), Andrés Giraldo (batería), David Rivera (violín), Luis García (teclados), y el hermano de David, Julián Rivera (bajo). En la actualidad siguen los mismos componentes más el vocalista Jorge Río. 

Esta edición de Mondongo Canibale Records incluye como extras el tema “Traveler” en directo en el Altavoz Festival (Medellín, septiembre de 2005); el video-clip de “Battle” (con la banda, fuego, y guerrero incluido); y dos videos en directo de “Mar de zozobra” (tema que apareciera por primera vez en su demo “Visiones del Horror”) y “Goddess” (perteneciente a “Divine War”) en el concierto que dio la banda el 3 de diciembre de 2005 en el Altavoz Festival. 

Masterizado en Sterling Sound Studio (New York) por George Marino (Metallica, Aerosmith, Type 0 Negative...). El sonido es bueno, aunque queda un tanto oscuro y opaco, siendo el instrumento más perjudicado la guitarra. 

Su más reciente trabajo es “Winter”, editado en el 2007. 

Una banda desconocida para servidor hasta que los de Mondongo Canibale re-editaran en Europa, con distinta portada a la original, este buen álbum. Muy recomendable, grupo y disco, si te gustan las bandas que anteriormente cité más arriba. Orgullosos tienen que estar los metaleros colombianos de tener una formación de tanta calidad.

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TENEBRARUM “Winter” (2007)

Se dieron a conocer un poco más en el viejo continente gracias a la edición europea de “Voices”. A raíz del comentario que realicé de dicho álbum intercambié e-mails con David Rivera (fundador y único miembro que queda de sus comienzos) y él mismo me hizo llegar hasta el día de hoy el último disco de la banda colombiana.

“Winter” se editó en Colombia en julio de 2007. Es un disco auto-editado, con un libreto bastante trabajado y un sonido excelentemente conseguido, escuchándose todos los instrumentos y voces a la perfección y en su justo lugar. Fue grabado y mezclado en Stereomatik Studios de Medellín (Colombia) entre los meses de junio y julio de 2006, corriendo la producción por cuenta de Juan Carlos Henao (también ingeniero, junto a Sergio Echeverri como segundo) y sus compañeros. 

Con este disco se asientan definitivamente en el Metal Gótico, dejando casi por completo algunas pequeñas influencias que encontrábamos en “Voices” de otros estilos como el Death Metal y el Doom Metal. Metal Gótico que consiguen hacer más íntimo, por las composiciones, y por la voz del vocalista Jorge Río que se unió a Juan Carlos Henao (guitarras y voces), Andrés Giraldo (batería), Julián Rivera (bajo), David Rivera (violín) y Luis F. García (teclas). 

Río tiene una voz clara, profunda y correcta para los temas, aunque en ocasiones vuelven a contar con el acompañamiento de una voz femenina (Sandra Serna) y otras pocas con las guturales del guitarrista Juan Carlos Henao (quien se hacía cargo de la voz principal desde 1998). Cuando a Río le acompaña la fémina los temas suenan más “pegadizos y comerciales” como sucede con el tema de apertura “One Step (From Love To Hate)”, con un comienzo instrumental sólo de teclas y violín (además de efecto de ¿lluvia?) bastante profundo, bello y emotivo, consiguiendo uno de los mejores temas, con su gran estribillo cantado a dúo por Río y Sandra. Otras canciones donde participa la vocalista son “Saving You”, “El despertar”…

“Heartless” posee un ritmo cadente con una buena y sólida base rítmica, además de la gran aportación que hacen el violín y las teclas aquí y a lo largo de todo el disco. En esta canción aúnan siempre que repiten el estribillo por segunda vez las voces de Río, Sandra y la gutural de Henao. También coinciden las tres voces en “This War Is Over (Now)”. 

Experimentan un poco, sonando a música Electrónica, en el comienzo de “Panzer Division (Of Me)”, otra de las composiciones más destacadas junto a “Winter (In My Heart)”, habiendo en ésta melodías arábigas, como aparecían también en el tema-título de su penúltimo disco, y más adelante en “Struggle In Me”. 

“My relief” quizás sea la canción con menos luz del disco, cubriéndonos con un manto oscuro y de tristeza. 

Incluyen dos temas en castellano, “El despertar” y “El velo”. Temas que suenan bastante góticos y que al principio me dejaron un poco descolocado, prefiriendo los temas en inglés, pero a base de escucharlos se les va pillando el gusto. “El velo” es una versión al tema de la banda colombiana Estados Alterados. Grupo que al parecer tuvo bastante trascendencia a finales de los 80 y en los 90 allí, mezclando Rock con Electrónica. 

La instrumental “Perverse” les queda de lujo con la intervención del saxofón de Juanito Rivera. 

Y es que además de la participación de la vocalista y del saxofonista, contaron con un contrabajo, diversos violinistas, violas y chellos en “Saving You”, “El despertar” y “This War Is Over (Now)”; y Luis Ángel, quien además de grabar y mezclar los instrumentos de cuerda añadió teclas en “This War Is Over (Now)” (dedicada a unos seres queridos que se marcharon).

En la edición europea de “Voices” añadían extras del Altavoz Festival en Medellín de 2005. En esta ocasión está como bonus track el tema “One Step” grabado en la edición de ese festival en noviembre de 2006. El tema suena más crudo y sin el atractivo de la voz femenina, escuchándose sólo al público al finalizar el tema. 

A pesar de ceñirse aún más al Metal Gótico con “Winter”, les ha quedado un gran disco variado a esta gran banda. 

Echando un vistazo a su Myspace parece ser que el vocalista Jorge Río ya no forma parte de la banda. Volviendo a tomar la voz principal Juan Carlos Henao y contando a las voces con Yesenia Aguillón.

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TERMINAL 6 “Comienza el viaje” (2010)

Terminal 6 es un grupo relativamente joven. Formados en 2008, pusieron en circulación una demo llamada “Pero la vida…” en 2009 antes de aventurarse en grabar este primer disco que hoy os comentamos.

El grupo lo forman Rafa Gas! (voz), Álvaro de Prado (guitarra), David Martín (guitarra), Moi Arredondo (teclados), O.L. Simpson (bajo) y Ernesto de Prado (batería), y aunque declaran que los inicios del grupo estaban encaminados en la senda del AOR, el resultado de “Comienza el viaje” está a medio camino entre Rock melódico y Pop-Rock. Esta segunda opción viene avalada por una producción orientada a destacar la voz de Rafa Gas, de timbre y línea melódica bastante similar a Javier Ojeda (Danza Invisible), dejando en segundo plano la aportación instrumental del resto de la banda. Esto no es bueno ni malo, simplemente es la opción que ha elegido Terminal 6 para darse a conocer, aunque ello nos priva de disfrutar estos temas con algo más de contundencia, algo que nos haría apreciar más el buen trabajo de las guitarras.

Grabado y producido en los Olmostudios de Juan Olmos, son varias las colaboraciones con que nos encontramos, como el slide de Nacho Ortiz (Antigua) en “Grita el descontrol”, el solo de guitarra de Javier Mira (Punto de Mira) en “Madrid-La Plata” y las voces de José Bulevar en “Cambia el disfraz”, Arturo (Básico) en “Razas de ciudad” y Elena Capelo en “Camino a mi ansiedad”, un delicioso tema dedicado a la memoria de Antonio Vega que cierra el disco.

Aún echando de menos algo más de fuerza en su propuesta, el disco entra fácilmente en las primeras escuchas, con composiciones de calidad como “Esto es Rock and Roll”, “Grita el descontrol”, “Razas de ciudad” y el medio tiempo “Solo en la ciudad”, que junto con el precioso dueto con la voz femenina que es la comentada “Camino a mi ansiedad”, hacen que el disco no pase desapercibido.

“Comienza el viaje” no será el disco de mi vida, pero me ha dado las suficientes razones como para interesarme en el futuro por nuevas entregas de Terminal 6.

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Shan Tee


 

TERRORIFIKA “Sangre” (2010)

Si disfrutas viendo clásicas e históricas películas de Drácula interpretadas por grandes como Bela Lugosi, Christopher Lee… hasta su continuado legado a lo largo de los años en el cine de vampiros (la mayoría de títulos más para olvidar que para recordar), e incluso con el fenomenal muñeco del Conde Draco de “Barrio Sésamo”, jejeje, muy posiblemente te llamen la atención Terrorifika. Un grupo que cataloga su música como “Vampiric Sound” y cuyas letras en su mayoría tratan de esas criaturas chupasangres, tanto las del romántico pasado como las actuales, lamentablemente éstas cada vez abundan más en nuestro mundo.

Los primeros mordiscos los daba Pere Portell “Mr. Caos” (voz, guitarra y programación) en Gerona en septiembre de 2008, sumándosele al rito sangriento Toni Lopera “Lordpera” (bajo y teclado) y Joseph María Iglesias “Txil” (batería y samplers). En el otoño de 2008 componían y grababan su primer tema: “El baile de los vampiros”, título inspirado en la película de Roman Polanski, y que incluyeron en el recopilatorio de libre descarga “La tierra de los sueños vol. 4” (2009). Su segundo tema fue “Crónicas de sangre”, el cual se utilizó para presentar la película “Las crónicas de sangre I - El despertar” del director Miguel Ángel Carrión Rojas. Haciéndose un videoclip del tema con secuencias de la película. Filmando después el mismo Miguel Ángel en Ciudad Real (agosto de 2009) el segundo videoclip de Terrorifika, del tema “El baile de los vampiros”. El trío gerundense siguió con más aportaciones en el séptimo arte y con el director citado, en su corto “Pura realidad”, donde hay tres temas instrumentales.

Comenzando noviembre de 2009 Terrorifika entraron al estudio para registrar este autoproducido primer álbum, “Sangre”, que fue terminado finalizando febrero de 2010. Saliendo un par de meses después bajo el Sello Mutant-e Records.

Terrorifika se mueve por tenebrosos terrenos de Metal / Gothic Industrial y Electrónico, pudiendo recordarnos, salvando bastante las distancias, a Rammstein, Blood… y grupos parecidos. A pesar que la mayoría de canciones piden mayor contundencia, fuerza… e incluso un halo más siniestro, pareciéndome algunas de sus letras un tanto pueriles (por ejemplo las de las pegadizas, y seguidas en orden, “Cuervo negro” y “La orden del dragón”, “Sólo vampiros”, “Clan oscuridad”…). Alcanzando las trece canciones que contiene el CD más de setenta minutos de duración, algo excesivo y que termina haciendo el disco pesado.

Abre el álbum “Crónicas de sangre”, casi en su totalidad es un medio tiempo de Metal Industrial con marcados ritmos y riffs. Ese tema de apertura junto al duro y dinámico “La ascensión” (con inclusión de la voz de Laura, quien recita un pequeño texto en latín) formaron parte de la banda sonora de “Las crónicas de sangre II - La ascensión”, dirigida por Miguel Ángel Carrión.

En “Vlad de Valaquia” nos cuentan la leyenda de Vlad Tepes, el sanguinario conde rumano que vivió en el siglo XV y que inspiró al escritor irlandés Bram Stoker para escribir su famoso libro “Drácula”. No es el único personaje histórico a quien se le rinde homenaje en una canción, el cuarto corte, “Elisabeth Bathory”, trata de la asesina y sangrienta condesa húngara que vivió entre los siglos XVI y XVII.

Uno de los temas más “originales” y que más me llama la atención es “Foc”, cantado en catalán y donde nos transmiten las sensaciones durante la fiesta del Correfoc en la localidad de La Bisbal del Ampurdán (en catalán La Bisbal d´Empordà). Apareciendo en él el sonido de la gralla (nombre en catalán que se le da a la dulzaina) tocada por Jordi Gasull. Éste también es el encargado de la gaita que suena en “Elisabeth Bathory”, no quedando de mi gusto.

Además de la participación de Laura (actriz que es Gabriela en la película “Las crónicas de sangre II – La ascensión”), también hay otra voz femenina, ésta de Eulalia durante “La tierra de los sueños”.

Muestran su declaración de principios y apoyo a los seguidores de las tendencias oscuras durante temas como “Gótikos”, “Sólo vampiros” (inspirada en la web www.solovampiros.com y dedicada a Marcos Lugossi y Lady Morte), “La noche es nuestra”, “Clan oscuridad” y “El baile de los vampiros”. Dichos temas, salvando “La noche es nuestra” y ciertos ritmos y pasajes, además de la gran mayoría de los otros que integran el disco, me parecen flojos en su conjunto.

El trío pasó a cuarteto con la entrada de Fran Dark (guitarra) en febrero de 2010. Pero cuando la banda se encontraba preparando sus conciertos, el batería Txil sufría un accidente que lo tuvo fuera de circulación durante siete meses. En ese período se tomaba la decisión de dar por finalizada la historia de Terrorifika.

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TERRORISTARS “Made In HellSpain” (2007)

Poco queda de aquella banda formada en el 2002 por el vocalista David Curtonates (ex–Kaothic, Not For Us, In Fango) con su primigenia formación compuesta por Carlos Bokor y Herrero (guitarras), Txarly Solano (bajo; ex-Pi L.T.) y Kiki Tornado (batería; Def Con Dos, ex–Sindicato del Crimen, Sex Museum…), que registrara su primera demo; o de la que grabó su primer álbum “Satanistars” (2004), tras quedar terceros en el concurso “Villa de Bilbao”, con Curtonates, Santos y Herrero (guitarras), y la base rítmica de Cabrera y Chan – suplida antes de salir el disco por Putas (bajo) y Brenestorm (batería), respectivamente. Pero ante las adversidades nada pudo parar a su alma máter, Curtonates (Vociferator), reponiéndose de la desbandada general en el seno de Terroristars, y volviendo con arrojo con nuevos, pero experimentados, músicos en las personas de Furnicator (Bandurria killer; ex–batería en Avulsed, Intoxication, Suffocation), Herr Mess (Hellmafroguitar), DFcator (Basstarko; aunque el bajo lo grabara Podrideath) y Sr. Delacalle (Bestial demolition; ex–Kaothic, Mistress). Como si alguien les hubiera echado mal de ojo, y estando a punto para entrar a grabar este segundo disco con Big Simon (productor en sus dos anteriores grabaciones), el gran productor y persona fallecía. Siendo finalmente, con mucho esfuerzo y trabajo, producido por Curtonates y Furnicator, y mezclado en “The Rockstudios” (Bilbao) por Carlos Creator.

Si en su anterior “Satanistars” se presentaban cual carniceros locos embadurnados en sangre, en esta obra se nos muestran como peligrosos y dementes vagabundos. No inventan nada nuevo con la idea de disfrazarse y adoptar una personalidad en general, aunque imagino que en sus directos, si salen de tal guisa, deben dar bastante vistosidad, a pesar de que ya hay bandas en España que también teatralizan en directo, viniéndoseme a la cabeza en estos momentos los alicantinos Blood, los valencianos Code Name…

Pero vayamos a lo importante, la música. Amalgama de sonidos extremos pero asequibles, ¿puede eso ser así? Posiblemente la gente que en su mayoría guste de lo que hacen Terroristars es gente que siga a Slipknot, Gwar, The Berserker… (atraídos por sus indumentarias), a grupos como Korn, Deftones… Brujería, los Sepultura de los últimos años de la formación histórica… y jóvenes que les gusten los grupos que van de malotes, provocando, contra lo políticamente correcto, sin cortarse un pelo, y devastando con sus letras a todo Cristo. Por más que lo intento escuchando los trece cortes del disco no le encuentro nada atrayente, ni en música, ni en las letras. Aunque hay ritmos y pasajes de Death Metal, dudo que la gran mayoría de seguidores de ese estilo compren un trabajo de Terroristars, al menos servidor prefiere escuchar mucho antes a una banda extrema, de las muchas que hay con calidad en nuestro país, que a Terroristars. Nunca me ha agradado que los grupos mezclen castellano con inglés y Curtonates lo realiza en la mayoría de los temas, incluso se atreve a poner acento güiri en castellano al final de “Made In HellSpain”.

En este segundo disco, al igual que en el primero, también cuentan con algunos invitados. Vuelve a poner su voz la vocalista Lou Garx (Sonora) en una canción, en esta ocasión en “Delamuerte”. En “Matalero”, donde todas las tribus urbanas reciben “piropos”, interviene Richarking (Clan Infecto). Habiendo un pequeño homenaje a Big Simon con su voz en off al final de “World Massacre Tour” (en su inicio parece el “Biotech Is Godzilla” de Sepultura). En los créditos no informan de quien pone la voz femenina en el tema de apertura, “Made In HellSpain”.

Esperaba muchísimo más de esta gente en cuestiones musicales, pero más que un grupo serio me suena más a una banda para pasar el rato destinada a adolescentes y jóvenes rebeldes. Mucho ruido y pocas nueces.

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TESLA “Replugged LIVE” (2001)

Este año 2001 ha sido muy prolífico en cuanto a discos en directo y para colmo, todos de grande factura. Así, de cabeza, cabe recordar: “Live Insurrection” de Halford, “Live Scenes From New York” de Dream Theater, “Live On the Edge Of Darkness” de Symphony X, más otros que se quedan en el tintero….

La banda que nos ocupa, Tesla, se ha encontrado fuera de la cabeza de todos durante más de 5 años, pues realmente su estilo, el Hard Rock, durante la segunda década de los 90 no ha sido ni muy seguido ni un género de masas en América, donde lo que realmente se ha llevado y ha vendido han sido las bandas de nu metal o de música alternativa con lo que bandas como ésta, Motley Crue o Poison han sido condenadas al ostracismo.

Cuando ahora parece que toda esta nueva ola de bandas ha “decaído” o se encuentran un poco estancadas, van Tesla y se encauzan en una gira americana, de donde han grabado éste “Replugged Live”, que antes de nada comentar que no tiene nada que ver con el disco acústico que editaron hace un tiempo llamado “Five Man Acoustical Jam”. En este directo encontrarás a la banda en su pleno estado: temas rockeros, de puro hard rock americano hecho con rabia, y con, por supuesto, saber y buen hacer.

El disco viene en formato doble (así que casi las 3.000 pts que pagarás por él están casi compensadas) con un total de 20 canciones, en las que repasan casi toda su discografía, sobre todo centrándose en sus obras más conocidas, caso de “The Great Radio Controversy”, “Psychotic Supper” y “Mechanical Resonance”, aunque también encontrarás temas de su otro disco, “Bust A Nut”.

El Show (porque de lo que se trata es de un SHOW con mayúsculas) comienza con su cañonazo “Cummin´ Atcha Live”, de su disco “Mechanical Resonance”, un comienzo con guitarras distorsionadas, sonido de banda de hard rock puro, con una voz impresionante de Jeff Keith que destaca por encima de toda la banda. ¡Que pedazo de voz tiene! Aunque en ciertos matices me recuerde a Chris Robinson de Black Crowes, Jeff quizá esté por encima de él.

Sigue el concierto con “Ez come Ez Go”, también de “Mechanical Resonance”, un tema quizá con un comienzo más tranquilo, pero igual de rockera y furiosa que la anterior. Continúan con el tema inicial de su segundo disco, “The Great Radio Controversy”, “Hang Tough”, para dar paso a un tema también de “Mechanical Resonance”, “Gettin´Better”, un tema con comienzo acústico que me recuerda al del “Five Man Acostical Jam”.

“The Way It Is”, también un tema semi-acústico, demuestra lo versátil que es la banda, para dar paso a uno de los Hits-Singles de la banda, “Song & Emotion” de su “Psychotic Supper”, en la onda de los dos temas anteriores: medios tiempos lentos con mucha acústica y mucha (y buena) melodía por parte vocal de Jeff Keith. El resto de los 4 temas del primer disco: “Changes” (de su debut), “Call it what you Want” (de “Psychotic Supper”, otro de sus temas estandartes), “Lazy Days, Crazy Nights” (de “Great Radio”) y para terminar “We´re No Good Together” (de “Mechanical...”).

En el segundo CD se siguen centrando en sus 3 primeros discos (dejando casi para el olvido su cuarto y último en estudio “Bust A Nut”, del cual la única representación la hacen con el tema “Mama´s Fool”, con lo cual ellos mismo dan a entender el fiasco que supuso ese disco) con temas como “Heavens Trail”, “Love Song” de “Great Radio Controversy”. “Edison´s Medicine”, “Freedom Slaves”, “Whay You Give” de “Psychotic Supper”, “Little Suzi” y “Modern Day Cowboy” (con la que terminan el directo) de “Mechanical Resonance”.

Todo ello amenizado con un sonido realmente potente, nítido donde se escucha con claridad a toda la banda y aún a pesar de que está grabado en varios shows no te da motivos para que lo pienses. No se nota apenas cambios de un tema a otro.

En cuanto a la presentación, realmente bastante buena, con mucha información y buenas fotos de la banda en directo.

Ahora sólo esperamos que esto no quede así y que ésta gira que han llevado a cabo y de la que ha salido éste disco sea fructífera y dé paso a un disco de estudio que nos vuelva a recordar los primeros 3 discos de la banda, los cuales deberían estar en las estanterías de cualquier amante del Hard Rock americano hecho como dios manda. Mientras tanto, pegaros una escucha a este doble directo que por su grandiosidad debería con el paso del tiempo acompañar a discos como “Made In Japan”, “Alive”, “Live And Dangerous”, “Live in the Heart of the city” etc etc. ¿Exagerado? Para nada....

Javier Sánchez (Javibackyard)


 

TESLA “Into the now” (2004)

“Estos no son mis Tesla, que me los han cambiao”, me dije. Aunque no sé de qué me sorprendo, porque ya el anterior en estudio “Bust a nut” (1994) me pareció un ladrillo. Sin embargo, lo que menos me esperaba es que un grupo de heavy metal llegara a la madurez pensando que el camino correcto es la fusión del grunge y el nu-metal (¿”nu-grunge”?). Mis respetos a Seattle y a los pantalones cagaos, pero digo yo que a lo mejor es que NO han llegado a la madurez. De paso miro a mi alrededor por si las moscas.

Dejo que mis orejas me guíen y por más que lo escucho sigo pensando lo mismo. Busco, rebusco, entresaco entre los 12 temas que componen el disco y apenas encuentro donde pararme: Algún momento de gloria en “Look @ me” que se difumina cuando tengo que cerciorarme de no estar escuchando a Nirvana. “What a shame”, mucho más parecida a los Tesla de siempre, “Words can’t explain”, si acaso la pelín empalagosa “Come to me” y pare usted de contar.

Tengo que reconocer, eso sí, que la voz de Jeff Keith sigue siendo la misma, que el disco es bastante homogéneo, que la portada es algo más que atractiva, e incluso si te olvidas de que son Tesla se soporta mucho mejor. Sin embargo hago un esfuerzo por pasar el berrinche, por tranquilizar el ánimo, por intentar ser lo más justo posible conmigo mismo, me relajo, me abstraigo... y llego al Nirvana!. Así es que nada, no hay manera.

Por lo tanto ya sabéis, quien recuerde a los Tesla del “Mechanical resonance” o “The great radio controversy” que no se gaste los cuartos en este disco, porque de aquello queda muy poco. Pero si lo que os va es el refrito de dos épocas separadas por una docena larga de años, este es vuestro disco. Por lo que a mí respecta, mi relación con el “nu-grunge” empieza y termina aquí. Al final tengo que registrar la patente de la etiqueta, ya veréis.

Alvar de Flack


 

TESLA “Real To Reel” (2007)

Esto de hacer versiones de clásicos y grabarlas no deja de ser polémico. Hay quien lo ve como una forma más de escurrir los maltrechos bolsillos de los fans, otros como una manera de rellenar un período de escasez de ideas, otros como las dos juntas… pero también somos bastantes quienes lo vemos como una posibilidad interesante de escuchar temas desde otro punto de vista, incluso es una forma como cualquier otra de pasar un buen rato si, además de gustarte los covers, eres de los que intentan hacerlos. Yo, al menos, lo recomiendo.

Une una buena banda junto a un montón de clásicos imperecederos y tendrás un buen disco casi con seguridad. Aquí lo intentaron Saratoga con su disco “Tributo” en 1996, aunque el resultado fue manifiestamente mejorable, pero por ahí fuera hay grandes discos de este tipo, como “Cover To Cover” (1995) de Jeff Healey, o “Inspiration” (1996) de Yngwie J. Malmsteen. Esa fórmula a mí me sigue valiendo, al menos esa es la conclusión que saco de la avalancha de discos-tributo y versiones que están apareciendo últimamente, aunque también hay auténticas pifias, especialmente las que se han hecho dentro de nuestras fronteras.

No es el caso de este disco, ya digo. Jeff Keith se descubre aquí como un cantante de voz camaleónica, capaz de emular, que no imitar, con notable alto a Robert Plant en “Thank You” de Led Zeppelin, o a Ian Gillan en “Space Truckin’” de Deep Purple, dos de las canciones con mejor resultado final. Y hablo de Jeff Keith, pero el resto del grupo está a un gran nivel de interpretación, Dave Rude y Frank Hannon (guitarras), Brian Wheat (bajo) y Troy Lucketta (batería).

Hay algún momento más bajo, como la versión de Aerosmith “Seasons Of Wither”, un poco forzada, o “Do You Feel Like We Do” de Peter Frampton, que no digo que sea mala, pero no está tan currada como el resto. Lo demás es una sucesión de temas hechos desde el respeto hasta completar un doble disco de buenísimas versiones. Por citar algunos buenos momentos, “Bad Reputation” (Thin Lizzy), “Rock Bottom” (UFO), “Stealin’’” (Uriah Heep), “Shooting Star” (Bad Company), “Street Fighting Man” (Rolling Stones), “Day Of The Eagle” (Robin Trower), Dear Mr. Fantasy (Traffic) y así hasta 25, aunque existe una serie limitada con tres temas más solo publicada en los USA.

Este disco no sólo le gustará a quien sea fan de Tesla o le gusten las versiones, también a quien desconecte el chip encorsetado del purismo y se deje llevar por buena música hecha por buenos músicos, que es realmente lo que hay dentro.

Alvar de Flack


 

TESLA “Alive in Europe!” (2010)

No llegaron a las cotas de popularidad de otros grupos coetáneos, pero la calidad de Tesla nunca ha podido ser cuestionada. Su prestigio se cimentó en dos obras de arte del calibre de “Mechanical Resonance” (1986) y “The Great Radio Controversy” (1989), más un directo en formato acústico “Five Man Acoustical Jam” (1990) que instauró la moda de este tipo de discos, adoptada después por todo tipo de grupos. “Psychotic Supper” (1991) bajó la cota de calidad, y dio paso a un largo período de ostracismo en los que apenas pudieron mantener su nombre a flote, con apenas un par de discos que pasaron sin pena ni gloria: “Bust A Nut” (1994) e “Into The Now” (2004), con un disco en directo entre ellos (“Replugged Live” – 2001). En 2007 hubo un intento de reflotar el nombre de Tesla con una de las opciones más socorridas: un disco de versiones. En este caso no fue uno, sino dos, llamados “Real To Reel 1” y “Real To Reel 2”, que levantaron el ánimo lo suficiente para editar lo que hasta ahora era su último disco, “Forever More” (2008).

La gira de este disco tuvo dos partes, cada una de las cuales se verá reflejada en un disco en directo. El primero de ellos es el correspondiente a su periplo europeo, con el descriptivo nombre de “Alive in Europe!”, mezclando temas grabados de varios de sus conciertos en el viejo continente.

La formación de la banda en esta gira fue la habitual en los últimos años: Jeff Keith (voz), Frank Hannon (guitarra), Brian Wheat (bajo), Troy Luccketta (batería) y Dave Rude (guitarra), es decir, la formación original de la banda con la excepción de Dave Rude, quien entró en la época de los “Real To Reel” en sustitución de Tommy Skeoch, apartado del grupo por sus problemas con las drogas.

“Alive in Europe!” es una espléndida opción para conocer el buen estado de forma actual del grupo. El disco recoge muchos de los grandes temas de su carrera, y el buen sonido del que goza permite disfrutar tanto del buen hacer de la banda como de la interactuación con el público, muy activo en todo el trabajo. En este apartado, los cortes grabados en España son los más aclamados, y los constantes agradecimientos de Jeff Keith al público barcelonés así lo atestiguan. Por supuesto, los grandes clásicos del grupo son los que más destacan, como “Modern Day Cowboy”, “Heaven’s Trail” o “Shine Away”, aunque es con “Love Song” y “Lil’ Suzie”, donde grupo y público consiguen elevar al disco a su punto más álgido.

La grabación ha logrado capturar en toda su esencia el feeling de la banda con el público, algo que debería ser inherente en todos los discos en directo, pero que no siempre se cumple. Esta interacción, más el sonido directo del grupo (si ha habido retoques en estudio, estos no se notan), dan una agradable sensación de sinceridad, y nos trasladan a lo que debieron ser los shows en vivo. El grupo está en sus mejores momentos, con momentos de gran brillantez, como en “The Way It Is”, donde van aumentando la intensidad hasta terminar de forma pletórica, o en “Love Song”, con el público barcelonés tarareando toda la intro acústica.

Si eres de los que disfrutan de los discos en directo, no dejes pasar este “Alive in Europe!”. Te darán ganas de no perdértelos en la siguiente ocasión que pasen por aquí.

Shan Tee


 

THAYKHAY “Tan cerca del Sol” (2007)

Últimamente los grupos rebuscan más los nombres para no repetirse, y al final acaban llamándose de formas cada vez más raras, aunque tenga que ver con el sonido del grupo. En este caso, el Thaykhay es una sustancia alucinógena que utilizaban los brujos indios para sus conjuros y sus historias, y algo de eso tiene también la música del grupo, progresiva, psicodélica y un poco alucinógena.

Esta banda madrileña empezó a tomárselo en serio en 2005, cuando su teclista y cantante, el argentino Mariano Augillo, monta el grupo y graban su primera maqueta con cinco temas, de la que se adivinan influencias de grupos como A Perfect Circle, Incubus o Mars Volta. En octubre pasado se publica su primer LP, este “Tan cerca del Sol”, acompañando a Mariano Augillo el guitarrista Adrián Galicia, el batería Miguel Morales y el bajista Alberto Perantón.

Como decía, se trata de una música que puede entrar dentro del enorme “saco” del rock progresivo, pero que recuerda mucho a bandas que filosofaban en los setenta sobre el sentido de la vida y el infinito. No son tan experimentales como pudieran serlo algunos de aquellos mitos de lo ácido-sinfónico, tipo Hawkwind y similares, pero sí una mezcla entre los nuevos conceptos de progresión y sonidos más obtusos, que oscilan desde las armonías más melancólicas de los Marillion de Fish hasta el pop más desgarbado de los primeros ochenta.

Ellos mismos dicen que han intentado plasmar en sus canciones pasión y emotividad, y eso es algo de lo que te das cuenta con varias escuchas. En un primer momento pueden parecerte algo monótonos, especialmente por el timbre de voz de de Augillo, pero una vez que desgranas todos y cada uno de los doce cortes del disco te das cuenta de que abordan temas que no habían vuelto a tratarse desde los buenos tiempos de Bloque, y yo personalmente es algo que agradezco.

Hay temas tan buenos como “Universo visual incongruente” que incluso podrían servirles para ocupar un espacio en el que pueden confluir melómanos de diferentes gustos. Una maravilla de canción, como también lo es “Paralelo”, algo más pausada y acústica, pero igualmente emotiva.

También merece la pena reseñar la colaboración de Pablo Duque (violín) que dota a “Apacible desesperación” de un plus de dramatismo que la convierte en otra de las importantes del disco, y también es curiosa otra colaboración, la del coro de niñas que participan en el tema-título “Tan cerca del Sol”.

El resumen de lo que es el grupo y su música está contenido en la frase con la que reciben a quien entre en www.thaykhay.com: “…y si en ese inevitable infinito fuéramos irrepetiblemente únicos? Con el irrechazable privilegio de una extraña e inexplicable magia llamada vida… desperdiciarías la única oportunidad de existir en la inagotable cuenta del tiempo?”. Pues eso.

Para nostálgicos de las letras trascendentales, amantes de los sonidos sensibles y escuchantes, que no oyentes, de música con sentimiento.

Alvar de Flack


 

THE EYES “Hold Your Axes, Rip Their Guns” (2011)

Tienen ya tres discos en el Mercado, y a pesar de eso hasta hace poco eran unos desconocidos para mi. Nunca he prestado mucha atención a los sonidos extremos, y he reconocer que me cuesta mucho aceptar las voces guturales, pero sé que debo esforzarme por evitar los prejuicios y abrir los oídos para percibir las virtudes de bandas como The Eyes.

Dos años han pasado desde su anterior trabajo (“Insignis” – 2009), y la banda permanece inalterada, salvo en el cambio de batería, ya que es ahora Guillem quien aporrea los parches, en sustitución de Miguel. El resto del grupo son Wero (guitarra y voz), Edgar (guitarra), Christian (bajo) y Jordi, quien se encarga de dejarse la garganta en todos los temas.

El estilo es Death Metal Melódico, algo que siempre me ha parecido una contradicción, pero que se explica escuchando discos como este. Los temas suenan poderosos, intensos y el sonido es limpio y nítido, y la voz gutural le da el punto de brutalidad necesaria para encuadrarles en este estilo extremo. Teniendo en cuenta la dificultad de hacerlo en esta forma de cantar, podemos percibir sus esfuerzos por incluir algo de melodía en estos temas, cosa que se agradece.

El mejor resultado de este intento lo tenemos en “Marea negra”, el único tema del disco cantado en español, y que se nos antoja el más atractivo dentro de una buena línea general. El grupo suena bien, muy compacto, demostrando una buena compenetración fruto de los años y, sin duda, del trabajo hecho en común.

Los temas se suceden uno tras otro en esta combinación de rudeza vocal y contundente instrumentación, con el atractivo añadido de coros de voces limpias que suavizan en cierta medida la agresividad que destila el disco. Tras insistir en las escuchas, he conseguido acostumbrarme lo suficiente a esta voz gutural como para sacar partido a los temas. Algunos de ellos, de contar con una voz limpia, se podrían encuadrar dentro del Heavy Metal clásico, como los temas que abren y cierran el disco, “Chants From The Ashes” y “Metal Throne”, quedando los cortes intermedios (“Commitment”…) como los mejores exponentes del metal extremo.

El Death Metal melódico tiene su buena legión de seguidores, entre los cuales yo no me encuentro. Sin embargo, he de reconocer que The Eyes suenan bien, el grupo tiene calidad y este disco se hace atractivo.

 

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Shan Tee


 

THE MOON AND THE NIGHTSPIRIT “Regõ Rejtem” (2007)

Formado en 2003 por Agnes y Mihaly, el dúo húngaro tiene en su haber un EP grabado en 2004 y un larga duración, “Of Dreams Forgotten And Fables Untold” editado en 2005 por Equilibrium Music.

Y es bajo este sello portugués que The Moon And The Nightspirit saca al público su segundo disco, “Regõ Rejtem”. En él te vas a encontrar nueve temas de música folk medieval en los que se aprecian diversos instrumentos tradicionales como el tapan (un tambor de madera), el kaval (una flauta típica de los Balcanes), la cítara o el harpa, sin dejar de lado la guitarra o el violín, que acompañan a la melódica voz de Agnes.

Las canciones están cantadas en húngaro, y la temática de las letras está centrada en el mundo de los espíritus y la madre tierra. De hecho, las palabras Regõ Rejten vienen de canciones ancestrales húngaras y podrían ser traducidas como “yo conjuro con magia”. Y es cierto que el CD te transporta a tiempos pasados donde lo mágico no era extraño y sí la norma. El CD se presenta en formato digipak con un libreto en color con diseños pintados por Agnes y con las letras en húngaro y sus correspondientes traducciones al inglés.

Web THE MOON AND THE NIGHTSPIRIT - Web Equilibrium Music

Ramiro Morales-Hojas “Motörhead”


 

THRUSTOR “Abysmal Fear” (2012) 

Los hermanos Sardo (Phil y Tony) son los creadores del proyecto Thrustor, ubicado en la zona de Chicago, Illinois (USA), quienes editaban su segundo álbum: “Abysmal Fear”. Aunque para saber la historia y procedencia de Thrustor hay que echar la vista atrás, a la década de los 80, y en concreto a un par de grupos de Los Angeles: Sceptre y Sardo.

La historia musical de los Sardo se remonta a los comienzos de los 80, cuando a finales de 1981 fundaban Sceptre (considerada después una banda de Power / Speed / Thrash Metal), Tony (bajo) y Phil (batería), junto al vocalista Mark McCraken y al guitarrista Doug Barrett. Pero a finales de 1982 se rompía la formación original, entrando como sustitutos el guitarrista John Cramps, y unos pocos meses después, a comienzos de 1983, ocupaba el puesto de vocalista Butch Say. Comentar que John Camps (con nombre real Jean Pierre Cramps), luego fue más conocido en el panorama metalero como John Cyriis (el mítico vocalista de Agent Steel), y para los interesados en cotilleo metalero se casó con Layla Sardo (hermana de sus compañeros), con quien tuvo un hijo.

Sceptre grabaron una demo: “Sceptre” (1983), que contenía tres canciones: “Sceptre”, “144.000 Gone” y “Taken By Force”, siendo la dos últimas compuestas por Cramps y después rescatadas para Agent Steel en su “Skeptics Apocalypse” (1985). Llegando a aparecer Sceptre en el recopilatorio “Metal Massacre IV” (Metal Blade Records, 1983) con el tema “Taken By Force”. Resaltar que Sceptre, junto a Witch, compartieron escenario con W.A.S.P. en el mítico Troubadour el viernes 24 de junio de 1983.

Poco antes de que el disco de “Metal Massacre IV” se editara, Sceptre se rompía (pasando el guitarrista John Cramps a ser el vocalista de Abbatoir en 1983 y después en Agent Steel), intentando seguir con un tal Rudy a la guitarra, y Michael Damien a la voz, pero finalmente Sceptre pasaba a mejor vida, y su continuación nacía en 1985 con la banda Sardo, haciéndose acompañar los hermanos (pasando Phil de la batería a la guitarra) de nuevos compañeros (Dave Dickerson - batería; y David Ash - voz) , y grabando un par de demos en 1986 (con un batería temporal) y 1987. Sardo abrió el concierto de Dark Angel en el Troubadour el 20 de junio de 1986. La banda dejaba su actividad a finales de 1987 / comienzos de 1988.

Después de bastantes años sin saberse nada de los Sardo en el panorama musical (aunque Tony estuvo en una banda de Los Angeles a principios de la década de los 90), a finales de 1997 volvían con el nombre de Thrustor y sacaban su primer disco: “Night Of Fire” (Black Bastola, 1999 / 2000), rescatando temas de los 80 de Sceptre y de Sardo. Encargándose Tony Sardo del bajo, y su hermano Phil de las guitarras y la batería, repartiéndose la labor vocal entre los dos. Siendo el álbum años después reeditado, con diferente portada a la original, en CD y vinilo -en junio de 2008 y en mayo de 2009, respectivamente- por los franceses de EmanesMetal Records, añadiéndoles un par de temas extras en versión demo de Sceptre. Después de unos cuantos conciertos en enero y febrero de 2008 por Chicago y el estado de Illinois, Thrustor (en formación de cuarteto) formaron parte del Milwaukee Metal Fest. el 7 de junio de 2008. Consiguiendo también tocar como cuarteto (con un vocalista de nombre Jim) en Europa, dentro del festival “Long Live Metal!!! 3” de Templeuve (Bélgica) el sábado 9 de mayo de 2009, junto a Manilla Road, Metal Inquisitor, Rising Dust, Witchsmeller Pursuivant, Bloody Sign, Serpent Saints y Hürlement.

Doce años + 1 transcurrieron para volver a tener un nuevo trabajo de Thrustor. Phil Sardo (guitarras / voz) y Tony Sardo (bajo / coros) en esta nueva entrega de Thrustor se hicieron acompañar del batería Tomasz Pilasiewicz “SickDrummer” (Disinter, Corphagy, Holocaustum, ex-Gorgasm, Ad Infinitum...), reemplazando a Jeremy Link (ex-Deadnight, Morgue Supplier, Necrogression, Urn), quien estuvo en Thrustor desde octubre de 2007 hasta mediados de 2008. Siendo las diez composiciones de las que consta el álbum escritas por los Sardo entre 2010 y 2012. Grabadas por el inglés Neil Kernon - Auslander (quien re-mezclara la re-edición del primer disco; habiendo trabajado en álbumes de Judas Priest, Dokken, Queensrÿche, Flotsam And Jetsam, Nevermore, Cannibal Corpse, Akercocke, 3 Inches Blood, Nile, Deicide...); y mezcladas y masterizadas por Mathew Prock en Area 44 Music. Publicándose “Abysmal Fear” por el Sello EmanesMetal Records. Con portada del israelita, afincado en Alemania, Eliran Kantor, autor también de la portada de la re-edición de “Night Of Fire”, y entre otras portadas de Satan, Sodom, Evile, Anacrusis, Atheist, Testament... de la de “Viocracy” de los thrashers catalanes Aggression.

Los diez cortes que contiene “Abysmal Fear” son clasificables en el género del Power / Thrash Metal, estando muy trabajados y elaborados instrumentalmente. Acompañando los potentes e intensos riffs y solos técnicos y melódicos de Phil, las presentes notas y líneas de bajo de Tony, además de la inmensa y portentosa batería de Tomasz. Es de esos álbumes que a cada escucha descubres cosas nuevas, deleitándote con los detalles y las diversas estructuras de las canciones durante cerca de cincuenta minutos.

La inicial “Struck By The First Stone” (con pequeña introducción bíblica donde se dice en latín: “Quien esté libre de pecado, que tire la primera piedra”) es una contundente y potente composición de Power / Thrash Metal con sencillo, enérgico y letal estribillo. Y aunque sus canciones son en general de estilo Power / Thrash también hay momentos y partes instrumentales que recuerdan al Death Metal más técnico, como en “Brutal Assault”, con un arrasador trabajo tras la batería de Tomasz Pilasiewicz (todo un coloso en el álbum).

“Shroud Of Blasphemy” me trae a la cabeza en parte, y salvando las distancias, a los primeros Prong, incluso recordándome en ocasiones la voz de Phil Sardo la de Tommy Victor.

De veloz torrente se puede calificar “Into The Blackest Hate”, con sus geniales cambios rítmicos. Y en mitad del CD sitúan “Tormented Contradiction”, concebida inicialmente con letra para ser cantada, finalmente la grabaron como instrumental, siendo el primer corte que escuchamos en el disco sólo con instrumentos, dotada de elaborados cambios de ritmo, donde la batería llega a sonar de manera taladrante, sobre un repetitivo riff que va surgiendo por momentos.

Campanada, llantos de bebé y calmada instrumentación inician “Abysmal Fear”, siendo una composición de marcado e intenso tempo, evocándome aquí la voz de Phil Sardo a la de Tom Araya (Slayer). Logrando ser una de mis canciones preferidas del trabajo mientras escribo el comentario al mismo.

La estructura y técnica que posee “Nocturnal Within (Forever Dark)” bien podría ser considerada como progresiva... aunque la mayoría de veces las etiquetas musicales mejor ponerlas cada cual que escuche.

“Burnt Offerings” tiene un ritmo más pausado y es la canción más tranquila del segundo disco de los norteamericanos... hasta el minuto dos, cambiando después de revoluciones tras un primer puente instrumental.

La segunda y última composición enteramente instrumental es “Screws To The Skull”, donde entre el veloz apabullamiento técnico podemos llegar a escuchar partes de escuela Sabbath.

Dejan para el final la pista con menor duración del álbum (no llega a los tres minutos) “Chamber Of Lost Souls”, corto pero buen tema de Power / Thrash con enérgico estribillo.

Como curiosidad mencionar que Phil y Tony Sardo, junto a Ron Stein (guitarra / voz), tienen, o tenían, en los últimos años una banda de versiones llamada The Good, The Bad And The Ugly, interpretando canciones de Cheap Trick, The Beatles, Nick Lowe, The Monkees...

Web THRUSTOR - Myspace THRUSTOR

Starbreaker


 

THUNDER “Shooting at the sun” (2003)

Hay algunos grupos que hacen lo que les da la gana, cosa que en este caso se agradece. Thunder han sobrevivido durante la década de los 90 y lo que llevamos de siglo XXI a modas tipo grunge, sleazy, nu-metal, power metal y demás. Han hecho su música sin importarles demasiado lo que se cocía a su alrededor y alejados del sol que más calentaba en cada momento. No han inventado nada, nunca fueron un grupo de primera división ni grandes superventas. No tienen canciones que hayan sido hit-singles ni han vendido discos como churros. En definitiva, estar estaban, pero nunca sacaron la cabeza por encima del resto.

Sin embargo siempre han sido un grupo respetado, del que todo el mundo hablaba bien y del que se esperaba que en cualquier momento iban a estallar. Nunca llegó ese momento, y aunque todavía no es tarde, personalmente creo que se les pasó el arroz hace algún tiempo.

No es fácil tener una discografía tan aprovechable como tienen Danny Bowes (voz) y Luke Morley (guitarra), primero con Terraplane y luego con Thunder. Y para no desentonar, su nuevo trabajo “Shooting at the sun” es un disco de su hard rock de siempre con once buenísimas canciones que, supongo, seguirán pasando desapercibidas para mucha gente. Si ser ‘del montón’ es la clave para hacer discos como este, espero que no destaquen nunca, que el mundo siga interesándose por mediocridades de los grupos de moda, que los foros estén llenos de disputas sobre el último del grande de turno y que Thunder sigan a su bola, exactamente como lo han hecho hasta ahora.

El título lo dice todo, no me extraña que sientan que hacer buena música sea como disparar al sol. Quien quiera entender que escuche, y disfrutará de uno de los mejores discos de 2003.

Alvar de Flack


 

THUNDER “The magnificent seventh” (2005)

Aparte de otras, en relación con los truenos tengo dos cosas que agradecerle al ex-Duran Duran Andy Taylor: La publicación de su disco “Thunder” en 1987, maravilla del rock melódico, y el descubrimiento de Thunder en 1989, maravilla del rock en general, justo (además) en una época en la que hacían falta grupos que mantuvieran el rescoldo que se apagaba con la irrupción del grunge.

Supe de su existencia a través de una crítica en un medio, de cuyo nombre no quiero acordarme, en el que se ponía a caer de un burro su “Backstreet symphony” de 1990, con lo que supuse que, dado el gusto del firmante de la susodicha reseña, el grupo y el disco sería de mi agrado. Sin embargo, reconozco que no fue hasta su -imprescindible- segundo disco “Laughing on judgement day” cuando les escuché por primera vez y, efectivamente, se confirmaron mis previsiones.

Otra de mis suposiciones, esta vez errónea, fue que este grupo llevaba trazas de convertirse en algo grande. Después de estos tres lustros largos de existencia, es evidente que no han llegado a ser ni mucho menos lo que deberían, pero nadie podrá negar que su trayectoria está plagada de buenos discos. Más aún, no creo que nadie sea capaz de señalar como infame, aburrida o adjetivo similar alguna de sus publicaciones excepto, quizá, aquel que firmó aquella reseña.

Como decía, a trancas y barrancas han llegado hasta nuestros días con un legado que no atiende a presiones o influencias externas. Camino recto de rock and roll con clase, de canciones en las que demuestran toda su calidad como músicos. Con altibajos en cuanto a la estabilidad del grupo, como casi todos, pero salvados con éxito. Su penúltimo disco “Shooting at the sun” ya les colocó de nuevo en la órbita que abandonaron a finales de la década pasada, época de problemas internos que fueron disimulando con la publicación de varios directos, acústicos, rarezas y algún recopilatorio.

El grupo sigue formado por Danny Bowes (voz), Luke Morley (guitarra), Ben Matthews (guitarra, teclas), Mark ‘snake’ Luckhurst (bajo) y Gary 'Harry' James (batería), quienes mantienen la apuesta por la misma música de hace quince años, absolutamente vigente, de la misma forma que puedes ponerte sus discos más antiguos y comprobar que su fórmula sigue sin caducar, como si de unos Status Quo se tratara, por ejemplo.

En “The magnificent seventh” te vas a encontrar eso, rock and roll melódico de perfecta factura, a ratos con guiños a grupos clásicos como Led Zeppelin (“Monkey see, monkey do”) o AC/DC (“The pride”), a veces con genuino sabor a rubio americano (“I’m dreaming again”), otras con los sentimientos a flor de piel (“Together or apart”) y en la mayoría de los cortes, con rock and roll de ese que no permite tener los pies clavados al suelo (“You can’t keep a good man down”, “I love you more than rock’n’roll”...)

Es decir, y resumiendo, que Thunder siguen empeñados en hacer buenos discos siguiendo la línea de otros grupos que marcaron su estilo y lo mantienen décadas después (AC/DC, Status Quo, Motörhead, etc.) aún a pesar de la falta de reconocimiento. Además, “The magnificent seventh” es otra demostración más de que el rock británico goza de buena salud, pese a que no tenga la popularidad de épocas pasadas.

Alvar de Flack