Su-Sy
| SUAVES, LOS Si yo fuera Dios (2003) |
| SUAVES, LOS El jardín de las delicias (2005) |
| SUNSTORM House Of Dreams (2009) |
| SWALLOW THE SUN The Morning Never Came (2003) |
| SWAMP CABBAGE Squeal (2008) |
| SWEET LITTLE SISTER Apocalipstick (2008) |
| SYMPHONY X Live On The Edge Of Forever (2001) |
| SYMPHONY X The Odyssey (2002) |
| SYSTEM SHOCK Escape (2006) |
LOS
SUAVES “Si yo
fuera Dios” (2003)
En
formato Digipack y con una presentación exquisita se nos presenta este “Si
Yo Fuera Dios”; una de las cosas que más me ha llamado la atención es el
cambio de compañía discográfica, esta vez a Locomotive.
“Si Yo Fuera Dios”, en líneas generales, es un disco muy duro y con mucha rabia, si bien “Víspera de Todos Los Santos” fue un disco que pasó bastante desapercibido por las estanterías de mi casa, este “Si Yo Fuera Dios” me ha devuelto la fe en los de Ourense.
Es un CD que me trae a la mente aquel “San Francisco Express”, para mí el mejor disco de su larga trayectoria. 10 temas contiene y de ellos 7 superan los 5 minutos de duración; es un auténtico placer sentarte y escuchar los potentes “Judas”, “Tormenta” o “Viejo”, posiblemente el tema más duro que hayan hecho Los Suaves en su larga historia discográfica; y que es el tema que más me gusta del CD; tampoco tienen desperdicio “11 Minutos” con un Yosi dándole un toque muy agónico y enrabietado en el estribillo, con mucho sentimiento; en esa línea de temas se encuentran también “Si Yo Fuera Dios” y “Noche”, temas largos y potentes. Tampoco podía faltar la balada acústica “Libertad”, muy del estilo “No Me Mires” aunque sin llegar al clímax de éste; el experimento cobra nombre de “Ojos”, un tema corto con un Yosi recitando; y por supuesto las canciones más típicas de Los Suaves “Mi Casa”, de las mejores de CD y que es toda una declaración de principios, y el tema que cierra el CD “Ya Nos Vamos”.
Un
gran disco, se nota que la voz de Yosi está un poco cascada, el trabajo de
Alberto es como siempre magnífico; y el batería es toda una máquina (me han
llegado rumores que en los últimos discos de estudio participó mucho).
Si Yo Fuera Dios, Dios Sería Suave.
Agustín Galiana “Aguskill”
LOS
SUAVES “El jardín de
las delicias” (2005)
Segundo
disco de los gallegos con
Locomotive, y de nuevo viene con una presentación
exquisita, en formato digi-book a todo color (el interior del anterior “Si Yo
Fuera Dios” era en blanco y negro) y conteniendo el propio CD y un DVD, tengo
que destacar que al lado de cada letra de las canciones hay una foto que
digamos aclara de qué va la letra, original y bonito.
He
leído varias críticas que califican este “El Jardín De Las Delicias”
como una vuelta hacia el sonido primitivo de Los Suaves, cosa en la que estoy
completamente en desacuerdo, es más, lo veo más como un paso adelante que
como un paso atrás (siempre hablando del sonido, claro está).
Si
bien “Si Yo Fuera Dios” fue un trabajo muy potente, en este “El Jardín
De Las Delicias” se podría decir que han bajado el pistón en líneas
generales, pero no os engañéis, no vais a encontrar nada que os sorprenda,
son Los Suaves.
Once
temas son los incluidos, de los cuales los dos primeros “El Jardín De Las
Delicias” y “Vísperas de Destrucción” podían haberse incluido
perfectamente en “Si Yo Fuera Dios”. Por cierto esta “Vísperas de
Destrucción” es una versión de “Eve of Destruction”, canción
originalmente escrita por P.F.Sloan y adaptada por Yosi, llevándola a los
hechos ocurridos el fatídico 11M. A continuación vienen dos de mis favoritas
del disco “No le grites” con un Yosi fantástico en la letra (maltrato de
las mujeres) y “No me Pesa, Es Mi Amigo”, me encanta sobre todo la
utilización de las acústicas acompañadas con la distorsión, sobre todo en
“No le grites”, presentes en toda la canción.
No
puede faltar la típica balada “Deja de Llorar, mi amor”, en la onda de sus
últimas baladas, así que como tampoco pueden faltar las canciones más
netamente Suaves tales como “Piensan”, “Quizás esta noche (COB)” en la
que me viene a la mente “Si pudiera” y eso que no tiene mucho o nada que
ver, o la que cierra el CD “La última Canción”.
También
nos encontramos con una segunda versión llamada “No Llegaste a Mí”
originalmente de Los Cheyennes y que al igual que “Vísperas de Destrucción”
no puedo comparar con la original por no haberlas escuchado, aunque si os puedo
decir que es de lo mejorcito del CD, pegadiza y efectiva que llamo yo. Otra de
las canciones que más me han gustado ha sido “Noches Del Long Play”, un
tema de más de seis minutos y dónde también se utiliza las guitarras acústicas
juntándolas con la distorsión.
La
única canción que no me ha llenado es “Burro Cansado Blues”, un típico
blues, pero demasiado largo y cansino, con dos o tres minutos menos no hubiera
estado mal del todo.
Al
finalizar el CD hay una de las llamadas “pista oculta” que no es sino Yosi
explicando los entresijos del CD.
En
cuanto al DVD, se trata de tres canciones “Palabras Para Julia”, “Si
Pudiera” y “Maldita Sea mi Suerte” grabadas en el festival Viña Rock del
pasado año, y la verdad es que suenan atronadoras.
Muy
buen disco, muy agradable de escuchar, en el que absolutamente todas las
canciones han sido compuestas por Yosi, ¡ojalá le recuperemos para los
directos!, las letras es de lo mejorcito que he leído en Los Suaves, hacía
mucho que no me ponía un CD y seguía las letras leyéndolas, y es que esa
forma tan peculiar que tiene Yosi de escribir que parece simple, parece que no
está al alcance de cualquiera.
Agustín Galiana “Aguskill”
No cabe duda que Yosi es un tipo bastante peculiar y, guste o no, con sus defectos y sus virtudes se ha convertido en uno de los grandes personajes del Rock en este país. Con 25 años de profesión a sus espaldas, lejos queda ya aquel concierto teloneando a los Ramones en 1981, pocas cosas pueden reprochársele a él y a la banda que lidera porque en el camino, que no siempre ha sido fácil, nos han ido dejando, sobretodo en los años noventa, joyas del calibre de “Maldita sea mi suerte”, “Santa compaña” o el espléndido disco en directo “¿Hay alguien ahí?”, amén de buenísimos conciertos por toda la geografía española. Ahora, cuando alcanzamos la mitad de esta primera década del siglo XXI, la banda vuelve a reivindicarse con un disco exquisito, tranquilo y maduro (bastante intimista en ocasiones) donde Yosi alcanza, en opinión de este servidor que les escribe, su cenit como letrista.
Porque en el “El jardín de las delicias” Yosi cobra más protagonismo, si cabe, que nunca, mientras que la banda se dedica, especialmente Cereijo (del que tendremos que hablar más tarde), a arroparle con mimo y cuidado. Si en “Si yo fuera Dios” y sobretodo “Vísperas de todos los Santos” Yosi había mostrado su peor cara como compositor desde hace muchos años, ahora vuelve con fuerza y aunque los dos mejores temas del disco sean dos versiones, las coplas firmadas por el gallego no desmerecen en absoluto las de sus discos clásicos.
El disco comienza con la primera en la frente, la que da título al trabajo se encarga de abrir y de sentar las bases de por dónde van a ir los tiros esta vez. Un tema profundo, tranquilo, envuelto en una melancolía que casi da paso a la mismísima tristeza con una letra dura y amarga donde Yosi se explaya en lo suyo y Cereijo también con un doble punteo estremecedor que casa perfectamente con el sentimiento de la copla. “Vísperas de destrucción” es la primera de las dos versiones del disco. Más cañero que el anterior tema, la letra es una adaptación de la banda en un bonito homenaje al 11-M y una denuncia a las guerras. Siguiendo con su particular repaso a la actualidad (triste actualidad), “No le grites” es un alegato contra los malos tratos a las mujeres. Personalmente pienso que hay temas que de tan manidos y sobados están perdiendo la importancia que tienen aunque Yosi ha sabido darle un enfoque personal muy interesante. El toque más intimista (y pesimista) vuelve con otro espectacular medio tiempo llamado “No me pesa, es mi amigo” que me recuerda horrores a “Pardao” con más de nueve minutos de épica y coraje y que estoy seguro va a convertirse en uno de los clásicos en el futuro. Un paso más hacia las profundidades del alma es el que da en “Deja de llorar mi amor” “...sólo es un barco hundido... los sueños con él se fueron a pique”. Cereijo con la acústica le da, todavía más, un sabor doloroso y desgarrador a la dura letra de Yosi.
La segunda parte del disco continúa en la misma tónica. Con “Piensan” el de Ourense se reivindica delante de todos aquellos que han/hemos murmurado sobre él en los últimos años dejando claro la visión que tiene de la vida “Piensan que estoy muy loco pero aún sigo cuerdo”. “No llegaste hasta mí”, además de ser el single y un estupendo tema, corto pero emotivo, es la segunda versión, un tema de los Cheyennes, que es uno de los primeros que Yosi oyó en su vida como bien explica en los créditos del disco. Créditos que van incluidos en el propio disco, es decir que son una pista más de audio. Yo es la primera vez que veo (oigo) algo parecido y me ha parecido una excelente idea. El mismo Yosi es el que se encarga con sus propias palabras de nombrar a todas las personas que han trabajado en el disco. Todo un acierto.
Al final del disco encontramos “Burro cansado blues”, un tema necesario porque rompe un poco con el rumbo que la obra estaba llevando hasta ese momento. Como su nombre indica es un blues tocado a la manera de Los Suaves y que viene perfectamente para desengrasar. El cierre lo pone “La última canción” (explicito título) donde la banda vuelve a darle cancha a las guitarras afiladas. Esperemos que sólo sea la última canción de este disco y no sea ningún presagio ni anuncio encubierto. Los Suaves son necesarios.
Dije que tenía que hablar más detenidamente de Cereijo pero no lo voy a hacer. Para quien lo conozca sólo decir que posiblemente este sea su mejor trabajo con unos solos muy conseguidos y unos arreglos de guitarras que realmente mejoran muchísimo las canciones. Quien a estas alturas no lo conozca ya tarda en echarse a la oreja a uno de los mejores guitarristas de este país que además está en uno de los puntos más álgidos de su carrera.
Pues esto es todos amigos, para terminar sólo añadir que el disco sale en edición limitada con un deuvedé grabado en el Viña Rock de tres canciones y una lujosa presentación que hará las delicias de los más exigentes.
Ah por cierto, escuchad a Thin Lizzy también...
Pedro Salinas “Pears”
SUPERVIVENCIA “No puedes escapar” (2008)
El nombre del grupo bien podría reflejar la perseverancia de unos músicos que llevan bregando en el mundo del Rock desde 1995. Por fin, tras 13 años de maquetas y actuaciones, han logrado poner en la calle su debut discográfico, “No puedes escapar”, con la intención de buscarse su hueco entre el ya de por sí saturado estilo de Punk-Rock. Supervivencia suena a tantos otros grupos que hacen el mismo estilo, desde Reincidentes y Boikot (que incluso colaboran en el disco) hasta Benito Kamelas, con quienes comparten el gusto por incluir fragmentos aflamencados dentro de las canciones de Rock, influidos por su granadina procedencia.
Supervivencia lo forman José Antonio “Cuesta” (guitarra y voz), Antonio “Guerritas” (batería), Manolo Hidalgo “Manolito” (guitarra) y Francisco Ramirez (bajo), y tienen muy claros los patrones que imprimen a su música: Rock and Roll ligero, actitud contestataria y melodías sencillas que son el vehículo que sirve de base para el mensaje que incluyen en sus letras, callejeras y rebeldes. Los temas no difieren mucho de los ofrecidos por tantos grupos del mismo estilo, y es cuestión de gustos el encontrarles un punto por encima o por debajo del resto de bandas parecidas que pueblan el panorama del Rock en España.
El mensaje de sus textos está bien construido y expresa con claridad y acierto aquello que quieren comunicar, tanto si son denuncias sociales (“Diferente”, “Palestino”…) como cuando incluyen un poco de humor en sus letras (“Empezando a madurar”).
El disco tiene temas atractivos, bien construidos y pegadizos, y otros que bajan el nivel y en los que la energía desplegada es casi el único aliciente. Por quedarnos con la parte buena, destaca “La trinchera”, quizás el mejor tema del disco, y que además incluye una pequeña parte flamenca que le da un colorido diferente. También nos quedamos con “Viciosa soledad” y los dos rocanroleros temas que abren y cierran el disco, “Diferente” y “Rompe”, respectivamente.
El disco incluye algunas colaboraciones de músicos que comparten la misma idea de cómo hacer Rock and Roll, y cuyo resultado es satisfactorio. Dani (María del Mal) se acopla perfectamente a un buen “No me olvido de ti”, Juankar y Alberto (Boikot) meten sus voces en la punkarra “Flores Marchitas” y Fernando Madina (Reincidentes) deja su impronta personal en “Un buen final”, sin olvidar la sorprendente y acertada aportación de la voz y guitarra flamenca de Zaida y José Diego en “La trinchera”.
En fin, Supervivencia vienen a aumentar la nómina de grupos rocanroleros que tenemos en nuestro país. Si bien no hacen nada nuevo en un estilo donde las sorpresas son ya casi imposibles, también es cierto que no tienen nada que envidiar a los demás. Ahora depende de ti incluirles dentro tus favoritos.
Web SUPERVIVENCIA - MySpace SUPERVIVENCIA
SUNSTORM “House Of Dreams” (2009)
La factoría Frontiers Records tiene la particularidad, además de contar entre sus filas con grupos en su mayoría de Hard Rock melódico / A.O.R., de conseguir que reputados músicos se junten en proyectos y editen discos.
Sunstorm fue una idea que el jefe Serafino Perugino propuso al vocalista Joe Lynn Turner (Over The Rainbow, Big Noize, HTP, Mother´s Army, ex-Deep Purple, Yngwie Malmsteen, Rainbow…) para rescatar del baúl musical del norteamericano composiciones que se quedaron fuera de sus discos en solitario. El primer álbum bajo el nombre de Sunstorm y de título homónimo se editó en el 2006 por el Sello italiano. En él había algunas composiciones de Turner, con diversas ayudas como: la del músico y compositor Jim Peterik (Pride Of Lions, The Ides Of March, ex–Survivor…), Van Stephenson, Dan Huff (Giant, ex-White Heart)…
En abril de 2009 se editaba en Europa el segundo disco de Sunstorm, “House Of Dreams”. Respaldando a Joe Lynn Turner, los que ya lo hicieron en el debut: el bajista y coros, además de la producción, Dennis Ward (esta vez sin meter guitarras adicionales ni teclas; Pink Cream 69, Place Vendome), el guitarra Uwe Reitenaur (Pink Cream 69) y el baterista Chris Schmidt. Incorporándose en esta segunda entrega el guitarrista Thorsten Koehne (Eden´s Curse, Code Of Perfection, Aterial, ex-Demon Drive, Attack…) y el teclista Gunter Werno (Vanden Plas, Place Vendome), sustituyendo al teclas Jochen Weyer.
Once temas conforman “House Of Dreams”, donde Turner nos vuelve a mostrar su faceta más melódica y A.O.R., rescatando antiguas composiciones suyas (“I Found Love” y “Walk On”) y otras compuestas por grandes del A.O.R. como Paul Sabu (“Save A Place In Your Heart” y “Forever Now”), Jim Peterik (“Say You Will”, “Gutters Of Gold” y “Tears On The Pages”) y los hermanos Tom y James Martin (House Of Lords, Khymera).
Las teclas de Gunter Werno hacen un buen papel en todo el disco, como en el caso del primer corte, “Divided”, una de las mejores composiciones y donde Turner está inconmensurable a la voz, apoyado en la recta final por buenos coros. Coros que también hacen su resaltable labor en “Don´t Give Up”, de estribillo más comercial y dotada de bellas melodías.
El medio-tiempo “The Spirit Inside” me suena en su comienzo al “Kayleigh” de Marillion y en su desarrollo a otros temas de A.O.R. ya escuchados anteriormente.
Excelentes sensaciones positivas comunica el movido, pegadizo y lleno de energía “I Found Love”, un tema que Turner utilizaba a menudo para abrir los conciertos en la gira de su primer disco en solitario “Rescue Me” (1985). Especialmente realizan un muy buen trabajo las guitarras.
En la balada “Say You Will” acompañan principalmente a Turner (y a Jim Peterik) las teclas. Gran labor vocal (con ciertos aires negroides) y en coros.
“Gutters Of Gold”, con dobles melodías de guitarras en su inicio y durante el tema, es la canción más hard rockera. Siendo mi corte preferido del disco.
Seguidos vienen tres temas de puro A.O.R. que se incluyeron anteriormente en otros discos: “Save A Place In Your Heart”, que apareciera en el primer trabajo de título homónimo de los Only Child del guitarrista y vocalista Paul Sabu en 1998. “Forever Now”, co-escrito por Sabu y Turner en el “Back To Eden” (2001) de Terry Brock. Y “Tears On The Pages”, compuesta por Peterik, Jon Lind y Russ Ballard, en el primero de Khymera (2003). Aunque de este grueso de canciones de Adult Oriented Rock me quedo con “House Of Dreams”, destacando de nuevo las melodías de guitarras.
Dejan para cerrar el álbum otra balada, “Walk On”, co-escrita por Turner y el afamado Desmond Child, que fue cedida en su tiempo para el disco “Freight Train Heart” (1987) del australiano Jimmy Barnes.
Me es imposible comparar este “House Of Dreams” (de bella portada) con el debut “Sunstorm”, por no haber escuchado el disco homónimo. Pero a pesar que Sunstorm es un producto prefabricado, con la calidad de los músicos y compositores de la talla que intervienen es imposible que salga un disco mediocre.
Web JOE LYNN TURNER - Myspace JOEY LYNN TURNER
SWALLOW
THE SUN “The morning
never came” (2003)
Hacía tiempo que una portada sencilla no me comunicaba tantas sensaciones de misterio, incertidumbre, terror, angustia, miedo, desesperación, ansiedad... y si esas sensaciones son acompañadas por un brillante Doom Metal con voz gutural inspirado por los grandes bastiones del movimiento en la década de los ´90 (My Dying Bride, Anathema...), obtenemos como resultado un disco a tener muy en cuenta para degustadores del estilo y gente abierta de oídos.
Los seis finlandeses han parido un trabajo de gran clase, con temas que evocan tristeza, melancolía, rabia... bien ejecutados por la voz de M. Kotamäki, las guitarras de J. Raivio (compositor de todos los temas y fundador del grupo en la primavera del 2000) y M. Jämsen, acompañados por la buena labor del baterista P. Pasanen y el bajo de M. Honkonen, que junto con el teclista A. Munter, fueron los dos últimos en entrar en el grupo. Tan sólo habían grabado antes de este debut discográfico una demo, “Out of this gloomy light” (grabada en enero de 2003), con cuatro temas, también registrados en el disco, y con la cual consiguieron que la compañía discográfica de su país, Firebox Records, se fijara en ellos y los fichara para entrar al estudio a finales de julio y en tres semanas grabar este primer larga duración que se editó a mediados de noviembre del 2003.
Los teclados juegan un papel muy importante en los ocho temas que componen el CD, y no es que tomen protagonismo exacerbado, pero acompañan de muy buenas maneras, dando un colorido más melancólico y melódico, melodías que también encontramos bastante en las guitarras. Muestra de lo comentado lo podemos escuchar en todas las composiciones, pero especialmente en el primer corte, “Through the silvery body” (con comienzo sólo de teclas con una melodía que se te incrusta en la cabeza y que luego recrean Raivio y Jämsen con sus instrumentos), “Out of this gloomy night” (con buena batería al final y guitarras sonando a unos Pink Floyd oscuros), “Swallow (Horror pt. I)”, “Hold this woe” y la pieza que concluye el disco y la más extensa (9´19”) “The morning never came”.
Para los detractores de las voces guturales comentarles que el vocalista no sólo canta de esa manera. También podemos escucharlo con voz normal y melodiosa en “Silence of the womb”, alternando en partes esa manera de cantar (al estilo más tranquilo de Opeth o la última etapa de Anathema, por ejemplo) y muy de fondo voz rabiosa, con voz gutural, también narrando/susurrando de manera grave acompañado por llantos de bebé; así como en momentos de “Hold this woe” y en “The morning never came”. De genial pavor cuando canta gutural y con rabia, respondiéndose, en “Swallow (Horror pt. I)” (con el final cortado de sopetón).
El ritmo que consiguen en “Deadly nightshade” hace que uno se imagine en un concierto de ellos en penumbra y agitando la cabeza al compás de la música. Destacar también en esta el estupendo solo melódico de guitarra con pequeña armonía doble.
La canción con tempo más pausado y Doom es “Under the waves”, apagándose la música hacia el final poco a poco para quedarse sólo el sonido de las olas del mar.
Grupo para seguirle la pista muy de cerca. Esperamos con ganas el segundo trabajo de estos chicos y si es igual de brillante o más que el debut, podemos empezar a pensar que pueden ser unos de los grandes del Doom Metal.
Página web SWALLOW THE SUN - Discográfica FIREBOX
It
has been a while since covers as plain as the one in this record made me feel
mystery, uncertainty, terror, anguish, despair and/or anxiety. Nevertheless,
this one has really done it for me. And if those sensations come hand in hand
with an inspired Doom Metal of guttural voices and very much inspired on the
great bands of the 90s (such as My Dying Bride or Anathema, for example), the
result is no doubt a product that should be taken into account by those Doom
Metal lovers and other open minded listeners.
The
six Finnish have released a record with class, the compositions of which
brilliantly provoke different sensations of sadness, melancholy and/or rage.
The songs are very well executed by M. Kotamäki, voice, J. Raivio (founder of
the group in the spring of the year 2000 and main composer of the band) and M.
Jämsen, on guitars, and accompanied by P. Pasanen on drums, M. Honkonen on
bass and A. Munter on keyboards, these two latter the latest arrivals to the
band. They had previously recorded just a demo-tape, ‘Out of this gloomy
light’ (recorded on January 2003) with four tracks (present in this their
debut LP), but which granted their signing for the also Finnish company Fire
Records. They went into the studio at the end of July, recording in three weeks
the record that would be released on November 2003.
The
keyboards definitely play a key-role in the achievement of the melancholic
atmospheres found in the eight tracks and complement superbly the melodies
created by the guitars. This is a common feature in all cuts, but it is
especially evident in the first one, ‘Through the silvery body’, that
starts with a catchy tune played by keyboards, the guitars joining in
afterwards. Also great atmospheres are found in ‘Out of this gloomy night’,
with a good drumming at the end and the guitars sounding much like a darkened
Pink Floyd, ‘Swallow (Horror Pt. I)’, ‘Hold this woe’ and the last and
longest track (9’19’’) ‘The morning never came’.
For
those detractors of guttural voices, say that melodic voices are interleaved in
some of the material. In ‘Silence of the womb’ we find melodic voices (much
like the calm moments of Opeth or in the line of the last period of Anathema)
over a background of raging voices, as well as some guttural voices and
whispers complemented by a baby’s cries. Melodic voices are also interspersed
in ‘Hold this woe’ and ‘The morning never came’. Nevertheless, the
guttural voice is really impressive in moments such as when replying to himself
in ‘Swallow (Horror Pt. I)’ (a song with a brisk end).
‘Deadly
nightshade’ easily makes you headbang at the rhythm of the powerful riffs and
the magnificent guitar solo. It also has the power to make you imagine you were
attending to a gig of them in a gloomy club.
‘Under
the waves’ is the track with the slowest pace and the most Doom-sounding of
them all. Towards the end the music fades away in a background filled with the
sound of waves from the sea.
It
is without a doubt a group to follow up closely and we are looking forward to
their second release. If it proves to be as inspired as this debut, we could
very well start considering them as one of the great bands of Doom Metal.
Web SWALLOW THE SUN - FIREBOX Records
Trad: Ramiro Morales “Motorhead”
SWAMP CABBAGE “Squeal” (2008)
Descubrimos a Swamp Cabbage hace bastante poco, debido a una gira que les trajo por nuestro país a finales del 2011. Esta visita ha servido para conocer este “Squeal”, que aunque ya tiene unos añitos, les ha servido de carta de presentación en sus conciertos por la piel de toro.
Estamos ante un trío de blues en la concepción más pura del género. Están liderados por Walter Parks (guitarra y voz), guitarrista que lo fue de Richie Heavens, estrella americana del blues, y el grupo lo completan Matt Lindsey (bajo) y Jagoda (batería), contando con el apoyo puntual de un Hammond e incluso coros femeninos. Swamp Cabbage tiene editados otros dos discos: “Honk” (2006) y un reciente disco en directo llamado “Live on the in Tune”.
Especialmente indicados para pequeños aforos, clubs y garitos similares, el blues de Swamp Cabbage suena añejo y con ese aroma a sureño que solo los gringos saben dar a su música. En tiempos de tanto mestizaje musical, sólo apreciamos pequeñas influencias de folk, soul o country que apenas desvían la atención del hilo conductor de esta banda: el blues más clásico que podemos encontrar en estos días.
A diferencia de los grupos de rock que estamos acostumbrados a escuchar, este estilo no es proclive a demostraciones virtuosas ni en la parte instrumental ni en la parte vocal, apostándolo todo al feeling de sus intérpretes. Todo es más tranquilo, más pausado, pero no por ello se desdeña el dominio de los instrumentos, como se demuestra en los temas instrumentales que contiene el disco, “Sopchoppy” y, sobre todo, “Purdy Mouth”, donde cada músico goza de su momento para lucirse.
También hay temas con ritmo, como “New Voodoo Boogaloo”, “Dixieland” o “Delegation”, que recogen ciertas influencias de la música country e incluso folk americana, suponiendo una pequeña apertura a otros estilos. Y por supuesto no puede faltar el blues lento y cadencioso, con “Freedbag“ y “Poontang” como mejores exponentes.
Buen disco para amantes del blues y para aquellos que les apetezca disfrutar de una sesión de blues añejo.
Web SWAMP CABBAGE - MySpace SWAMP CABBAGE
SWEET LITTLE SISTER “Apocalipstick” (2008)
No es muy habitual ver chicas rockeando en las bandas nacionales. La mayoría de ellas asumen el rol de vocalista, salvo en contadas excepciones (Lujuria, Deidre, Casablanca…) a una regla que no tiene justificación racional, pero que se muestra estadísticamente cierta.
En Sweet Litte Sister el componente femenino tiene un peso mayoritario. Nasty Monty (voz), Laura “Law” (bajo) y Priscila Bee (batería) forman este grupo mixto junto a sus compañeros masculinos “Sergi in the night” y el joven hacha Nacho Mur, quienes se encargan de las guitarras del grupo.
“Apocalipstick” es su segundo disco, tomando el relevo de aquel “Livin’ rockin’” (2005) que supuso su debut en sociedad, de la mano de Exporockmusic, y supone un paso adelante en su trayectoria como banda. 12 temas que destilan fiero Hard Rock & Sleazy, a medio camino entre la escena angelina trazada por Guns & Roses o L.A. Guns y la energía vital de Skid Row, su otra gran influencia. Con todos estos ingredientes, más la aportación propia de unos músicos con carácter, producen una descarga de adrenalina que recupera la fiereza del más puro Rock and Roll.
La contundente base rítmica formada por el bajo de Laura “Law” y la batería de Priscila Bee (olvidaos de aquello del sexo débil…) es uno de los factores clave del éxito del disco. Ambas mozas se lucen en cada tema, aunando contundencia y versatilidad en su labor de dar soporte básico al grupo. Saliendo del otro vestuario, la parte masculina se encarga de las guitarras. Tanto “Sergi in the night” como el jovencísimo Nacho Mur (de quien ya comentamos en esta casa su maqueta “Personal Myth”) están perfectamente acoplados al sonido de la banda, destacando cuando deben hacerlo y con sentido de grupo en el resto de los casos. Y sobre todos ellos, la rasgada voz de Nasty Monty, ruda cuando la ocasión lo requiere y más limpia cuando debe serlo, desbordando una energía que se lleva todo por delante.
Los temas están trabajados, combinando la sencillez del Rock and Roll en el que están basados con cambios de tempo, arreglos más complejos y la inclusión, en algunos casos, de instrumentos clásicos que enriquecen el resultado final, como los instrumentos de cuerda en la inicial “Welcome To Dirty Town” o los vientos en el trepidante Rock and Roll de “What A Pity (You're So Silly)”. Por cierto, que este tema, junto con “Do Ya Wanna Get Some Fun” son lo mejorcito del disco, dos cañonazos de Rock and Roll en los que la banda es una locomotora que hará mover los pies al seguidor más tímido.
Únicamente es prescindible el último tema del disco, una composición estructurada en un tramo lento, con la voz de Nasty Monty sobre un colchón instrumental cadencioso, interesante pero que se hace demasiado largo (7 minutos), más un período interminable de silencio de un cuarto de hora, sólo interrumpido por una parte orquestal de 3 minutos, al uso de las bandas sonoras de las películas. Vamos, para probar la primera vez y olvidarse para los restos.
Salvo este epílogo, el disco es muy recomendable. Una excelente opción para los amantes del Rock and Roll, con energía, vitalidad y calidad más que sobradas para no defraudar a nadie.
SYMPHONY X “Live On The Edge Of Forever” (2001)
“Señoras
y señores, más difícil todavía... ¡Ahora en directo!...”. ¿Un espectáculo
de circo?, hombre... hay quien me ha dicho al oído que este tipo de grupos son más
propios de malabaristas que de rockeros indomables, claro que las voces que han
venido a joderme mi placentera escucha no son muy de fiar... Lo cual me agrada.
Sí. Y me agrada porque eso significa que realmente existe una diferencia
palpable entre la morralla y la música hecha con esmero, entre los tímpanos de
madera y los que inician la sinapsis del nervio auditivo...
Yo
no sé el resto del mundo, pero al menos yo cuando escucho cosas de estas me da
la sensación de que el rock está evolucionando -en parte- por el camino
correcto, el pedagógico, el que hace ver al oyente que hay que fijarse y
percibir, analizar, descomponer cada fragmento de la música que llega, y una
vez dentro volver a armonizarla. Hay que usar la música compañeros, y este
grupo y este disco son un buen ejercicio para hacerlo.
Lo
que te venden por 2.995 pelas (18 euros de nada) es un disco doble en directo,
grabado durante la gira Europea de Symphony X, que transcurrió entre Octubre de
2000 y Junio de 2001, que viene con bastante poca información en el interior y
con unas fotos bastante mediocres tanto de calidad en la definición como artística.
La portada tampoco es para tirar cohetes, aunque da una idea de lo que hay
dentro, y en los créditos aparece Russell Allen que es el que lleva la voz
cantante, Michael Romeo on the guitar, Michael Pinnella en las teclas, Jason
Rullo baqueteando y Michael Lepond en el bajo.
El repertorio, modernamente llamado track-list, se basa en sus tres últimos discos de estudio, empezando por el último, “V”, empalmando la primera parte del mismo como si de una sola pieza se tratara, sin apenas diferencias con lo grabado en estudio en lo que se refiere a partitura (excepto parte del solo de guitarra de “On the breath of Poseidon”), pero sí en el feeling, en la naturalidad que da el sonido directo. Por cierto, sonido nítido pero no deslabazado, cada instrumento encajado en su sitio y sin huecos.
Yo
no soy demasiado partidario de las baterías que usan doble maza en un solo
bombo, porque se destensa bastante más el parche y al final se suele
enguarrinar el sonido, y además una maza corta la vibración de la anterior,
que tiene mucha menos cola. Esto va en gustos también, pero a mí el sonido de
bombo no me termina de llenar, le falta algo de pegada para redondear la batería,
que no obstante suena como si estuviera tocando aquí al lado, muy natural. Y en
cuanto a la mezcla final ha quedado de primera, yo no encuentro ningún
“pero” por ningún lado, está cada cosa donde tiene que estar, incluido el
público.
Lo que si echo de menos en un grupo como este es algo más de improvisación, porque calidad les sobra para ello. Los temas han quedado, si no calcados, sí muy parecidos a los del estudio, lo cual, para alguien que los tenga a lo mejor no le atrae a la hora de comprar este disco, pero realmente lo que hay que destacar de él es el sonido fresco que sueltan los altavoces. Si os gustan los directos ya sabéis...
Decía
yo del repertorio, alias track-list, vamos a destriparlo: Del “V” se marcan:
“Prelude”, “Evolution”, “Fallen/Trascendence”, “Communion and the
oracle”, “The bird serpent war”, “On the breath of poseidon”,
“Egypt” y “The death of balance” a piñón fijo, que empalman con dos
del “Divine...”: “Candlelight fantasia” y “The eyes of medusa” para
completar el primer CD.
El Segundo se centra en el “Twilight...”, con “Smoke and mirrors”, “Church of the machine” y “Through the looking glass” haciendo, para mí, la mejor parte del disco. Interpretación genial, me gusta incluso más que en estudio. Los coros suenan distintos, mucho menos artificiales. La Segunda parte de este segundo CD es del “Divine...” también, “Of sin and shadows”, “Sea of lies” y un “The divine wings of tragedy” de quitarse el sombrero.
Heavy Metal técnico, progresivo, rozando el thrash en ocasiones, melodioso... Tiene de todo un poco. Ya conocéis al grupo, no hay que descubrir nada, y para el que no los conozca o no tenga nada de ellos, esta es una ocasión inmejorable para haceros con lo mejorcito de un peazo grupo, y encima en directo.
Salud.
SYMPHONY X “The Odyssey” (2002)
Dos
caras distintas o si se quiere opuestas son el “emblema” de la banda
californiana en todos sus discos, y dos caras son las posee esta nueva y
esperadísima entrega. Una, agresiva y potente, con mucho gancho.... y otra,
intima y preciosista. Una de las mayores virtudes de Symphony X es
precisamente saber encontrar el equilibrio justo entre ambas facetas. Pues
bien, en esta ocasión han sabido elevar esta virtud a la máxima potencia.
Por otra parte, la producción es la mejor que hayan tenido nunca sin duda
alguna. ¡Qué cruda suena y que cuerpo tiene la guitarra de Romeo! Por no
hablar de la personalidad de su sonido. Como me han gustado siempre las rítmicas
de Symphony X. ¡Y qué contundente y clara suena la bateria! Podría pasarme
así horas y horas, jejeje.... todo suena “en su sitio” en este disco, el
balance entre los instrumentos es sencillamente perfecto. Siempre he visto a Symphony X como a una maquina perfectamente coordinada y engrasada. Esta vez
es así mas que nunca.
Han sabido dar a cada tema la atmósfera apropiada, sencillamente la idónea. Y todo ello sonando a Symphony X 100% en todo momento. Aunque nunca hayan sonado exactamente de esta forma, sabes que son Romeo y su sequito... y eso sin duda les hace grandes.
Los
que para mi se llevan la palma en este disco son sin duda Romeo y Allen, que
logran a mi juicio su mejor trabajo (mención aparte sobre Allen, que si bien
siempre se ha caracterizado por poseer una enorme gama de matices, aquí
definitivamente destapa el tarro de las esencias. Interpreta cada tema en el
sentido mas amplio de la palabra, lo vive, se mete dentro y te hace implicarte
y emocionarte). Sin desmerecer al resto de la banda, por supuesto. A
destacar el detalle de que Michael Pinnella permanece en esta ocasión quizás
mas relegado a un segundo plano (por cierto, le han dado un tratamiento al
sonido del teclado en ciertos pasajes del disco un tanto distinto al habitual,
lo cual otorga mayor frescura al álbum, si cabe)
LOS
TEMAS:
Inferno: el album comienza a saco, sin vacilar, sin medias tintas ,de frente y hasta el fondo... con un riff de Romeo marca de la casa, realmente magistral y magnético. A contratiempo, con el bajo de Lepond marcando el camino a seguir (al menos hasta donde se Romeo se deje).
Desde el primer momento queda de manifiesto todo lo comentado anteriormente. Los solos, súper originales, con mucha frescura y con el inconfundible toque personal de Romeo (tanto a lo que se refiere en composición e interpretación, como a sonido). Aquí hay uno de los momentos en donde aparecen los teclados “especiales”. Como digo, muy relegado esta en este disco Pinnella, de hecho en este tema concretamente apenas tiene presencia, a excepción de los solos y poco mas. Y por cierto, no se luce como en anteriores ocasiones, está mucho mas sobrio.
Pero
si de verdad hay alguien que brilla aquí, ese es Russell Allen, absolutamente
sembrado y camaleónico. Podemos encontrar al menos cuatro o cinco
“Allen´s“ únicamente en este tema. Su capacidad para transmutar la voz
y transmitir distintas sensaciones no parece conocer limite. Él es la
demostración de que para ser un gran cantante no basta con tener buena voz,
hecha persona.
Wicked: Symphony X continúan sirviéndonos caña en forma de un duro e intrincado riff, un tanto persistente, obsesivo, para dar paso a una sección alocada y genial que da paso a un Allen que soporta el peso del tema. El estribillo posee los personales coros de Symphony X . La verdad es que les saben sacar tanto juego que jamás llegaran a sonar sobados, al tiempo que siempre llevaran el sello de la banda. Tras los solos, una original sección da paso a un fragmento en el que Allen canta a capella de poner los pelos de punta. El tema termina bruscamente dejando en el aire un halo de misterio y desasosiego apoyado por los teclados.
Incantations
Of The Apprentice: aquí se comienza a coquetear con el terreno orquestal.
Es un tema que no hubiera desentonado para nada en el V. Pero con detalles
nuevos, como ese extraño teclado que he comentado. Jason Rullo está sembrado, que caña y que maestría. Lo mismo juega con los platos en plan
jazzístico, exprimiendo las posibilidades de la batería al máximo, que se
marca una sección plena de furia que ni el mismísimo Lombardo. El puente al
estribillo lleva la firma de la banda grabada a fuego. El estribillo tiene
cierto aire árabe (debido a la labor de los teclados), a la par que
siniestro (en esta ocasión debido al señor Allen)
Accolade II: pufff... éste es uno de los platos fuertes del disco, sin duda alguna. Claro, que llevando ese nombre no podría ser de otra manera (por supuesto, no podía faltar el “guiño” hacia uno de los pasajes de su predecesor “Accolade”, a cargo de los teclados, los cuales vuelven a recobrar en este tema el protagonismo de antaño). La variedad, el buen gusto compositivo y la inspiración musical hechos uno solo. Guitarras acústicas, eléctricas, secciones orquestales, teclados y coros se dan la mano para ofrecernos uno de los mejores temas que hallan escrito jamás. El estribillo es sencillamente emocionante, de los que hacen que te enamores perdidamente de la banda. Andad con cuidado, es difícil sacárselo de la cabeza.
King Of Terrors: tras el break de “Accolade II”, regresan a la caña, con una de las intros mas duras y opresivas que hallan hecho nunca. ¡¡Realmente parecen Pantera!! El tema posee un estribillo adictivo y trepidante, con Rullo machacando los tambores desde el fondo. Aun así, en el tema tienen cabida sonidos orquestales y algunos teclados. (ese “diálogo” entre guitarra y piano justo antes del solo queda de muerte..... y el grito de Allen, desgarrador... o ese “LOOOOOSTTTTT!” del final... qué expresivo es siempre este tipo...)
The
Turning: vertiginoso es el adjetivo que más le pega a este tema,
cargado de riffs y punteos a toda pastilla, con un doble bombo frenético, y
con numerosos cambios de ritmo. Aunque pueda parecer lo contrario, no por ser
un tema relativamente corto y directo, deja de “despistar” a las primeras
escuchas. Tiene más miga de lo que parece en un principio y requiere de varias
escuchas para terminar de disfrutarlo.
Awakenings: sin
duda otra de las piedras preciosas de este disco. Posee, al igual que “Accolade II”, un largo desarrollo y una gran riqueza instrumental. El piano
lleva la batuta del desarrollo de la primera sección, con un gusto exquisito. El pasaje en el que se queda únicamente acompañado por la voz de Allen es
tremendamente emotivo. A continuación, Romeo, Rullo y Lepond se unen al resto
para arremeter con fuerza y hacer evolucionar el tema en busca de nuevos
horizontes...y a fe que lo consiguen. Hacia la parte final del tema hay una
sección a cargo de piano, bajo y batería con gran influencia del jazz para
quitarse el sombrero. Este es otro de los momentos del disco en los que
Pinnella se suelta la melena y nos ofrece todo su potencial. Uno de los
mejores temas netamente progresivos que he escuchado en mi vida. Ni más ni
menos.
The Odyssey: Para los que añoren el sonido orquestal de “V”, decirles que dejarán atrás la nostalgia de un plumazo con tan solo escuchar los primeros cuatro minutos de este temazo que narra las aventuras de Ulises, el heroico personaje de La Odisea de Homero... y todavía les sobran a estos chicos tocados por los dioses veinte minutos para terminar de convencer al mas escéptico. Comenzar a escucharlo es sentirte inmediatamente transportado... y experimentar todo tipo de sensaciones: emoción, expectación, entusiasmo... y placer, sobre todo un placer intenso, indescriptible. El “leit motiv”, a cargo de la guitarra apoyado por la sección de cuerda, es de ensueño. Consigue hacerme sonreír cada vez que lo escucho. Música Clásica y Metal se funden en un virtuoso abrazo hasta llegar a hacerse indivisibles, llevando el desarrollo del tema a cotas indescriptibles y haciéndote llegar a plantearte con cierta sombra de temor si serás capaz de resistir durante mucho mas tiempo tal grado de ebriedad sonora. En el momento cumbre la orquesta desaparece dejando paso a una “salvadora” guitarra acústica, abriendo una segunda sección lo suficientemente especial como para obrar el milagro de hacerte olvidar el mágico momento que acabas de experimentar.
Así pues, Allen comienza exponiendo el tema acompañado de una evocadora guitarra acústica, transmitiendo sentimientos encontrados: en un principio melancolía y recuerdos del pasado... y con la entrada del resto de los instrumentos el desarrollo del tema cobra fuerza y expresa determinación y valentía, dando paso a....
La tercera sección, mucho más dura y progresiva, en donde Romeo y Pinnella se explayan a gusto durante un rato y donde el tema cobra cierto aire oscuro, pesimista... trae malos augurios, y eso se refleja nítidamente en la voz de Allen.... te hace apretar los dientes cuando lo escuchas cantar de esa forma (por cierto, la línea vocal recuerda horrores al tema “Innuendo” de Queen, sin duda una de sus grandes influencias). De nuevo logran encontrar el equilibrio perfecto, en este caso entre lo progresivo y lo épico.
La misma melodía que antes fuera interpretada por la guitarra para abrir la segunda sección es retomada con algunos cambios por el piano para continuar con la cuarta sección, dominada por las cabriolas imposibles de Romeo y los alardes a la voz de Allen, que canta con agresividad adelantándonos el caldeado ambiente que se va a palpar en...
La quinta sección, en la que regresan las cuerdas generando una atmósfera agobiante y ominosa, rubricada con decisión por fuertes golpes de batería.
Después de la tempestad llega la calma... es la sexta y ultima sección, en la que el tema vuelve a desarrollarse por unos derroteros mucho mas positivos. Como magnifico colofón de esta odisea aparece triunfante la melodía del comienzo, esta vez en forma de estribillo coral. Ganas de salir corriendo de pura emoción, entusiasmo y ganas de estar vivo... ese es el efecto que produce en mi.
Todo
se acaba de la mano de la evocadora melodía de la segunda sección: la acústica
y Allen en una mágica comunión llevando el tema a su fin a través de una
inspirada cadencia.
Dio... se hace duro volver a la realidad después de haber vivido esta odisea...
Es
gracias a bandas como Symphony X por las que AMO la música con toda mi alma.
Quien solo vea complicados riffs, cambios de ritmo, solos imposibles, raros
juegos de armonías, etc... es que no es capaz de ver mas allá de la
superficie. Pocas bandas despiertan en mi tal cúmulo de emociones... pocas
consiguen dar algo de color a la vida cotidiana. Hay cosas que no tienen
precio, y una de ellas para mi es la música de Symphony X.
Unos
maestros indiscutibles de la escena musical (en general) que lo han
vuelto a conseguir una vez más (y van...). Es difícil valorar si este
nuevo disco es mejor o peor que obras maestras como Divine Wings Of Tragedy,
Twilight In Olimpus o V, precisamente porque cada uno es distinto y tiene algo
distinto que ofrecer. Y con eso... creo que está todo dicho...
Ahora, si me disculpáis, el canto de las sirenas me está volviendo a llamar con incansable insistencia, y no me veo con fuerzas para resistirme a su encanto...
“...I have return to make my dream... come true...”
Carlos G. Caballero (Charlie Knight)
SYSTEM SHOCK “Escape” (2006) Otro grupo más a engrosar la extensa lista de formaciones practicantes de, dígase, Death Metal melódico, o sonido Gotemburgo… o incluso Heavy Metal con voz gutural, al gusto del escuchante.
El guitarrista griego Lukas Bergis (Midnight Scream) forma System Shock en Norrköping (Suecia) en el 2004. Pasando por la banda el baterista George Kollias (Nile, ex-Sickening Horror, Nightfall…)
Desconocía la existencia de este grupo, que durante principios de 2004 fichaban por el Sello holandés Karmageddon Media para editar su disco debut, “Arctic Inside” (New Aeon Media, 2004). Tiempo después firmaban por Mausoleum Records y publicaban este segundo trabajo, “Escape”. Siendo un álbum conceptual basado en una historia de ciencia ficción, escrita por el guitarrista y el vocalista, sobre el viaje de una nave espacial y su tripulación para conocer vida extraterrestre. Asociando a cada músico su labor en la historia de la nave.
Dimitris Ioakimoglou (vocalista; Double Square), Lukas Bergis (guitarras), Kim Gustavsson (cubriendo la plaza de Olle Sundfeldt al bajo, y ahora en labores de baterista; Deviant Breed, Taketh), Stathis Cassios (teclas), Vaggelis Baliousis (sustituyendo a Markus Engstrom a la batería; ex-Double Square) grabaron “Escape”, como el primer disco, en los Tico-Tico Studios (Finlandia), consiguiendo un resultado potentísimo y limpio.
Sin ser nada especial que no nos hayamos echado a los oídos anteriormente, se deja escuchar con buen gusto el Death Metal melódico de System Shock en los cerca de cuarenta minutos que duran los nueve cortes. Composiciones cargadas de atmósferas con mucha melodía pegadiza en las teclas de Stathis Cassios acompañando la energía y furia desplegada por la banda, como en el tema de arranque “Getting What We Asked For” (empleando Dimitris Ioakimoglou voz normal y gutural), y el corte que da título al disco, “Escape”, con un final veloz y trepidante. La buena labor a la batería de Vaggelis Baliousis resalta en “Engine Failure”, un tema 100% de la escuela de Gotemburgo. Ritmos pausados, con unas teclas y voz de estilo Gothic Metal, alternadas, con muy buen resultado, con partes furibundas, tenemos en “No Life, No Home”. Conseguido ambiente oscuro y tenebroso en la melodía de “Broken In Two”, comprobando que aportan otros elementos para salirse del encasillamiento del Death Metal melódico tradicional por ejemplo, con éste tema y el anterior. A los germanos Rammstein se asemejan en determinadas partes de “A Note And A Gun”. Podemos volver a decir que baten de nuevo algo de Gothic Metal con Death Metal melódico en “Bleed”. Las teclas con sus melodías vuelven a hacer su importante papel durante “Mountains Of Madness”. Finalmente el ritmo contundente y duro, en línea al Death Metal más clásico, en “Salvation In Stone” pone fin a la historia.
Quizá sea de esos grupos y discos que ante tanta oferta de similares características pase desapercibido, siendo un buen disco y un buen grupo.