Discos

SAD EYES “...And Another Week” (2010)

El guitarrista Santiago González, aprovechando la etapa calmada y de reestructuración en el seno de los sorianos Rex Devs, grababa sus propias composiciones donde vuelca en ellas todo el sentir de la mayoría de seres humanos en esta vida que, al fin y al cabo, prácticamente es monótona y cíclica en el trabajo, estudios… incluso hobbies.

Disco conceptual (como los de Rex Devs) donde encontramos una reflexión de la vida diaria en siete capítulos. Titulándose, y correspondiéndose, cada canción con un día de la semana.

Santi, además de componer todos los temas, se encargó de las guitarras, bajo y batería. Contando con la gran aportación en las voces de uno de los mejores vocalistas extremos de nuestro país: Dave “Rotten” de Avulsed (habiendo éste participado anteriormente en otros grupos o proyectos como Yskelgroth, Putrevore, Golgotha, Christ Denied, Anaemia, etc.). La impactante y cavernosa voz de Dave “Rotten” se grabó en los Studios Room 101 de Javier Hernández (Yskelgroth, The Heretic, Nexus 6). Siendo mezclado y masterizado por Eric Monsonís (Dandelium). Rematándose la faena del auto-editado álbum con el logo de Eva Garijo, y realizando el diseño y la portada El Dios Perezoso de PuertaOskura. Para redondear el disco ha faltado que le acompañara un libreto. Pero bueno, quizá en un futuro, si algún Sello se interesa por el disco, pueda verse junto a un trabajado libreto.

“…And Another Week” está integrado, como ya he dicho, por siete canciones a las que se le asigna un día de la semana. Esto es buen Metal Extremo, digamos que Death Metal bastante trabajado, sonando unas veces más actual (“Day 3. Wednesday” y “Day 6. Saturday”, por ejemplo), y otras más clásico (“Day 2. Tuesday”), donde la acongojante voz de Rotten hace ganar enteros a las composiciones, las cuales están dotadas de un sonido bien claro y limpio, en el que se escucha a la perfección cada instrumento, habiendo bastantes melodías y destacados riffs y solos de guitarra. En la casi media hora que dura el disco, quizá se eche en falta un poco de más variedad entre los cortes, ya que los siete temas son bastante homogéneos.

Para mi gusto resaltaría la primera canción “Day 1. Monday”, por su gran ritmo y melodías. Además de “Day 4. Thursday”, “Day 5. Friday” y la devastadora (y de ritmos entrecortados) “Day 7. Sunday”, donde se incluyen dosis de intensa velocidad thrashera.

En nuestro país no estamos muy acostumbrados a que los músicos de grupos tengan aparte otros proyectos, por eso hay que darle la enhorabuena a Santi González por la más que buena labor compuesta y plasmada en este disco. Esperemos que la idea continúe adelante con buenos resultados. De momento, aunque son diferentes, me atrae más la música de Sad Eyes que la de Rex Devs. Cuestión de gustos, que se dice.

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SAINT DEAMON “Pandeamonium” (2009)

Apenas un año después de debutar en el mercado con su ópera prima, “In Shadows Lost From the Brave”, los chicos de Saint Deamon vuelven a la carga con su segundo trabajo, “Pandeamonium”.

Para quien no les conozca, Saint Deamon es un grupo puntero dentro de la escena del Metal melódico escandinavo compuesto por Toya Johansson (guitarra), Ronny Milianowicz (batería), Nobby Noberg (bajo) y Jan Thore Grefstad (voz), quien es a la postre el máximo aliciente del grupo, ya que su buena voz llega a todos los tonos que se propone, sin sonar estridente en ningún momento. El resto del grupo cumple con solvencia, logrando que Saint Deamon suene contundente y sin fisuras.

Los 10 temas que componen el disco combinan fuerza y melodía, con un buen trabajo del guitarrista Toya Johansson, al que se le une la contundente base rítmica. Aún así, el grupo luce más en los temas en los que levanta el pie del acelerador, como la propia “Pandeamonium”, que en aquellos en los que se acelera para cabalgar sobre el doble bombo de Ronny Milianowicz.

La mayoría de los temas son correctos, sin más, de no ser por la presencia de la voz de Jan Thore Grefstad, todo un descubrimiento que, tanto por su melodía como por su competencia a la hora de afrontar todo tipo de temas, convierte en brillantes unas canciones que, instrumentalmente, poco nos ofrecen, más allá de que el grupo suena compacto, producto de unos músicos que conocen su instrumento.

Así, cortes como “Fallen Angel”, “Oceans Of Glory” o “A Day To Come” se convierten en buena carta de presentación de Saint Deamon para los amantes del género. Aún así, el tema que da nombre al disco sigue siendo el que más emociones nos despierta.

Parece que ha pasado la fiebre de grupos de este estilo, pero no está de más seguir conociendo bandas competentes como Saint Deamon, que mantienen viva la llama del metal norteuropeo.

SAKE MATE “Tiempo de soñar” (2005)

El pasado año os comentábamos la maqueta de Sake Mate. Aquella demo, de sólo 2 temas, apenas dejaba entrever el estilo ochentero de un grupo de músicos veteranos. Desde entonces hasta aquí han pasado muchas cosas en el seno de este grupo. Deserciones, cambios de personal, discusiones... han hecho de la inestabilidad una constante.

Entre medias de tanto jaleo, se las han arreglado para grabar este disco. Con un presupuesto muy limitado, el disco lo tuvieron que grabar en el propio local de ensayo, aunque las mezclas sí se hicieron en un estudio profesional. Lamentablemente, el resultado se resiente. El sonido carece de garra y ninguno de los instrumentos muestra la fuerza que debería tener un grupo de rock. El objetivo del disco es complacer a los amigos y vender algunas copias en los conciertos, no pudiendo competir (ni creo que sea su intención) en las estanterías de las tiendas de discos.

Esta sensación de estar ante una maqueta más extensa de lo habitual (9 temas) fue precisamente uno de los puntos de ruptura de la formación que la grabó: Pedro “Bronson” Fuentes, Mariano Zárate (guitarra), Javier Molina (guitarra), Santiago “Escalitas” Vicente (bajo) y Rafael Jiménez (batería), tanto que a día de hoy únicamente Pedro “Bronson” y Javier Molina continúan en el grupo, siendo sus nuevos acompañantes Toño Martínez (bajo) y Pedro Sánchez (batería).

El disco se mueve en un hard rock ochentero bastante melódico, con buenos temas a los que quizás les falta algo de “chicha”, mezcla del pobre sonido conseguido y de que la mezcla entre melodía y fuerza que caracteriza al hard rock está algo descompensado a favor de la primera opción.

Canciones algo previsibles, de agradable escucha pero a las que les falta algo. Instrumentalmente bastante limitados, el potencial del grupo se deja entrever en algunos buenos estribillos y riffs que evocan a los grupos ochentenos que ondeaban la bandera del hard rock en España, consiguen algunas buenas canciones que despiertan el interés, como las melódicas “Volver a empezar” o “Sube al tren”, quizás lo mejor del disco.

Quizás otras circunstancias, más tranquilidad para trabajar en el seno del grupo y, sobre todo, mayor amplitud de presupuesto que permitiera una mayor calidad del producto, conseguirían que Sake Mate transmitiera otras sensaciones. Hasta entonces, y a falta de comprobar su eficacia en directo, mantendremos su estatus de proyecto futuro, aunque oficialmente ya tengan disco en la calle.

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SALDO INSUFICIENTE “Auto-Stop” (2003)

Os estaréis preguntando... ¿qué es eso de “Saldo Insuficiente”? Pues aparte del mensajito que dan los móviles en el momento más inoportuno, también es el nombre de un... ¿grupo? Pues tampoco, oiga...

“Saldo Insuficiente” es un proyecto individual de un músico, Manuel Fernández Barba, que ni corto ni perezoso se echa la manta a la cabeza y se graba él solito sus propios discos. Canta, toca la guitarra, el bajo, programa la batería electrónica, compone... Este es su segundo disco, tras un debut llamado “En Crudo” que no he tenido oportunidad de escuchar.

Bajo estas premisas, me esperaba encontrar un disco un poco monótono, medio intimista, ya que sólo están plasmadas las ideas de una persona. Pero nada más lejos de la realidad, lo que sale por los altavoces es puro Rock and Roll, del que engancha y mueve el espíritu.

El primer tema, “Hojas de Sable”, me deja los ojos como platos: Hey, esto mola! En mi boca se dibuja una sonrisa y mis pies han empezado a moverse sin que yo les dijera nada. Es el mejor tema del disco, pero el resto no le van a la zaga.

El estilo es muy cercano a AC/DC, con riffs que parecen sacados de la factoría Young & Young (“Auto-Stop”, “Chicos malos bailan R’n’R”, “En tus manos”...), mezclados con un aroma a los primeros Barricada, rasgo muy acusado en el “Viernes bar” que cierra el CD.

La voz es rasgada (de blues, como diría alguno...), perfecta para este tipo de música. No puedo decir lo mismo de la batería electrónica. Estos trastos nunca sustituirán el feeling de un batería de verdad.

Los estribillos son pegadizos (“Dame más”, “Ron y Café”...), dándole al disco un tono festivo, lejos de excesivas complicaciones.

De vez en cuando la vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida. Para los que disfrutamos del buen Rock and Roll, esta es una muy buena opción. Sin duda.

SALEM “Andares de Victoria” (2005)

Este grupo catalán procedente de Vic se formó en 1997 bajo el nombre de Klonik Dolly. Es en 1999 cuando cambian el nombre por el actual, Salem. De cuando se apodaban haciendo mención a la ovejita sólo quedan Vicente B. Usó (guitarra eléctrica, guitarra acústica y coros) y Óscar Gea (batería, percusión y coros; aunque en los primeros meses ejerció de cantante); luego se fueron sucediendo músicos, quedándose finalmente Lluís Rovira (guitarra y coros) a finales de 1997, y después Moisés Lopera (voces y coros) en el 2003, y por último Jaume Coll (bajo y coros) en el 2004.

Antes de la edición de este “Andares De Victoria”, editado por Big Bang Music, grabaron dos discos auto-editados: “Salem” (2002) e “Historias Inmortales” (2004); así como un single con tres temas entre dichos trabajos.

En varias ocasiones es complicado comentar discos, y más si son de grupos de nuestro país que luchan durante años porque la gente les reconozca el esfuerzo y batallan por salir a flote en el manipulado panorama musical (sea del estilo que sea). Pero también se le hace un flaco favor a los grupos comentando o ensalzando sólo los aciertos y obviando lo negativo o errores. Muchas veces la gente ve mal que se escriban aspectos negativos sobre un disco de un grupo del país, alegando que se debe apoyar la escena, pero creo que es un gran error, porque no se debe apoyar por apoyar. Y ciertamente, me sabe mal que tras sopesar lo escuchado, haya más elementos negativos que positivos en las canciones que comprenden el disco que te presentamos de Salem.

Musicalmente no son un dechado de virtudes, como ellos mismos reconocen, y ejecutan un Heavy Metal clásico, de cuernos en alto y cabezas sacudiéndose, influenciado por grupos reconocidos que te pueden venir a la mente mientras lees esto, como por ejemplo Iron Maiden (a ellos suena el tema “Furia Letal”). Algunas composiciones en cuanto a música no están nada mal (aunque en la mayoría de veces se les nota que deben trabajar mucho más), como es el caso de “Ciudad Del Metal”, la citada “Furia Letal”, “A Fuerza De Odio”, “Los Andares De Victoria”, y “Titanes”, con una letra sobre la lucha entre el Hombre y la Montaña en el deporte de la escalada, y precedida de una pequeña introducción titulada “La Caída”. Otra introducción, “Nacer”, con sonido hindú abre el disco, con teclados de Jaume Casalí y sitar de Enric Carbonell (productor de sonido del disco), que da paso a “Renacer”, otra canción que musicalmente no está mal, con un ligero acercamiento al Power Metal por la rapidez que hay en ella, como también se da en el comienzo de “A Fuerza De Odio”. Hay también un tema instrumental bajo el título del nombre de la banda “Salem”, composición antigua que ya apareciera en su primer disco, y que tampoco es muy resaltable. Como todo disco de genuino Heavy Metal hay balada, bueno, en este caso hay dos, “El Parque” y el último corte, “Cuando Muera El Sol”, temas donde se acentúan aún más las carencias en la voz de Moisés, y es que es uno de los puntos más negros que le veo al grupo. Su tono no es de mi agrado durante toda la grabación, quedando mal y forzadas las veces que intenta dar notas agudas (menos mal que es en contadas ocasiones) o cuando sube, y ya con las baladas no transmite nada con su voz en esos temas que requieren algo de sentimiento, quedando su labor en la última pista muy deficiente. Tampoco beneficia nada el sonido apagado conseguido en los estudios Doctor n´Ric de Torelló (Barcelona) entre el 10 y 29 de junio de 2005.

De verdad que me sabe mal tener que opinar más sobre cosas malas que buenas en un disco de aquí, pero es lo que hay. Deseo de corazón que sigan esforzándose y ojalá que en la próxima grabación tenga que ensalzar más la labor positiva que lo contrario. Y estoy seguro que en directo me convencerían mucho más que en estudio.

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SAME OLD “The R.E.M. Phase” (2005)

Primer larga duración de los vitorianos Same Old, tras haber publicado anteriormente la maqueta “Same Old” (2001), y el EP “I´m Still Waiting” (2003) editado por el mismo Sello que sacó en el 2005 este “The R.E.M. Phase”, los burgaleses Fragment Music. Grabado en abril de 2004 en los estudios Rimshot de Pozuelo de Alarcón (Madrid) por Carlos Lillo y mezclado y masterizado por Borja Burón (Zoo, ex-995) y Karim Burkhalter (estudios Heatroom).

A Fede Eguiluz (bajo), Daniel Arrizabalaga (batería), Jesús Villalabeitia (guitarra), Fran Orlando (órgano), Miguel A. Cle (guitarra), y José C. Porras (voz) se les cataloga dentro de las etiquetas del Emocore, Post Hardcore, Post Rock… ¿seguimos etiquetando? Mejor decimos algunos de los grupos por los que están influenciados, como Fugazi, Refused, At The Driven In, The Mars Volta…

Diez pistas, de las que la primera, “On The Wall” (tema de Bruno Martelli Trio), y penúltima, “A Moment Before”, sirven de introducción y preámbulo al final, respectivamente, en las que escuchamos una amalgama de melodía, tristeza… (Emocore), junto a riffs y rabia vocal (Hardcore), además de toques de Rock (como por ejemplo en “Overrage”, con la colaboración de Dani Foronda a la guitarra). José lo mismo nos canta en los temas con suavidad y melodía, recordándome a veces a Eddie Vedder (Pearl Jam), que arranca con una furia desmedida.

“Decoder” y “The Red Curtain Falls” nos dan las principales muestras de lo que he dicho en el párrafo anterior y que atesora este disco. “Crossword”, el tema más extenso, en ocasiones se hace denso. “Anesthesia”, “And… If This Was The End”… hasta el final con “Awake”, nos siguen mostrándonos el buen trabajo que han parido los vitorianos. Y si a lo dicho le sumamos el atractivo y trabajado diseño del digipack (exceptuando las letras de los temas que se presentan en cuatro hojas separadas que se pueden perder y que sobresalen al colocarlas en su rajita, tras la portada) la compra debería estar más que segura.

Si ya hemos dicho más de una vez (y las que hagan falta) que la música Extrema tiene grandes grupos en nuestro país, a los que en la mayoría de ocasiones no se les hace el debido caso, lo mismo podríamos aplicar a la escena de grupos del estilo de Same Old.

Web SAME OLD

SAMHAIN “Samhain” (2007)

La única referencia que teníamos de los de Alcázar de San Juan (Ciudad Real) era el tema, “¿Dónde está la luz?”, que incluyeron en el disco “Recopilación Maquetas Emisión Pirata” - Vol. 1 (Zero Records/Hardland Records, 2004), comentado por estos lares.

El Sello Pies Records les firmaba para tres discos, grabando el primer álbum en los estudios Cielo de Madrid entre el 2004 y el 2005, produciendo el trabajo el gran músico, y productor, Manolo Arias (Atlas, Dr. Snake, Ñu, ex-Sobredosis, Muro, Motores, Niagara, Bella Bestia...). Pero les sucede con la Discográfica madrileña casi el mismo caso que les pasó a los que luego han sido compañeros suyos en Akeloo, Dünedain, pasaba el tiempo y el disco no se editaba. Así que cansados de las promesas que no se cumplieron y tras la larga espera, optan por editar ellos mismo el álbum, siendo finalmente el Sello salmantino quien lo saque al mercado.

El trabajo homónimo de los alcazareños rezuma Heavy Metal clásico y tradicional, consiguiendo una muy buena labor tras la producción Manolo Arias, haciéndolos sonar compactos y tomando presencia todos los instrumentos.

No son músicos que te dejen boquiabierto, pero la labor de Jesús Blázquez “Sito” y Alberto Guzmán a las guitarras, Juan Carlos Cabezuelo “Koko” al bajo, y Antonio Román a la batería y percusiones, es realizada perfectamente, tocando y componiendo canciones que no están nada mal, quedando más que evidente sus influencias de Iron Maiden, especialmente por las melodías de guitarras, caso del primer corte, “Que caiga”, “La cárcel del olvido” (una de las mejores canciones para servidor), “Atrévete a mirar”, con letra que plasma el sentimiento por el Heavy Rock, e ideal para directos; la emotiva “Canción al marinero”, con la participación de Raquel Valverde, con su voz, y Manolo Arias; etc. Otras veces nos traen a la cabeza a Manowar como en “Nunca más”, con parte vocal para hacer cantar a la peña en directo, el medio tiempo “El silencio es dolor”… Aires épicos tenemos en “El señor de la guerra”, con comienzo y parte, hacia el final, baladística. La pegadiza “Dale tiempo al tiempo” se desliga un poco de los demás temas, teniendo bastante de Hard Rock. Pero las canciones ganarían bastante más con otro tipo de vocalista. Francisco Valverde no es que cante mal, pero su registro es bastante monótono y lineal, falto de más registros, quedando bastante cojos los temas en muchos momentos.

Unos conciertos después, tras la salida del disco, parece que la tierra se los ha tragado. Su espacio está falto de actualizaciones. Esperemos que el grupo continúe en activo y hayan mejorado en el tiempo que pasó desde la grabación del disco, su salida tardía, y el presente, sobre todo el vocalista Paco.

Espacio de SAMHAIN

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SANTA MANO “Santa Mano” (2003)

Sí, yo también pequé de ingenuo al pensar que el nombre de esta banda leonesa no era más que un derivado de Tierra Santa. Nada de eso, estos chicos lo tomaron prestado de las iniciales del monasterio cisterciense de Santa María de Nogales un tiempo después de formarse como Dies Irae allá por 1999. En todo caso, el nexo que puede unirles a los riojanos es la pasión que muestran por el heavy metal puro y duro. Quizá las referencias de Maiden deban ser sustituidas en su caso por otras de procedencia más cercana como Obús, a los que rinden pleitesía en “Nevada en Puerto Nalgas”, Muro, principalmente por el efecto que producen los coros en “Heavy metal”, o Ángeles del Infierno, donde ese comienzo de “Santa Mano” les delata en exceso.

El cuarteto sabe recrear cierto espíritu añejo gracias al sonido del trabajo (que cualquiera adjudicaría a una grabación de hace dos décadas, aunque aquí ese desfase es un punto a su favor) y a unas estructuras muy asimiladas. De este modo, sin ser la quintaesencia ni salirse del patrón clásico al que se ciñen, el resultado es efectivo y riffs como los de “No te lo pongo fácil” o “Guerra de hermanos” y los obligados medios tiempos del disco, “Mi ángel” y “Tempestad”, poseen su gancho. En el lado negativo, podrían haberle otorgado una mayor importancia a las letras, algo tópicas y predecibles, así como al empaque final de los temas, poco compacto para lo que se espera de un álbum propiamente dicho (en una maqueta tendría un pase). En resumen, se trata de llevarse los deberes aprendidos al estudio para la siguiente ocasión. Nada que el tiempo no pueda solucionar.

Si quieres información adicional, visita su Web oficial

J. A. Puerta

SANTELMO “Santelmo” (2010)

Pocos músicos hay en España con la calidad, prestigio y pedigrí de Jerónimo Ramiro. Podríamos hablar largo y tendido sobre su trayectoria, desde sus inicios aguantando al “Marica de terciopelo” Ramoncín, hasta su paso por alguna de las más grandes formaciones de Rock y Heavy Metal que ha dado este país. Hablar de Ñu, Santa o Saratoga es hablar de algunos de los grupos que han forjado la historia del Rock en España, y de todos es conocida su importancia e influencia en la música que amamos.

Cuando Jero dio por terminada su etapa en Saratoga, inició una carrera en solitario con la edición de un disco llamado “Tenebrarium” y una gira que apenas pudo dar sus primeros pasos. Esta decepción motivó que Jero se planteara la creación de un nuevo grupo.

En aquellos días, el excelente grupo de versiones Dr. Snake ofreció un concierto en la madrileña sala Ritmo y Compás, en el que varios cantantes fueron invitados a subir al escenario. Yo tuve la suerte de presenciar dicho concierto, cuya crónica la podéis encontrar en esta misma web. Entre esos invitados estaba Manuel Escudero, que fue cantante de un grupo cordobés llamado AGO, junto al guitarrista Paco Ventura. Después, entre otras cosas, ha sido cantante de apoyo de Medina Azahara, y tiene en su currículum el honor de haber cantado en un set acústico con el mismísimo Richie Blackmore. Apenas se bajó del escenario, Jero le propuso ser el cantante de su nueva banda. Y aceptó de inmediato.

El resto del grupo lo componen el bajista Luisma Hernández (Arwen, Nagasaki, Time Symmetry…), quien ya acompañó a Jero en su gira en solitario, el batería Jaime Olivares (Ankhara, Mysteria) y el teclista José Manuel Paz (Koven). El nombre de Santelmo es una clara referencia al pasado, tomada de “San Telmo 1940”, tema incluido en “El clan de la lucha” de Saratoga.

De hecho, Santelmo puede considerarse una evolución lógica de Saratoga. Metal pesado y contundente, combinando temas de furioso Heavy Metal con algo de la escuela Blackmore, con la inclusión de teclados y melodías vocales de la vieja escuela del Hard Rock. Incluso el tema elegido para presentar el grupo, y uno de los mejores del disco, “Bosque de hojas muertas”, nos recuerda inevitablemente a aquel “Maldito corazón” que Saratoga incluyó en “El clan de la lucha”.

Pero Santelmo no es sólo el nuevo grupo de Jero. O al menos, no lo parece escuchando el disco, ya que el resto de componentes rayan también a buen nivel. Manuel Escudero demuestra ser un excelente cantante, aunque a veces su voz queda solapada por la potente instrumentación, impidiéndole mostrar al completo el poderío vocal que hemos comprobado en directo. La base rítmica es un cañón, con el bajo de Luisma Hernández muy presente y una gran aportación de Jaime Olivares a la batería. Los teclados de Manuel Paz quedan más en un segundo plano, excepto en la balada “Daría lo que fuera” y en “Rey gitano”, con un protagonismo heredado de las influencias Rainbow / Deep Purple que Jero nunca ha escondido.

Además de la mencionada “Bosque de hojas muertas”, en el disco destacan “Los creyentes” y, sobre todo, “Junio del 44”, un cañonazo de tema que se revela como el mejor de todos, tanto en el apartado letrístico como en el musical. Una bonita historia sobre los pensamientos de un soldado irlandés, momentos antes del desembarco de Normandía, inmersa en la sobresaliente composición de Jero que representa el punto álgido del disco. Conscientes de la valía de este tema, lo tenemos por partida doble, ya que aparece como bonus-track, con la valiosa aportación de Leo Jiménez haciendo dueto vocal con Manuel Escudero.

Es cierto que Santelmo no ha venido a descubrir nada nuevo. No lideran ninguna revolución ni descubren un camino nuevo en el Rock de este país. Pero nadie les puede negar el talento, la profesionalidad y el buen hacer de unos músicos experimentados, cuyo debut tiene suficientes alicientes como para hacerse un hueco en tu estantería.

SARALEE “Darkness Between” (2006)

Hay discos que con sólo ver la portada ya te haces una idea de lo que te vas a echar al oído. Y aunque pensaba que esta banda contaría con una vocalista femenina, fallando en mis dotes de adivinador, sin embargo no erré en pensar que harían Gothic Rock/Metal.

Joonas (voz), Saurus (bajista), y Clansman (batería) llevaban desde comienzos de los 90 tocando juntos, formando en Restless, para pasar a llamarse a finales del 2003 SaraLee. Juha entró como guitarrista, grabando la primera demo, “Black And Hollow” (2001), al igual que Anne (teclista/voz; en la formación hasta el verano de 2005). Ari Kaupinnen “Arzka” se incorpora sustituyendo a la teclista, y también Kimmo entró como segundo guitarra en el verano de 2002.

Además de la primera demo, registraron dos más: “When Little Things Die” (2002) y “Evil In Us” (2003). Re-editando en el verano de 2004 las tres bajo el título “Demo(n)s”. Después vino su fichaje por Firebox Records editando primeramente el single “Dance” en el 2005.

Los seis fineses realizan y ejecutan muy correctamente su melancólico, triste, oscuro y romántico Gothic Rock/Metal, mezclando, como en la preciosa portada, dos vertientes o caras, la bella y melancólica, y la tenebrosa. Pero me suenan a muchas bandas que siguieron las pautas del éxito de sus compatriotas H.I.M. Letras, escritas en su totalidad por el vocalista, que tratan sobre soledad, sentimientos, tristeza… aunque también algo de esperanza. Suavonas melodías pegadizas que entran como cuchillo caliente en mantequilla, y claridad vocal en los once temas (dos antiguos ya aparecidos en sus demos, “Everytime” y “Black & Hollow”) que comprenden “Darkness Between”, aunque en el último corte, el extenso “Like Dreamers” (compuesto por Joonas y el guitarra Kimberly), aparecen voces guturales y suenan pasajes Doom.

Gustará a seguidores de H.I.M., The 69 Eyes, The Rasmus… y a los que le agraden la vertiente más Pop del llamado Gothic Rock/Metal. Para servidor el primer trabajo de los finlandeses, al igual que otros de ese estilo, está bien para escuchar unos cuantos temas, pero no el disco de una tacada.

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SARATOGA “El Clan de la Lucha” (2004)

Hace tiempo que Saratoga está bien instalado en la élite del heavy metal español. Con una carrera cada vez más sólida, el grupo madrileño se ha convertido en una de las referencias más claras en el panorama metálico hispano.

Tras la publicación del DVD en directo “A morir” (también reseñado en esta página), la expectación por conocer el siguiente paso de la banda era muy elevada. Y ciertamente no han defraudado. “El Clan de la Lucha”, de llamativa portada, avanza un paso en su evolución como grupo, sin cambios bruscos, pero dándole una mayor dosis de madurez sin perder la frescura y energía que siempre les han caracterizado.

La unión de la veteranía de Jerónimo Ramiro y Niko del Hierro, curtidos en mil batallas, junto a la juventud y empuje de Leo Jiménez y Dani Pérez, ha llegado a su máximo nivel de compenetración, mostrándose como un bloque sin fisuras. Estamos hablando de cuatro músicos muy competentes que hasta ahora no habían conseguido alcanzar como grupo el nivel al que llegaría la suma de sus talentos individuales.

La base que proporcionan Niko y Dani es una apisonadora, quizás la más contundente que nos podamos encontrar en España, proporcionando un soporte perfecto sobre el que se asienta cada tema. Jero se sigue mostrando como uno de los mejores guitarristas que ha dado el rock patrio, con una técnica depurada y una energía que no cesa con el paso de los años. Lástima que, en mi opinión, siga autolimitándose y no ofrezca toda la versatilidad de la que es capaz. ¿Y qué decir de Leo? Pues que canta mejor que nunca. Siempre ha estado sobrado de facultades, pero por fin parece que ha entendido que no tiene por qué intentar demostrar constantemente hasta qué nivel de agudos es capaz de llegar, modulando ahora con mucha mayor precisión y buen gusto. Eso que ganamos todos.

El disco es un cañonazo de principio a fin. Una breve introducción da paso a “San Telmo 1940”, quizás la mejor canción del disco, y a partir de ahí los temas se suceden sin tregua, sobresaliendo sobre el resto “Maldito Corazón”, de estructura muy sencilla pero efectiva, con un estribillo repetitivo que se mete en la mollera y que invita a ser coreado. También merece mención aparte la tierna “Si amaneciera”, el perfecto contrapunto para tanta caña, y donde Leo brilla a gran altura.

El sonido está un poco saturado, con la voz demasiado baja en la mezcla, siendo uno de los puntos que menos me convence del disco, aunque ayuda a que la potente base rítmica se adueñe del oyente.

Saratoga están en plena forma, y este disco les confirma como el valor más sólido que nos podemos encontrar a día de hoy en la estantería de tu tienda de discos.

SARATOGA “Tierra de Lobos” (2005)

A base de trabajo, constancia y talento, Saratoga ha ido asentándose a lo largo de los años como una banda estable y sus trabajos han ido cosechando un creciente éxito. Esta larga carrera consta ya de 8 discos, cuya estabilidad se demuestra que los 5 últimos han sido grabados por la misma formación. Paso a paso, su nombre se ha convertido en uno de los referentes del Metal nacional, y su lucha en primera línea de fuego viene a reforzarse con este nuevo disco.

Sin embargo, a mi siempre me queda la sensación de que el resultado del grupo es menor que la suma de calidad de sus miembros. Cada uno de ellos es un referente para los músicos de este país: Jerónimo Ramiro no tiene nada ya que demostrar, es uno de los mejores guitarristas que ha dado este país, y al que sólo se puede reprochar que se auto-limite, ya que su arte es mucho más versátil que el corsé en el que se mueve con Saratoga. Los que le seguimos desde sus tiempos de Ñu y Santa podemos dar fe de ello. Niko del Hierro posiblemente esté en el mejor momento de su carrera, el sonido contundente y atronador de Saratoga es, en buena medida, responsabilidad suya, y su compenetración con Dani Pérez es perfecta. Dani es un batería impresionante, su labor es posiblemente la más destacada del disco, no tiene nada que envidiar la mayoría de baterías de Heavy Metal de dentro o fuera de nuestras fronteras. Y finalmente, Leo Jiménez tiene unas facultades vocales privilegiadas, y cada vez más comprende que a veces es más importante trabajar en pro de una canción que hacer constante exhibición de poderío vocal.

Con estos mimbres deberíamos estar hablando del disco definitivo del Metal español. Pero no es así. Cierto que “Tierra de Lobos” suena enérgico, contundente y atronador, pero personalmente echo en falta algo más de “duende” en las composiciones. El huracán que sale por los altavoces palpita en nuestro pecho, pero igual que viene se va. Cada disco que sale al mercado es inevitable compararlo con el anterior, y “Tierra de Lobos” queda un escalón por debajo de “El Clan de la Lucha”, editado el año pasado.

El aluvión se nos viene encima desde el primer momento. El furibundo inicio con “Barcos de Cristal” y “Necrophagus” marcan la pauta de un disco muy homogéneo, quizás demasiado, ya que apenas hay momentos en que la tormenta escampa. Energía, vitalidad, una batería atronadora (tanto que a veces tanto doble bombo resulta agobiante), Nicko y Jero rellenando el más mínimo hueco sonoro, y Leo moviendo la voz por unos tonos increíbles.

Afortunadamente, entre tanta tralla han acertado a incluir buenas melodías vocales, que hacen sobresalir buenos temas como “Barcos de Cristal, “Contigo sin ti”, “Quinto infierno” o “Fuerza de Choque” (Leo está inconmensurable en este tema).

El disco es un continuo sprint en el que se levanta el pie del acelerador en dos temas: “Fe” y “Siento que no estás” son dos baladas intensas, poderosas, en el que el más relajado tempo no excluye la poderosa interpretación de la banda al completo.

El disco viene presentado en un bonito digipack de tacto suave, con un libreto algo difícil de leer en el que tenemos las letras y los créditos. Por cierto, bonito detalle de Jero al recordar a Azuzena, su ex-compañera en Santa fallecida hace pocos meses. Sus relaciones terminaron muy mal, por lo que este recordatorio le honra.

En definitiva, otro buen disco de Saratoga que satisfará a sus fans, pero que debería ser mejor, teniendo en cuenta la materia prima con la que cuenta.

Web SARATOGA – Web Avispa Records

SATELLITE PARTY “Ultra Payloaded” (2007)

“Ultra Payloaded” es el álbum debut del último proyecto musical que el culo inquieto y legendario frontman de Jane's Addiction y Porno for Pyros (entre otros) Perry Farrell, lleva gestando desde el año 2005 con diferentes actuaciones en vivo.

Para la aventura, el amigo se hace acompañar por, ojo, Nuno Bettencourt (guitarra), su mujer Etty Lau Farrell (coros), Carl Restivo (bajo) y Kevin Figueiredo (batería). Junto a un elenco de colaboraciones tales que: John Frusciante y Flea (R.H.C.P.), Jack Irons (R.H.C.P./Pearl Jam), Peter Hook (Joy Division/New Order), Peter DiStefano (Porno for Pyros), Fergie (Black Eyed Peas), los Dj's de Hybrid y Thievery Corporation y, por si fuera poco, así como el que no quiere la cosa, una orquesta de 30 piezas dirigida por el compositor cinematográfico Harry Gregson-Williams. Pero no se vayan todavía, aun hay más, el último tema, “Woman in the Window”, nos lo va a cantar ¡Jim Morrison!

Se supone que es un álbum conceptual, al que no acabo de pillar bien el concepto, pero bueno, viene a ser algo así como un grupo de artistas visionarios, “The Solutionists”, que unen sus conocimientos y habilidades en pro del cambio, a mejor, del resto de la humanidad. Y que se pegan una fiesta del carajo en un ¿satélite?

Abre el disco la groovy “Wish Upon A Dog Star”, el sencillo elegido para dar a conocer el proyecto. Es tremendo el parecido musical en este tema con los U2, podría encajar perfectamente en cualquier disco de éstos. “Kinky” y “Only Love, Let's Celebrate” (esta última una versión del “I Just Wanna To Celebrate” de Rare Earth) son dos temas discotequeros perfectos para amenizar las pistas de baile. Los sonidos más electrónicos los encontramos en el tema “The Solutionists” y los más rockeros, cuasi “metaleros”, en “Ultra Payloaded Satellite Party”. El álbum también tiene momentos de calma entre tanta fiesta sonora, como ejemplo la acústica y cinematográfica “Awesome” es el área de descanso de los once temas que componen el álbum.

Como punto y final, “Woman in the Window”, un tema inédito cantado por Jim Morrison, al que Farrell pone música. Seguramente es el tema más atrayente del disco por el morbo de escuchar de nuevo la voz de Morrison. Bueno, pues me ha parecido una auténtica cagada y estoy (casi) seguro de que a cualquier seguidor de los Doors le va a dar la misma impresión. Sencillamente, los arreglos que le han metido no le van a la voz de Morrison y, lo que hubiera podido ser algo grande, se queda en algo infantiloide e insustancial.

Según el propio Farrell, en “Ultra Payloaded” se combinan elementos del House con Hip-Hop (¿?) y Rock. Pues vale, la mezcla esa me ha entrado bastante bien, tú. Ahora queda saber si después del orgasmo quedaré abrazado al disco o daré media vuelta y me pondré a roncar.

En su página de MySpace podéis escuchar el disco completo y ver el videoclip del single “Wish Upon A Dog Star”.

Web SATELLITE PARTY

Didac Bello “Crucificado”

SATURNUS “Veronika Decides To Die” (2006)

Seis años han tenido que pasar desde que los daneses tuvieran que publicar un nuevo disco después de la edición de “Martyre” (Euphonious Records, 2000), anteriormente sacaron el MCD “For The Loveless Lonely Nights” (Euphonious Records, 1998), y “Paradise Belongs To You” (Euphonious Records, 1996). Permaneciendo sólo de los primeros tiempos el vocalista Thomas Akim Grønbæk Jensen, y el teclista Anders Ro Nielsen, acompañándoles en esta nueva andadura el bajista Lennart Jacobsen, los guitarras Tais Pedersen (ex-Usipian), Peter Erecius Poulsen, y el baterista Nikolaj Borg (ex-Withering Surface). Fichados por Firebox Records editan “Veronika Decides To Die”, título basado en la novela de Paulo Coelho (cuestión de gustos), y que fue producido, como en sus anteriores dos grabaciones, por Flemming Rasmussen (entre otros grupos ha trabajado con Metallica, Morbid Angel, Blind Guardian…) en Sweet Silence Studio.

Ocho piezas de Doom Metal melódico rozando la hora de duración. “Veronika Decides To Die” está repleto con preciosas melodías de teclas y guitarras que nos sumergen y evocan estados tristes, melancólicos… pero llenos de dulzura y sentimiento. “I Long”, el tema que abre la obra, y el más extenso (cerca de once minutos), comienza con una tranquila, pausada y bella melodía de teclas, para luego sumarse los demás instrumentos, liderando las guitarras ahora las melodías sosegadas, con la voz suave de Thomas que luego se vuelve gutural y atractivamente gruñona; después las teclas en solitario imponen su melodía y ambiente, con Thomas narrando, y después entrar en otra estructura que es guiada por el sonido de la base rítmica, pasando luego de nuevo las guitarras a imponer la melodía con los tonos guturales; las notas de las teclas vuelven a sonar en soledad y acaban la canción. De esa manera, más o menos, están construidas las composiciones. Tonos graves, sin llegar a la guturalidad, emplea el vocalista en “Pretend”; resaltando hacia el final el trabajo tras los tambores. En “Descending”, con excelentes guitarras que casi lloran, el segundo solo es ejecutado por Michael Denner (Force Of Evil; ex-Mercyful Fate, King Diamond). Anders vuelve a introducir a solas “Rain Wash Me”, como al comienzo de “All Alone”, que es una balada con Thomas poniendo su voz más suave y acompañado principalmente por guitarras acústicas. Los últimos temas, “Embraced By Darkness”, “To The Dreams” (con final acústico), y “Marky Waters”, están a gran altura, especialmente el último.

Hasta que recibí el disco de Saturnus no sabía de la existencia de los daneses. Un gran error por mi parte que hará que investigue más sobre su obra pasada. Una vez más es de agradecer el que Firebox Records nos descubra excelentes bandas de Doom.

Web SATURNUS

SAUROM LAMDERTH “El Guardián De Las Melodías Perdidas” (2001)

Tenemos aquí el primer disco de una joven banda de San Fernando (Cádiz), que ha sido producido por Alfonso J.B. Sánchez de Red Dragon Studios. Si has soñado alguna vez con tierras de leyendas y trovadores, seguro que la banda sonora ha sido este logrado disco de folk metal. Todo un rico repertorio de instrumentos que consiguen crear un ambiente íntegramente medieval: laúd, flautas, gaita, teclados... Digamos que estos chicos son unos músicos con todas las letras.

Tras la intro que le da nombre al disco (“El guardián de las melodías perdidas”) comienza el tema “Regreso a las Tierras Medias”, con unos coros a capella que dan paso a un corte muy cañero, con riffs y doble bombo muy potentes y una flauta que emana melodías medievales. El siguiente tema (“El Saltimbanqui”) comienza con la batería y el bajo, acompañados más tarde por un folclórico violín y unas guitarras muy heavies, tanto las partes rítmicas como los solos. En el siguiente, sin embargo, impera la gaita. Una hermosa introducción con las olas del mar y los pájaros, dándole un toque muy marinero. Es “Galoma”. Vemos, por tanto, que es un grupo muy variado, que no se deja llevar por los tópicos del heavy, sino que experimenta, y muy acertadamente, con todo tipo de alternativas. Además, son bastante buenos ejecutores, no como otros grupos que son muy ingeniosos compositivamente, pero que dejan bastante que desear a la hora de tocar. La voz es también muy personal y original, pues se separa del mismo modo de la típica voz heavy. Es una voz grave y rasgada, casi de pirata.

En cuanto a las letras, hay algunas que recuerdan un poco a Ñu, quizás sea por el tono tan medieval. Son, como digo, letras muy trovadorescas, de sabiduría legendaria. Aire jovial, fresco, desenfadado, que consiguen que, sin quererlo, te pongas a saltar. Para más originalidad si cabe, tienen un tema precioso titulado “Canto das sireas (susurros)” y que es precisamente eso, el canto de las sirenas. “El arquero del rey”, finalizado con un corte instrumental de laúd y flauta.

“Pequeño Lombardo”, con un aire muy luchador, típico de batallas medievales. Además, como bonus tracks, viene una versión acústica de uno de los temas del disco (“La ley de las hadas”) y una versión de “El Flautista” de Ñu, con ciertas adaptaciones, tanto en la música como en la letra. En fin, que pienso que es una buena apuesta por la originalidad y que me alegro de que salgan grupos que no tengan miedo a salirse del ABC del Heavy Metal que parece que hoy por hoy nos está invadiendo. Ya sabes, si te atrae este tipo de música, te animo a que te lo pilles porque está muy bien. Si no, ya te puedes ir olvidando de él, porque te puedes rayar bastante. Estoy deseando ver cómo se lo montan en directo con tanto instrumento. A ver si tienen suerte (y nosotros) y podemos verlos pronto por las salas de nuestra ciudad.

Clara González Lobo (Kiky)

SAUROM LAMDERTH “Sombras Del Este” (2002)

Tras un buen disco de debut (comentado por esta página en su día), la banda gaditana vuelve a la carga ¡y de qué manera! “Sombras del Este” representa la primera de las tres partes que Saurom Lamderth hará sobre la trilogía de “El Señor de los Anillos”; concretamente, “Sombras del Este” es obviamente la adaptación de “La Comunidad del Anillo”. ¿Oportunismo? Quizá sí, aunque he leído que el grupo llevaba dos años con la idea de sacar este material (ahora gozan de más medios que antes); aún así no deja de ser curioso que en pleno “boom” Tolkieniano editen este disco.

Doble CD con una magnífica presentación. Su anterior disco pecaba de falto de producción, cosa que está bastante mejorada en este CD. Aún así en varios fragmentos las guitarras me suenan un poco bajas para mi gusto, aunque quizá lo han pretendido hacer de esta forma para dar más protagonismo a las flautas, violines y demás instrumentos poco típicos en un grupo de Rock; en líneas generales en este disco se distancian más del sonido Mago de Oz para adentrarse en un sonido digamos entre Ñu y Blind Guardian, así que vayamos hacia la Tierra Media.

El primer CD lo abre una preciosa introducción acústica, narrada por una voz femenina en élfico que da paso a “Acertijos en las tinieblas (Gollum)”, muy buen tema que define perfectamente lo que te vas a encontrar en el disco: riffs de guitarras heavys junto con flautas, violines y gaitas. “La Comarca” se trata de una breve introducción instrumental que da paso al primer gran plato fuerte del CD, “El cumpleaños de Bilbo”, un tema con muchos guiños a Blind Guardian (sobre todo en las guitarras), numerosos cambios de ritmo y unos elementos folk que no hacen más que embellecerlo. El siguiente en caer es “De Hobbiton a Los Gamos”, tema que me trae a la mente a Ñu: muy medieval y a la vez muy heavy, en el que entra la primera colaboración del CD, nada más y nada menos que Silver de los casi extinguidos Muro, que bien es cierto hace que las partes que él canta queden mucho más heavies. La siguiente de las colaboraciones viene en el siguiente tema: se trata de la magnífica voz de Ángeles Lago de Crazy Cabuxa. La canción tiene por nombre “Bajando por el Tornasauce”, una preciosa balada con una magistral voz. La siguiente canción se trata de “Tom Bombadil”, una canción algo floja en la tónica general del CD; a mí no me ha gustado mucho, se trata de una canción acústica (que no balada) con un estribillo pegadizo que, como he dicho, no alcanza el nivel general del CD. Seguimos con “La posada del Pony Pisador”, que se trata de la canción más festiva del CD, con un inicio que me recuerda mucho a la canción Sanferminera de “A Pamplona hemos de ir...”, muy en la línea de “Fiesta” y “El Baile del juglar” de su anterior disco, con un estribillo de los que se te quedan a la primera. Este tema cuenta con la colaboración del Lujurioso Oscar. Otro de los platos fuertes es “Trancos/Aragorn”, con otra colaboración, esta vez de Victor de Warcry. Éste es otro de los temas en la onda Blind Guardian, quizá sea el más heavy del CD, donde, por cierto, destaca la voz de Victor. Y para acabar con el primer CD, tenemos “Los Jinetes Negros (Nazgul)”, un tema donde nos podemos encontrar a la vez con unas guitarras acústicas y otras machaconas y cañeras. Tampoco es de los que me acabe de convencer del todo.

El CD 2 se abre con una canción larga: se trata de “El Concilio de Elrond”, dividido en tres partes, “El Encuentro”, “La Traición de Saruman el Blanco” y “La Partida de la Compañía”. El tema dura 15 minutos. Yo destacaría sobre todo esa melodía del inicio que meten también en gran parte del tema y la parte de “La traición de Saruman el Blanco”. Es de suponer los numerosos cambios de ritmo/tempo en la canción así como los cambios entre guitarras acústicas y con distorsión; un gran tema sin duda que quizá se haga algo largo. Los siguientes tres en caer son para mí lo mejor de este segundo CD: la instrumental “El Paso del Caradhras”, con una aire muy peliculero y con unos coros que claman “Moria”; “Las Minas de Moria”, que es para mí el mejor tema del disco, de nuevo con unos Saurom muy Blind Guardianísticos, un tema lleno de fuerza y donde destacaría el tratamiento que se le ha dado al doble bombo, presente donde tiene que estar y sin machacarte la cabeza. También he de destacar los teclados y, como no, las guitarras acústicas. Sin duda las “Minas de Moria” se convertirá en todo un himno para Saurom Lamderth. El siguiente es “La Dama de Lorien”, un tema magistral acústico cantado a medias entre Elisa de Dark Moor y Narci. Yo lo definiría sólo con un adjetivo: precioso. “Los Pilares de los Reyes” es un buen tema instrumental que recobra el aire folk. El siguiente tema en caer es “La disolución de la Compañía”, una adaptación del tema de Gary Moore “Over the Hills and Far Away”, que como no conozco la original no voy a entrar en comparaciones, pero ésta está muy bien. Para acabar el CD tenemos una Outro, “Mordonorienna (Hacia el País de las Sombras)”, otra vez en élfico. Si dejamos pasar el CD unos minutos nos encontramos con otra versión de “La Dama de Lorien”, que ahora sí cierra el CD.

Lo dicho, Saurom Lamderth han hecho un gran trabajo intentando adaptar una obra muy compleja, si bien no sé si se pudiera seguir plenamente la historia a no ser que te hayas leído el libro (o visto la película). Yo creo que han acertado plenamente. Otra cosa es el oportunismo.

Agustín Galiana “Aguskill”

SAUROM LAMDERTH “Legado de Juglares” (2004)

Tercer disco de la banda de San Fernando (Cádiz), y viene con cambios. El primero es en su formación, ocupando Miguel “Migue” definitivamente el puesto a las voces que por enfermedad tuvo que dejar Narci, también cuentan con una violinista (Sophia) y con un nuevo bajista (Josele).

La segunda novedad es que, sorpresivamente, no han grabado una segunda parte de lo que fue “Sombras del Este”, o sea, una segunda parte de la obra de Tolkien “Las Dos Torres”.

“Legado de Juglares” es, a parte del título de una de sus maquetas, un disco muy Saurom Lamderth, aunque es cierto que el sonido Blind Guardian rezuma por los cuatro costados, y es que salvando las distancias la voz de Migue es parecida a la de Hansi, ahí tenemos por ejemplo “La Casa de los Espejos” o “El Llanto de Loumiere”.

A mí las que más me han gustado son “Nostradamus” en la que cuentan, como ya hicieron en su anterior disco, con unas voces puras de Black Metal, “Sandra” y “Mendigo” que cuentan con una melodía de esas que se te quedan en la cabeza y también de estribillo pegadizo, y por supuesto con la festiva “El Luthier” un tema que a buen seguro funcionará en sus directos.

La verdad es que no es mal disco, pero también es cierto que esperaba una mayor evolución por su parte.

A destacar de nuevo la presentación, así como el libreto, explicando cada uno de los temas.

Web SAUROM LAMBDERTH

Aguskill

SAGA “Marathon” (2003)

Hay grupos que están viviendo una segunda época dorada., y los canadienses (de Toronto) Saga son uno de ellos, al menos por lo que se desprende de sus últimos discos. 22 obras, 15 de ellas en estudio y el resto directos y recopilatorios avalan la carrera de un grupo de culto para los amantes del rock sinfónico y progresivo, aunque nunca han pasado de la segunda división, y van...

Este último “Marathon” continúa la línea del magnífico “House of cards” (2001), pero con más presencia de guitarras. Rock ecléctico, de voces dulces y baterías programadas que contrastan con fraseos de guitarra netamente hardrockeros, muy influidos en ocasiones por sus paisanos Rush.

Son 11 cortes de entre los que destacan “Marathon” con una impresionante intro, “How are you?” una de las que supongo no faltarán en los directos (ese estribillo...), “Hands up” en el más puro estilo Saga o “Worlds apart (chapter 16)”, la más extensa del disco. También hay baladas como “Breathing lessons” y ‘cosas raras’ como la maravillosa “Rise and shine” (esto lo firma cualquier grupo tecno y cuela).

A destacar también la continuidad que le han dado desde el “Full circle” (1999) tanto al logo del grupo como a su mascota, el bicho ese con aspecto de mantis religiosa y ojos verdes. Más vale tarde.

Nadie es profeta en su tierra, al menos eso dicen, pero por Europa siempre tuvieron gran aceptación, me refiero a la Europa de siempre, ya sabéis. De hecho en Francia, Reino Unido y Alemania pueden verles en directo por estas fechas. Espero que con este disco terminen de cuajar por aquí y se vengan a dar una vuelta para poder disfrutar de ellos en directo.

Ian Crichton (guitarra y coros), Jim Crichton (bajo y teclas), Jim Gilmour (teclas y coros), Steve negus (batería) y Michael Sadler (voz y teclas) han hecho uno de sus mejores discos hasta la fecha. Para abiertos de oído.

Salud.

SARGON “Transcriptions” (2005)

“Cada nota d’aquest disc ha sortit del racó més sincer dels nostres cors. Totes elles estan dedicades a la memoria del nostre amic i guitarrista Felip Sánchez Resina. Sempre estaràs amb nosaltres.” [“Cada nota de este disco ha salido del rincón más sincero de nuestros corazones. Todas ellas están dedicadas a la memoria de nuestro amigo y guitarrista Felip Sánchez Resina. Siempre estarás con nosotros.”]

Carles Ferreiro (guitarra), Felipe Sánchez (guitarra) y Marc Prim (batería) decidieron un buen día, allá por el ’99, que era hora de tomarse en serio las tardes que pasaban tocando en aquel pequeño local de ensayo de Santa Eulàlia de Ronçana (Granollers, Barcelona) así que se animaron a formar una banda, llamándose Sargon. Según cuentan las malas lenguas, ese era el nombre del primer emperador de la historia, cuyos dominios proliferaban en la antigua Mesopotamia. Con la incorporación de Oriol Nieto poniéndole voz a la banda y encargándose del bajo, y varias actuaciones a nivel local, graban durante el verano de 2001 su primera maqueta, “The Oath of Akkad”, con la que consiguen numerosas actuaciones y comienzan a darse a conocer. Lamentablemente, un fatal accidente causó la muerte del guitarra Felipe Sánchez, aún así tuvieron fuerzas suficientes para seguir con su sueño y la banda “sufrió” algún cambio, como el paso del bajo a la guitarra por parte de Oriol (Uri) y la incorporación de Jordi Llobet a las cuatro cuerdas. Tras ganar un concurso de maquetas que les supuso actuar en el festival Rockallerona entran a grabar su segunda maqueta, “Mirage”, con un sonido mejor y más maduro que la anterior, que les abre muchas puertas a nivel de conciertos por la Ciudad Condal, e incluso cruzando la “frontera” con Aragón y Euskadi, actuando frente a públicos numerosos con bandas como Reincidentes o Epica. A finales del verano de 2004 entran de nuevo al estudio de grabación para este “Transcriptions” y a mediados de 2005 consiguen la firma y la edición del álbum con la discográfica Big Bang Music, sello regentado por Rafa Garrigós (ASPID) cuyo trabajo de promoción y asesoramiento parece estar dando sus frutos, llegando a telonear al mismísimo Paul Di’Anno como ya os contamos en su momento.

Bien, pues todo el trabajo de estos seis años está representado en “Transcriptions”. Trece temas, bastante variados, moviéndose en los tópicos del Heavy Metal de finales de los ochenta y el Thrash de los noventa, todo ello acompañado por agradables instrumentales y pasajes de sonidos árabes que son, quizás, lo que más personalidad aporta a la banda, marcando así la diferencia con el resto de grupos que hacen lo mismo en el aburrido panorama nacional (salvo honrosas excepciones, claro)

El CD está plagado de momentos realmente interesantes, especialmente por parte de las guitarras y la percusión ya que, la voz de Uri, siendo buena, queda un poco deslucida, al igual que los coros, está muy baja comparada con las guitarras y da la sensación de “oírse lejos” en la mayoría de los cortes. De no ser así, “In the sand” por ejemplo, con la colaboración de Pablo García de Warcry pegándose un cojonudo solo de guitarra, a mi parecer el mejor tema, hubiera quedado mucho más potente y se hubieran notado más las buenas maneras y giros vocales que luce Uri en la copla. Como “no hay mal que por bien no venga”, el bajo tiene un lugar privilegiado en la producción y la verdad es que, suena de puta madre, Llobet lo hace sonar de puta madre, vaya. Temas como el cañero “Gods Struggle” o la estupenda trilogía del tema “The curse of Akkad”, en su mayor parte instrumental, sin demasiadas complicaciones y sí con muy buenos riffs de Carles, pasajes arábigos y muchísima percusión por parte de Marc, demuestran que las horas de ensayo y trabajo conjunto han dado resultado, buen resultado.

Saliéndose un pelo de la tónica del disco, “Nida” me parece un tema muy interesante, medio tiempo extenso, de corte progresivo y muchos cambios de ritmo, algún que otro acorde con el órgano y los mejores coros del redondo; tema dotado de mucha personalidad. El punto más flojo para un servidor es “The legend of Sargon”, quizás demasiado sencillo y previsible comparado con el resto de cortes que, a mi parecer, juegan en otra liga.

A parte de la colaboración de Pablo García, cuentan con la voz de Manuel Rodríguez de Sphinx en la versión en castellano que hacen de su segundo tema “Perfect”, “Perfecto” en este caso, y la verdad es que prefiero esta versión que se presenta como bonus track junto a una versión extendida de “Nida”, y deja la sensación de que cantando en castellano la banda se defiende igual de bien, a mí me suena de muerte. Un debut excelente que augura un buen futuro, dadas las ganas y la progresión de la banda, pongo la mano en el fuego por que vamos a oír hablar de ellos y su música en más de una ocasión, y no me quemo. ¡Que Enlil guíe vuestros pasos! o ¡suerte y al toro!

Puedes bajarte el tema “Perfect” y algunos videos en su completa página web.

Didac Bello “Crucificado”

SAVE US “Te quiero a ti” (2007)

Primer disco de esta banda madrileña de Heavy / Power Metal con chica al frente. Save Us se fundó en el año 2000 en San Sebastián de los Reyes (Madrid) por Juan Diego Ortihuela Alonso.

Darío Calleja (guitarra), Diego Gutiérrez (batería), José Salvador (bajo) y Juan Diego Ortihuela (guitarra y voz) comenzaron a ensayar en la escuela de música de Alcobendas (Madrid) hasta mitad de 2002, momento en el que el baterista debe regresar a su país. Mientras se buscaba alguien que ocupara la batería, Juan Diego toca con la banda Rusadir durante unos seis meses.

A comienzos de 2003 retoma Save Us con nuevos componentes, en esta ocasión con David Toledano (voz; Crienium), Sergio Salcedo (guitarra), Juan Diego Ortihuela (guitarra), Miguel Ángel Ortihuela (bajo; Alborde), y Rafael García (batería). Esa formación grabó una maqueta compuesta por dos temas. En enero de 2004 Raquel Santamaría entra como vocalista sustituyendo a David Toledano, y en mayo de ese mismo año graban su segunda maqueta con cuatro canciones. La cantante abandona el grupo, resultando un parón hasta septiembre de 2005 en el que vuelve a haber cambios en la formación: a Juan Diego y al baterista Rafael García se les unen Sonia Muñoz Caballero (voz), Roberto Martín Valderas (guitarra) y Carlos Álvarez (bajo). Pero Rafael lamentablemente no puede continuar con la banda, así que les echa una mano tras los tambores en directo Jouny, con el que consiguen quedar terceros en el Concurso de Pop-Rock del barrio de Moratalaz realizado en la sala Silikona el 20 de junio de 2006. También en ese año obtienen el primer premio en el Concurso Electroshock, pero tras este concierto Sonia es expulsada y en marzo de 2007 entra Carlos Vázquez y Jesús Martínez (batería).

El culebrón de cambios continúa en el grupo, causando baja el guitarrista Roberto y el vocalista Carlos. Finalmente Ana Isabel Rochas (voz) se une a Juan Diego Ortihuela Alonso (guitarra y teclas), Carlos Álvarez Arranz (bajo) y Jesús A. Martínez Pedrero (batería). Con esta última formación graban una demo de cuatro temas y luego este primer álbum, “Te quiero a ti”, editado a comienzos de diciembre de 2007 y distribuido por Santo Grial Records.

Después de escuchar a conciencia el disco, lamento decir que el cuarteto se precipitó en la edición de su primer trabajo. No sé como grabarían los temas en ORSA estudios (propiedad de Juan Diego Ortihuela y Sergio Salcedo) pero bastantes veces la grabación se escucha distorsionada y también embarullada, además que la batería suena claramente artificial en diversos momentos. Pienso que la vocalista no estaba totalmente adaptada a la banda, aparte de que no posee registros altos que piden en determinados momentos los temas, y más de una vez se le nota cantar forzada. Casi en la totalidad de las nueve canciones hay partes en que la letra no encaja nada bien con la música, estando metida con calzador y quedando bastante mal.

El grupo se mueve entre el Heavy Metal clásico y el Power Metal europeo siendo las composiciones a destacar “Te quiero a ti”, “Tómame” y “En soledad”, único tema éste (el cual cierra el CD) en el que letra y música encajan bien y Ana cumple.

“Se acabó el dolor” es una balada que además de que la fémina no transmite nada con su voz, no sería tampoco elegida entre las mejores baladas de Heavy Metal en nuestro país.

La mayoría de letras hablan de amor y desamor, aunque también de prepotencia (“No vuelvas”, con aires de Hard Rock), hipocresía (“Tu falsedad”), la violencia de género (“Un día cualquiera”, en la que no queda nada bien la temática de la letra con ese ritmillo happy de Power Metal) y el salir de vacaciones (“El reloj marca las 2”), letra y tema que no me convence nada de nada.

Espero que con su segundo disco, “Llora mi alma”, que próximamente verá la luz, hayan mejorado los errores de este tan flojo “Te quiero a ti”, y la vocalista haya progresado. Porque si no, siento mucho decir que no les auguro mucho futuro a Save Us tal y como está el mercado de la música y habiendo tanta competencia de grupos.

Web SAVE US - Myspace SAVE US

SAXON “Killing Ground” (2001)

THE SENTINEL.- Ave María Purísima

THE PREACHER.- Venga...abreviando, que no tengo todo el día.

TS.- Padre, mire usté, es que acabo de gastarme casi 3.000 castañas en en último de Saxon.

TP.- ...y te arrepientes?.

TS.- Que va padre, si es la hostia!!!.

TP.- ¡Ea!

TS.- Uy!, perdón, es que no encuentro otro adjetivo.

TP.- Pues estrújate el coco, a ver que sale...

TS.- Pues nada, que pensaba que iba a ser bueno...pero es mejor!!!

TP.- Entonces, si no te arrepientes a qué vienes?.

TS.- Es que no tengo a quien contárselo, y digo, pues a este....

TP.- ¡Pues soltando por ese pico...!

TS.- Pos ná padre, que aunque son 17,43 euros viene en formato digi-pack con dos discos. El primero es el LP propiamente dicho, y el segundo son clasicorros regrabados con el toque de los Saxon actuales. No es que se estiren mucho en fotos, pero las que hay son de estudio de esas que hacen aparentar unos añillos menos... ya me entiende....

TP.- Al grano chaval, que eso me la trae floja.

TS.- (con cara de mosqueo... pero de mosqueo eh?) Coooño con el pricher. Bueno, pues eso, que el “Killing ground” así, en general, parece un resumen de los tres últimos discos en estudio, tiene la pinta del “Dogs of war” con una producción mucho más diáfana que, por ejemplo, el “Metalhead” pero con muchos momentos en los que recuerda la tralla más burra de éste. Además el concepto es mucho más parecido al “Unleash the beast” en el sentido de querer darle a los temas un aire de heavy metal clásico con sonido del Siglo XXI..

TP.- Concretando, que es gerundio....

TS.- Pues empieza el disco tal y como nos tienen acostumbrados de unos años a esta parte, con una intro que da paso al tema que da título al LP. Ruido de explosiones, disparos, campanas al estilo “Hells Bells” y caña metálica a tó trapo. Por cierto, buen trabajo de Tim “Nibbs” Carter al bajo, muy sólido y con solo -poco habitual- en mitad del medio. La siguiente es “Court of the crimson king” ¡¡¡uuuuuuyyyyyy!!! rozando el larguero padre, casi igual que la de King Crimson del ’69 pero no... Coros de catedral....

TP.- ¡¡¡...Ostias!!!, ejem, consagradas claro.

TS.- Si, con aire nostálgico interrumpido por un cambio de ritmo con solo de Paul Queen a la antigua usanza. Temazo impresionante, como lo es “Coming home”, más hard rockero que nunca, o “Hell freezes over” que parece sacado del “Crusader”.

TP.- ¿Cómo se llamaba esa que rulaba en mp3 por internet...?

TS.- “Dragons Lair”. ¿Y como sabe usté eso padre...?

TP.- Me la mandó Txoki una noche de chateo, pero esa es otra historia, seguimos...

TS.- “You don’t know what you’ve got” es la siguiente, ¿Se lo dicen a Judas por lo de “…you’ve got another thing coming…”, o a Cinderella por lo de “...don’t know what you got (till its gone)”? es que escuchando la letra parece una especie de réplica, no sé, me da la sensación de que aquí hay algo de eso, pero es solo una sensación ya digo.

TP.- Salud y pajas mentales, je, je....

TS.- (pensando en que le está empezando a sonar el tipo este) que digo yo padre, que “Deeds of Glory” me huele a futuro clásico, lo mismo que dentro del confesionario....

TP.- Po zí. A ver, más...

TS.- “Running for the border” tiene un riff machacón estilo Saxon de to la vida. “Shadows on the wall”…

TP.- Mira que bien, como la de Mike Oldfield, estamos con escasez de títulos o qué?

TS.- ...pues no se parece, esta empieza tranquilita, pero tiene un puente muy heavy con un efecto de megáfono en la voz de Biff Byford (por cierto, magnífica todo el disco, parece mentira con la de humo que ha pasado por esa laringe, faringe y tráquea). Y termina el elepé con “Rock is our life”que explica el secreto de la juventud del grupo a estas alturas.

TP.- Doug Scarratt a la otra guitarra, no?

TS.- Sí, y Fritz Randow a la batería, y se nota el sonido, los estudios de grabación y la mano de su ex–compañero en Victory (también en Accept) Herman Frank. No solo está este genio derás de los controles, también un tal Nikolo Kotzev, alias “Nostradamus” y la producción de Biff Byford y el propio grupo. Con estos ingredientes solo puede salir un consomé de primera, mal está que yo lo diga pero...

TP.- Ya, y el segundo disco, el de las versiones?

TS.- Pues clásicos con la cara lavá y recién peiná, como “Princess of the night” (como suena esto), “Crusader” (más caña), “Wheels of steel” (todavía le sobra voz al Byford), “Motorcycle man” (subiendo agudos), “Strong arm of the law” (El bajo flojea un poco, Nibbs toca sin púa y le suenan las pastillas estilo Harris), “Denim and leather” (no comment), “Dallas 1 PM! (mejorando la original) y “And the bands played on” (que la vuelvan a incluir en el repertorio, porfaaaaa).

TP.- ...y eso es todo padre… padre!... PADREEEEEE!!!!!!!!... Joer, se ha pirao (a por el disco). ¿...y este casco con cuernos...?

Salud.

SAXON “Heavy Metal Thunder” (2002)

No entiendo la razón de publicar este disco, o no entiendo la razón de regalarlo en el anterior “Killing ground”. Muchas veces la industria discográfica nos sorprende con proyectos que hubieran rechazado en otras circunstancias. Una lástima.

“Heavy metal thunder”, insisto, es el mismo disco que metieron como bonus en la versión digipack del anterior de estudio (ver reseña del “Killing Ground” en esta misma página), con 5 temas más: “Heavy metal thunder”, “Power and the glory”, “747(strangers in the night)”, “Never surrender” y “Backs to the wall”. Clásicos del grupo regrabados por la banda actual, con sonido espectacular, muy potente, en definitiva una buena colección para neófitos.

Además se acompaña de un segundo disco (bonus) con temas en directo grabados en S.Antonio en este año, una especie de bootleg oficial, y también una pista para PC del clip “Killing ground” con imágenes de su actuación en el W.O.A. de este año. Muy interesante.

Una cosa, el águila que aparece en el clip NO es el mismo que se utilizó en las giras de los primeros ochenta. Lo digo porque yo SÍ vi aquél águila (que miraba de frente, no como este), y he leído por ahí que habían rescatado el aparato de aquella época. Si es el mismo lo han sometido a una operación de estética importante.

Buen disco en general, incluso recomendable si no se tiene nada del grupo y se quiere saber como suena en la actualidad, o si no se pilló la edición digipack en la que se regalaba la mayoría de este. Bueno, o si eres como yo de Saxonmaníaco.

Salud.

SAXON “Lionheart” (2004)

Está muy sobado ya eso de la ‘nueva juventud’ del grupo. Cuando la tal segunda juventud lleva siéndolo tantos años lo que hay que preguntarse es si esa juventud no es la misma de siempre, con el lapsus de unos años de vacas flacas. También sobran los comentarios de quién mantiene vivo el espíritu de la NWOBHM y todas esas chorradas que algunos recién llegados sueltan como si hubieran descubierto el oro y el moro. Sería mejor dejarse ya de asombros y aceptar de una vez que Saxon mete envidia cochina a sus quintos y a los nietos de sus quintos.

No son un revival. Lo serían si se llamaran Oliver/Dawson’s Saxon, por ejemplo, pero no es el caso. No son el mejor grupo del mundo, tampoco una banda-refrito, no se han alejado de su propio sonido, no van por la vida de mesías ni de adalides del verdadero metal, simplemente hacen su música. Son lentejas. Muchos las dejan, pero otros nos las comemos de cualquier forma, lo reconozco. Algún hortera diría eso de “It’s only rock’n’roll, but I like it”, bueno, vale, pues eso mismo.

La excesiva oferta ha superado a la capacidad de hacerse con todo lo que sale y no hay más remedio que elegir. Además, la competencia es feroz. El nivel de algunos grupos en la actualidad es tremendo, y en consecuencia dejan discos que merecen la pena el pago de las brutalidades de precios impuestos por las compañías. No es este el caso, será porque no es un grupo de masas, ellos se lo pierden y yo tan feliz. Y como, además, ‘no va el son con las castañuelas’ (la calidad de lo de dentro se paga más barata que mucha morralla que meten con calzador), pues todo el conjunto hace que estén bien como están. Son las ventajas de que te guste un grupo al que no hacemos caso más que los románticos.

Probablemente, si llenaran una plaza de toros o un estadio de fútbol estaría escribiendo esta reseña en otros términos. No por rechazo, sino porque la vida demuestra que, excepto algunas honrosas excepciones, los grupos se terminan estropeando con tanta parafernalia, tanto lujo y tanta historia, y como Saxon precisamente de historia van sobrados, a estas alturas de la película no serían lo que son. Que la cosa está bien como está, vaya.

No, no me justifico, solo digo que viva la madre que los parió.

Ah!, el disco, pues lo mismo de siempre, un gran disco. Además, la edición limitada en digipack regala un patche (¿todavía se usan de estos?).

SAXON “The eagle has landed III” (2006)

Esto de ofrecer música en lata procedente de actuaciones en directo tiene sus adeptos y sus detractores, y Saxon son un grupo que cada cierto tiempo publican un disco de estas características para goce y disfrute de gente como, por ejemplo, yo mismo, y de paso dar pie a las críticas de quienes los directos ni fú ni fá, o más bien están en contra.

Los que habitualmente leéis esta web sabéis de sobra lo que opino de Saxon, así es que no creo que tenga que hacer un ejercicio importante de imparcialidad a la hora de comentar este trabajo ya que, además, soy un firme defensor de los discos en directo. Este no lo es del todo, bueno, las tomas sí lo son, pero no pertenecen al mismo concierto. Se trata más bien de recortes al estilo de aquel “Rock’n’roll gypsies” de 1989, escogidos de entre las tomas en directo de 8 conciertos de la gira “Lionheart” de 2004 (segundo CD) por Francia, Inglaterra y Alemania, y de 6 actuaciones de la gira de 2005 llamada “Night out with the boys” (primer CD) por Suecia y Alemania.

El primer disco contiene 15 cortes clásicos del grupo, incluyendo algunos que hacía bastantes años no tocaban en directo, caso de “Redline”, “Stand up and be counted”, “See the light shining” o “To hell and back again”, por poner algunos ejemplos, junto a otros que forman parte del paquete de imprescindibles en cualquier actuación de Byford y su gente, como “Wheels of steel” o “Crusader”. El segundo CD incluye casi entero su último disco de estudio, “Lionheart” (todas menos “Witchfinder general” y “Justice”), y se completa con otros del “Killing ground” (incluida una magnífica versión del “Court of the Crimson King” de King Crimson) y el colofón final con una gran “Solid ball of rock”.

Como curiosidad comentar que la batería del disco y gira “Lionheart” fue grabada por Jörg Michael (Avenger, Running Wild, Steeler, Grave Digger, Stratovarius, etc.), quien formó parte de Saxon desde septiembre de 2004, por lo que el segundo y parte del primer CD es a él a quien se escucha tocar. El resto, los temas clásicos, los del CD1, son interpretados por Nigel Glockler (Bernie Torme, Asia, Fastway…), batería que compartió con Saxon los mejores momentos, permaneciendo con ellos durante la mayor parte de su historia, aunque últimamente haga el Guadiana más de la cuenta.

Edición en digipack, con libreto lleno de fotos y un breve comentario en el interior de la carpeta. De portada sencilla pero sobria, con buen sonido y una selección de temas que, en general, faltaban en la discografía en directo del grupo (por cierto, sigo echando de menos cosas de “Forever free”, “Destiny” o “Rock the nations”).

Sobre esto último, seguramente habrá muchos que piensen que hay una saturación importante de material en directo de los sajones. Bien, es probable, también la hay de Iron Maiden o de Deep Purple, y sin que esto sirva de justificación de nada, yo personalmente me alegro y espero que no sea lo último.

SAXON “The Inner Sanctum” (2007)

He escuchado el disco unas 20 veces calculo yo antes de escribir la reseña, y mientras lo escuchaba anotaba en una libretilla algunos apuntes que reproduzco:

La portada: Maja. Me gusta más que por el sentido, por el ambientillo que le da al disco en plan medieval y tal. De las mejores de los últimos discos.

El interior: Buenas fotos. ¡Que jodíos, si incluso parecen más jóvenes! Vienen las letras, así es que puedo ir leyendo mientras escucho. Vaya… trae DVD (Nota: luego lo comento, que ahora estoy con esto).

(Me pongo el CD en el reproductor):

El sonido: Como siempre, tremendo. Las guitarras suenan muy bien, esta gente se las curra. El bajo suena mucho mejor que en otras ocasiones, está más presente, suena más redondo. Creo que la mezcla es muy acertada, hay menos contraste y resulta algo más opaca que en “Lionheart” o que “Metalhead”, un poco más como en “Killing Ground” pero más uniforme. Suena muy compensado. La voz está muy bien tratada también. Muy buen sonido.

Los músicos: Biff se sale. Nada que ver con la voz de “The Eagle Has Landed Vol. 2”, aquello sí que fue catastrófico. A los cincuentaypico años que tiene parece que cada disco cante mejor que en el anterior. Paul en su línea, es decir, bien. Doug esta vez se ha currado más los solos, deben haberle dado un capón. Es una gozada volver a escuchar a Nigel Glockler, sobre todo después de un trabajo tan soso como el de Jörg Michael en “Lionheart”. El que me ha sorprendido ha sido Nibbs Carter. Ha saturado un poco más su bajo y suena mejor. Yo creo que le ha quitado las colas de los graves, está más comprimido. Muy buena la línea de “I’ve Got To Rock (To Stay Alive)”.

Las canciones: “State Of Grace” es la típica para abrir los conciertos. “Need For Speed” me recuerda un poco a “Redline” del “Power And The Glory”, muy cañera. “Let Me Feel Your Power” tiene pinta de no faltar en los directos a partir de ahora, con un doble bombo espectacular. Aquí Biff rasga un poco más su voz. “Red Star Falling” es una especie de balada in crescendo muy del estilo “Crusader”, pero mejor. ¡Qué gran canción! “I’ve Got To Rock (To Stay Alive)” va a ser el segundo single y creo que es el mejor tema del disco. Muy del estilo Saxon clásico. “If I Was You” es el primer single, pero la versión que aparece en disco no es la que salió como single con el logo nuevo y todo eso, me gusta más esta, es menos ‘industrial’ y más heavy. “Going Nowhere Fast” no la tocan en directo. Podría entrar perfectamente en el “Unleash The Beast”. “Ashes To Ashes” comienza con batería y tiene el mejor riff de guitarra del disco, muy buena. “Empire Rising” es una intro que da paso a “Atila The Hun”, la más larga y complicada, con varias partes y mucha caña. La batería se sale.

(Se termina el disco y me pongo el DVD):

Está sin subtitular (¡joer, qué manía…!) Hay imágenes de una actuación en directo con temas muy interesantes como “To Hell And Back Again”, “See The Light Shining”, “Redline”, “Stand Up And Be Counted”, “Frozen Rainbow” y “Never Surrender”. Hacía años que no les veía tocar todo esto en directo, así es que ha sido una sorpresa. Entre medias hay entrevistas con gente del grupo sobre la pasada gira de reunión con Nigel Glockler “A Night With The Boys” y sobre algunos otros temas como el incendio que arrasó la casa de Biff. Bueno, es un buen ‘regalo’ por la compra del disco. Interesante.

Conclusión: Es un gran disco. Me gusta más que “Lionheart”, que “Killing Ground”, que “Metalhead”… ¿”Unleash The Beast”? no sé, por ahí anda la cosa. Me gusta más que algunos discos anteriores (no voy a poner la lista entera, que son muchos), es decir, estoy llegando a la conclusión de que es uno de sus mejores discos. Bueno, puede ser. Sí. Definitivamente creo que es uno de sus mejores discos.

Me lo bajo al coche a seguir machacándolo. A este sí que le voy a sacar el jugo del los 20 euros.

SAXON “Into The Labyrinth” (2009)

Que Saxon están en una gran forma es algo que se evidencia en la actividad en directo. Los últimos tiempos están siendo de lo más prolíficos, y además no parece que se les seque la imaginación a la hora de crear, con lo que están pariendo discos de gran calidad a todos los niveles. Este es el decimoctavo disco en estudio ya, sin contar recopilaciones, re-grabaciones ni cosas raras. Se puede decir entonces que están terminando su carrera ofreciendo lo mejor de sí mismos que a estas alturas pueden ofrecer.

Buenos temas y mucha energía, eso es lo que hay en “Into The Labyrinth”, básicamente lo mismo que había en los discos anteriores. Con un Biff Byford que sigue aprovechando al máximo el torrente de voz que todavía le queda, unas guitarras que siguen siendo las que fueron (a pesar de Doug Scarratt) y una base rítmica no sólo contundente y eficaz, también espectacular. O sea, Saxon, no creo que haya que explicar mucho más.

La presentación repite los esquemas que vienen usando desde “Killing Ground”, es decir, digipack con funda de cartón y doble contenido, en este caso CD + DVD, con un libreto en el que se incluyen las letras, créditos y algunas fotos que hacen más atractivo el producto y más justo su precio.

Los temas siguen la línea del anterior “The Inner Sanctum”, una mezcla entre la caña borrica de “Metalhead” y la controlada de “Killing Ground”. “Batallions Of Steel” es el inicio perfecto para sus directos; “Live To Rock” (single) suena más ochentera; “Demons Sweeny Todd” va claramente para el directo; “The Letter” es una intro lenta ideal para la caña de “Valley Of The Kings”, una de las perlas del disco; “Slow Lane Blues” es un medio tiempo para el lucimiento de la voz; “Crime Of Passion” es de las más duras del disco; “Premonition In D Minor” es la intro de “Voice” otra de las destacadas, un medio tiempo muy intenso que podría convertirse en clásico del grupo; La heavy “Protect Yourselves” es un patrón típico del grupo; “Hellcat” tiene el ritmo más potente de todas; “Come Rock Of Ages” suena a Saxon 100% y la que cierra el disco, “Coming Home (bottleneck version)” es una especie de remake acústico con bottleneck del mismo tema publicado en el LP “Killing Ground” en 2001.

El DVD contiene la película “Perceval”, protagonizada por Biff Byford, grabada en España (Huesca) y que fue dirigida por Pablo Aragüés Millán sobre algunos pasajes de la vida del Rey Arturo. A los amantes del cine decirles que no es nada del otro mundo, más bien mediocre, pero resulta curioso ver actuar a Biff y el entorno en el que se desenvuelve la acción. Interesante para completistas. Además de esto, también se incluye un interesante reportaje sobre el trabajo de los técnicos e ingenieros de luces del grupo para el W.O.A. titulado “Let there be light” y una pequeña entrevista con Biff.

En conclusión, un nuevo trabajo de Saxon en la línea de lo que nos tienen acostumbrados últimamente. Buen disco con buenos temas, gran sonido y extras interesantes.