Rh-Ru
| RHAPSODY Rain Of A Thousand Flames (2001) |
| RIP KC Obvious and Bleeding (2005) |
| RISE TO FALL Restore The Balance (2010) |
| RIVENDEL LORDS Senda del Destino (2003) |
| ROB ZOMBIE The Sinister Urge (2001) |
| ROBERT BERRY The Dividing Line (2008) |
| ROBERT PLANT Sixty six to Timbuktu (2003) |
| ROBERT PLANT & THE STRANGE SENSATION Mighty Rearranger (2005) |
| ROBERT R. RODRIGO Half Finger On The Moon |
| ROLLING STONES A Bigger Bang (2005) |
| ROSA MÍSTICA Arrastrando la cruz (2008) |
| ROSENDO Veo, Veo... Mamoneo!! (2002) |
| ROSENDO El endémico embustero y el incauto pertinaz (2007) |
| ROZENHILL King Without Domain (2009) |
| RUNNING WILD Live (2002) |
| RUNNING WILD 20 Years in History (2003) |
| RUSH Vapor Trails (2002) |
| RUSH Feedback (2004) |
| RUSH Snakes & Arrows (2007) |
RHAPSODY “Rain Of A Thousand Flames” (2001)
Tras leer los cuentos legendarios, escuchar la sinfonía de las tierras encantadas y contemplar el amanecer de la victoria, se nos viene encima una lluvia de mil llamas. Rain of A Thousand Flames es la ultima aventura que nos relatan Rhapsody antes de la salida de su cuarto disco, “The Power of The Dragon Flame”. Se podría decir que “Rain of...” es un single a lo grande: “un regalo de 7 canciones a nuestros fans”, según palabras de Luca Turilli. De primeras, que nadie espere cambio alguno en lo que es el espíritu de Rhapsody. Con este disco la épica y la grandiosidad sonora llegan hasta el infinito. Los coros son más altisonantes que nunca y el sinfonismo y la riqueza instrumental alcanzan las cotas más altas en la historia de los italianos. Interesante que utilicen el italiano para algunos coros o tramos de alguna canción. Tras sonidos cercanos y bien conseguidos es, en este disco, donde Rhapsody graba con letras de oro un género, o su género, que también podría ser el HOLLYWOOD METAL.
La historia comienza con la típica canción cañera, la que da nombre al disco, junto con “Holy Thunderforce”, lo más trallero que han hecho nunca. Le sigue a la ira inicial una tranquila instrumental de piano, “Deadly Omen”, con toques orquestales muy acertados. Personalmente me recuerda a la melodía que salía en la película “The Haunting” (La guarida). A continuación, la primera de las dos sinfonías del disco, “Queen of The Dark Horizonts”. Esta canción contiene cortes de la banda sonora de “Phenomena”, una película del director italiano Dario Argento, interpretados por Rhapsody a su manera, por supuesto. La canción es tremenda. Un comienzo orquestal, con unos coros estremecedores y una voz femenina preceden a estribillos que enaltecen el alma y te ponen la piel de gallina, duelos malstemnianos Turilli/Staropoli y un final plenamente cinematográfico.
Hasta aquí, la primera parte del disco. La segunda, titulada “Rhymes of a Tragic Poem-The Gotic Saga”, comienza con “Tears of a Dying Angel”, un tema puramente teatral con muchas partes habladas y cargado de dramatismo. Puede hacerse un pelín tedioso, según mi opinión. “Elnor´s Magic Valley”, la siguiente, es un tema instrumental con notorios aires celtas. Bonita melodía la de ese incesante violín, con la pandereta de fondo. Tras habernos relajado, tenemos “The Poem´s Evil Page”,corte con un inicio muy similar a “The Bloody rage of The Titans” de su anterior disco. Muy pegadizo el estribillo y una guitarra de Luca Turilli genial. A destacar el tramo cantado en plan balada por Fabio Lione, con la voz doblada. La canción termina con un dueto de flauta y clavicordio plenamente medieval (como no podía ser de otra forma).
La aventura toca a su fin con “The Wizard´s Last Rhymes” una adaptación de los genios Turilli /Staropoli de la Sinfonía del Nuevo mundo, compuesta por el famoso compositor checo Antonin Dvorak. Plagada de incesantes cambios de ritmo, coros bombásticos made in Rhapsody que quedan como dios con la melodía famosa de fondo y unos teclados y violines increíbles. Sin olvidar la guitarra de Luca Turilli y la voz de Lione. La canción acaba con una pieza orquestal, con la melodía de “Rain of A Thousand Flames”, absolutamente acojonante y enteramente cinematográfica.
Como últimos apuntes, mencionar la producción de Paeth y Miro. Han logrado el mejor sonido que jamás ha tenido Rhapsody. Y la portada, obra de Mark Klinnert, es verdaderamente impresionante.
Siendo consciente de las incapacidades en directo del grupo, sólo decir que obras como esta engrandecen el Metal. Le dan, o deberían darle, prestigio y aplasta algunos tópicos eternos referentes a esta música. Al menos es lo que a mi entender han dado Rhapsody al mundo del Heavy Metal. Prestigio, elegancia, virtuosismo y melodías y sonidos magnos, enormes, grandilocuentes y demás adjetivos calificatorios. A la gente que los coros grandiosos, la ampulosidad sonora, la gran riqueza instrumental y las influencias clásicas, no le digan nada, que miren a otro sitio, es fácil. A los seguidores de este estilo en general, y de Rhapsody en particular, sigamos disfrutando y alcemos la voz en coro, gritando, ahora y siempre:
GLORIA PERPETUA!!!!!!
José Alberto (Thunder)
RIP
KC “Obvious and Bleeding” (2005)
Si tuviera puesto un sombrero me lo quitaría en señal de respeto y admiración por el último trabajo de estos madrileños. Respeto porque es un disco brillante, que derrama calidad y saber hacer a espuertas, y admiración porque es agradable ver que hay gente con la capacidad y las ganas suficientes de tirar por el lado difícil, de no tener miedo a complicarse la vida haciendo lo que te gusta sabiendo de antemano que vas a tener una merma en la repercusión comercial. Hacer lo quieres en un mundo como el del mercado (¿he dicho mercado?) español sólo está alcance de los valientes y desde luego Rip Kc demuestran con este conjunto de coplas que lo son.
Ya nos sorprendieron con su anterior disco cargado de poderoso ¿Grunge revestido de Stoner? (que poco me gustan las etiquetas pero creo que así me vais a entender mejor), pero ahora, como si de una de aquellas pizarras telesketch que se borraban con sólo agitarlas, han limpiado todos sus anteriores dibujos y han empezado de nuevo a diseñar un nuevo cuadro con muchos más detalles y mejores trazos, dando un salto de muchos peldaños tanto en sonido como en composición y ejecución. Tremendos desarrollos progresivos con muchas pinceladas incluso de jazz y unas guitarras limpias que son capaces de recordar a veces tanto a gente como Triana (“Marble Walls”) o Camel por un lado o a Cream o The Doors e incluso hay dejes de Sabbath, siempre un recuerdo lejano pero que sirve para hacernos una idea más o menos acertada de lo que hay dentro del disco.
De todos modos y sea como sea, “Obvious and Bleeding” es un disco raro, sinuoso y complicado, a veces un poco espeso, sobre todo a partir de la mitad del disco en adelante, que no entra a la primera ni a la segunda, un disco que te llevará a un viaje donde lo importante no es el destino sino el viaje en sí mismo. Desde luego muy lejanos quedan ya los tiempos de Nirvana y esto es totalmente otra historia (aunque algún que otro ramalazo todavía puede encontrarse), un giro de ciento ochenta grados para mejor, mucho mejor. Toda una sorpresa y una delicia que servidor recomienda sin ningún género de duda.
Pedro Salinas “Pears”
RISE TO FALL “Restore The Balance” (2010)
En décadas pasadas era algo fuera de lo normal que grupos de Metal de nuestro país editaran sus discos en Sellos extranjeros. Los tiempos cambian y, quizá debido a la globalización y a las nuevas tecnologías (Internet), cada vez es más habitual que nos encontremos con lanzamientos de grupos españoles en Discográficas de fuera de nuestras fronteras. Así ha sucedido con el primer álbum de los vizcaínos (de Bilbao y Sopelana) Rise To Fall, cuyo debut discográfico fue editado internacionalmente por los italianos de Coroner Records.
Hugo Markaida (guitarra principal) y Javier Martín (guitarra rítmica), dejando la banda de Thrash / Death Metal Quizical, a mediados de 2006 daban nacimiento a Rise To Fall. Uniéndoseles después el bajista Iñigo López, el batería Renato Torre, y por último Alain “Dalay Tarda” Gutiérrez (Bioterror, Zuidar) ocupaba el puesto de vocalista en septiembre de 2006. Grabándose en ese mismo año una demo de tres temas: “Infected Wounds”, “Chasing Infinity” y “Unknown Presence”. Luego vueltos a grabar para su larga duración.
En septiembre de 2007 se marchaba Renato (Beforce), sentándose tras los tambores Xabier Del Val “Txamo”. Comenzando años después Rise To Fall a conseguir en diversos concursos musicales el primer puesto: XXI Villa de Bilbao (2009), IX Leioa Pop-Rock (2009), I Usansolo y Algorta; finalista del Wacken Open Air Metal Battle Spain (2009), etc.
“Restore The Balance” fue grabado en abril de 2008 en The Rockstudios de Bilbao, bajo los controles del músico y productor Carlos Creator. Siendo el danés Jacob Hansen, en sus Hansen Studios, quien masterizaba los once cortes del álbum.
En
un primer momento este debut discográfico del quinteto vizcaíno era
auto-editado en 2008. Pero a los pocos meses se contactaba con el músico y
productor Ettore Rigotti (Disarmonia Mundi), responsable de
Coroner Records,
y él mismo realizaba una post-producción del disco en Metal House (Italia),
añadiéndosele nuevos arreglos en voces, teclas, sintetizadores y solos de
guitarra. Cambiándose el orden de los temas, e incluso acompañando al disco
una nueva portada por obra de Josu Torrealday.
Quien no sepa nada del grupo y escuche cualquier tema de “Restore The Balance”, seguro que puede llegar a pensar perfectamente que es una banda venida de fuera de nuestro territorio, con un gran sonido, e influencias directas y marcadas del Death Metal Melódico escandinavo de grupos como In Flames, Dark Tranquillity, Scar Symmetry, Soilwork… e incluso de los italianos Disarmonia Mundi. Pero uniendo las melodías guitarreras y voces guturales de las frías latitudes del norte de Europa con las voces claras y melodiosas que pusieron de moda bandas norteamericanas. Etiquetándose esa mezcla como “Death Metal Melódico Moderno” o “Post-Death Metal Melódico”.
Las canciones desprenden muchísima potencia y visceralidad, pero los toques de sintetizadores, teclas… y sobre todo las melodías vocales las hacen mucho más asequibles y comerciales. Aunque cuando surgen esas voces claras y dulcificadas, la gran mayoría de veces son acompañadas por lo bajo por los rabiosos guturales, consiguiendo de esa manera que sean un poco más de mi gusto frente al rechazo que me suelen producir cuando otro tipo de grupos del mismo estilo meten sólo las voces limpias.
Un buen cóctel del más tradicional y furibundo Death Metal Melódico combinado con el más actual y moderno (con arreglos de sintetizadores, teclas y voces pulcras), escuchamos en la inicial, y de veloz ritmo, “Redrum”, “Prophet Of Doom” (donde resalta el contraste de voces), “Infected Wounds”, “My Sombre Prospect” y la final “Chasing Infinity”, con una batería rapidísima y arrolladora.
Temas con un contenido aún con más carga pegadiza y comercial, debido a la inclusión y uso más acentuado de las voces y estribillos melodiosos, sin olvidar ni dejar de lado la furia e intensidad, encontramos en la trepidante “Unknown Presence”, “Inner Scream” (editando de ésta un videoclip en el presente 2011), la de toque futurista y progresivo “Rise From Drama” (interviniendo el vocalista Aimar Antxia de NoDrama, alternándose al cantar con Alain), y “Forbidden Lullaby”, con un aplastante y contundente ritmo.
Los tranquilos segundos iniciales dan un poco de respiro en la corta instrumental “When The Instinct…”, que sirve para prepararnos y unirla a “…Kills The Reason”, otra composición donde se funde la furia y la melodiosa comercialidad.
El trabajo de las excelentes melodías guitarreras brilla en “Inner Scream”, “Rise From Drama”, “Prophet Of Doom”, “Infected Wounds” y “Chasing Infinity”.
Que desde hace años hay bandas de Death Metal Melódico a patadas (al igual que en otros estilos dentro del Metal) es algo más que sabido, pero estos cinco jóvenes han conseguido un gran disco con destacadas composiciones de talla y sonido internacional, aunque servidor siga prefiriendo el más clásico Death Metal Melódico.
Rise To Fall llegó a tocar en el festival Bilbao BBK Live de julio de 2010, sufriendo después en sus filas la baja del bajista Iñigo López en octubre de 2010, dejando su puesto para Asis Rodríguez, quien había sido compañero del batería Xabier Del Val “Txamo” en la banda Bulletnoise.
A finales de enero de 2011, se trasladaban a Japón, cuyo disco ha sido editado allí por Howling Bull con dos temas extras (un remix de “Rise From Drama”, y “Rise To Fall Live Medley”), y descargaban su Death Metal Melódico ante las audiencias de Nagoya, Osaka y Tokio, acompañados por los italianos Destrage, y los japoneses Blood Stain Child y Death I Am.
RIVENDEL LORDS “Senda del Destino” (2003)
Para aquellos que no hayáis oído hablar de ellos, deciros que éste es el segundo CD editado por el grupo asturiano Rivendel Lords, formado por José García (Voz), Andrés M. Fuego (Guitarra), Juan García (Guitarra), Joaquín Suárez (Bajo) e Iñigo Villar (batería). Para este disco han contado con varias colaboraciones, ya que Pablo García (Warcry) y Dani Sevillano (Darna) incluyen algunos solos de guitarra, Elena Pinto (Nörthwind) mete piano y teclados, y Ruth (Darna) y Víctor García (Warcry) meten sus voces también haciendo coros.
Puede haber determinadas personas al que un nombre poco original y una portada de temática demasiado manida les pueda llevar a hacerse una idea preconcebida de lo que un disco lleva dentro. Yo no me encuentro en ese grupo de personas, y a pesar de que tanto el nombre “Rivendel Lords” como el dibujo de la portada puedan hacer pensar que estamos ante un disco más de power metal clónico de tantos otros, me esforcé de abstraerme de esos prejuicios y escuchar con atención lo que iba a salir por los altavoces al pulsar el Play.
Desgraciadamente, el interior del CD confirma los indicios que su envoltura externa indica. Los primeros temas van cayendo uno detrás de otro sin provocar el más mínimo interés, composiciones que no logran salir del círculo vicioso de tantos grupos clones de sí mismos. La permanente sensación es de haber escuchado ya esto, canciones de relleno en cualquier disco de cualquier grupo Power que hay detrás de cualquier esquina. La temática de las letras no ayuda, llena de expresiones típicas y tópicas oídas mil veces (...vendió mi alma a Lucifer, Princesa de las Tinieblas, reina de la oscuridad....)
Las canciones van cayendo (“Bruja deidad”, “Epidemia”, “Gloria infernal”...) y en el cuarto tema despierto del sopor, ya que este “Placer, Lujuria y Edén” eleva el nivel del disco, quizás por apartarse del cotocloc, cotocloc monótono que estaba sufriendo hasta el momento, o quizás porque la canción es... simplemente mejor que las demás, con una melodía vocal mucho más conseguida. Desgraciadamente, los siguientes temas me devuelven al aburrimiento, hasta que hacia el final del disco la cosa vuelve a mejorar, con un “Almas Gemelas” que comienza como balada y que sigue a buen nivel, la instrumental “Senda del Destino” en el que el piano de Elena Pinto da un toque de calidad (falta hacía), y el tema que cierra el disco, “Mordor”, mucho más trabajado, combinando con acierto la voz femenina de Ruth en ciertas partes de la canción, y que consigue cerrar el disco de mejor forma de como lo empezó.
Es posible que Rivendel Lords mejoren en un futuro, hay indicios en este disco de que podrían hacerlo. Para ello deberían desarrollar su propia personalidad y dejar a un lado las corrientes de moda, que en el heavy metal también las hay. Ojalá sea así.
ROB
ZOMBIE
“The
Sinister Urge” (2001)
Tres años nos ha hecho esperar Rob Zombie para
escuchar su segundo larga duración en estudio (remezclas del primer álbum
aparte, véase “American made music to strip by”).
Este curioso y polifacético personaje, defensor a ultranza del rock
entendido como espectáculo y provocación (más visual que otra cosa en su
caso), se ha rodeado de un buen puñado de amigos para grabar “The sinister urge”. La lista de
colaboraciones es extensa y, entre otros, tenemos a músicos como Ozzy Osbourne,
Kerry King, Josh Freese, Tommy Lee o el compañero de fatigas de Rob en su banda
original, John Tempesta. Los Chop Shop de Hollywood han sido el marco en el que
se ha fraguado el disco. Scott Humphrey, quien repite después de “Hellbilly
deluxe”, comparte en esta ocasión los honores de producción con el propio Rob Zombie.
Quizá se haga complicado
rememorar los tiempos en los que “Thunder kiss '65” irrumpía en el mercado norteamericano de
1991 con tal fuerza que colocaba a “La sexorcisto” en un puesto de
privilegio para una banda hasta entonces desconocida. A pesar de ello, el líder
de White Zombie sigue vivito y coleando, con un show casi circense que alucina a
quienes lo presencian. Aunque no menos cierto es que “Hellbilly deluxe” estaba muy por debajo de las expectativas que habían en torno a Rob tras haber
roto White Zombie con todo un clásico de los noventa como “Astro creep 2000”. En
comparación con los “Dragula”, “Living dead girl” o “Meet the creep”, “The sinister urge” es sin duda un paso gigante en
la carrera en solitario del frontman. Ofrece material más variopinto y apunta
alto con respecto a su obra prima, recortando el trecho que le separa de
himnos como “Electric head Pt. 2” o “More human than human”.
“Dead girl superstar” proyecta a las mil maravillas el sonido que tendrían White Zombie en la actualidad y posee el gancho que se echaba en falta en los hits de “Hellbilly deluxe”. La sección rítmica es sencillamente demoledora, con un compás machacón acelerado que debe mucho a la aplastante guitarra de Kerry King. “California (Go to)” roza el pop. Gran parte de la “culpa” puede atribuirse a la delicada voz femenina que secunda las estrofas de Rob y a los arreglos de trompeta añadidos. “Feel so numb” es otra de las que destaca con mucho: pegadiza, rica en matices y estilos (suena a una mezcla de rock´n´roll, dance, metal y no sé que más con la rúbrica inconfundible de Zombie) y todo un sencillo con visos de romper. En medio de este maremágnum de variedad, aparece “Demon speeding”, una especie de revival thrash de los últimos ochenta crudo y directo (basta con escuchar el riff y el solo correspondientes para verificarlo) con interludio central que se debate entre Slayer y Metallica en sus años mozos. “Scum of the earth”, como contraste, añade el punto “industrial-discotequero”, sencillo de digerir y que dará que hablar en vivo por el grito de guerra que tiene por estribillo.
El dueto con Ozzy lleva por nombre “Iron head”. Alternando sus voces (ambas basadas en un toque personal más que en dotes técnicas) logran hacer un tema de cara a la galería correcto. Se nota poca complementariedad y personalmente encuentro al maestro Osbourne, si no anacrónico, sí desaventajado para esta pieza alejada de su heavy rock natural. De banda sonora es “Bring her down (to Crippletown)”, donde el apoyo de orquesta lo es prácticamente todo y hace de éste un corte grandioso. Como cierre, “House of 1000 corpses” invade la parte final de cierta atmósfera peliculera de terror (no es casualidad que el film en el que está inmerso Rob Zombie se titule así. El ambiente tétrico que despide la canción está bien trabajado, aunque de entrada lo asociaría al Manson de “Mechanical animals”.
La mejor lectura que se extrae
de “The sinister
urge” es que Rob Zombie ha vuelto a poner el grito en cielo para reclamar
el status ganado durante el primer lustro de los noventa con un trabajo que bien
vale la pena echarse al oído (ya ha llegado a disco de oro en EE.UU.). ¿La
peor? Que mucho me temo que si no es contratando un viaje a los States, será
imposible disfrutar de la gira que como cabeza de cartel va a realizar haciéndose
acompañar de los punkies The Damned.
J. A. Puerta
ROBERT BERRY “The Dividing Line” (2008)
Es un perfecto desconocido para el gran público pero, sin embargo, Robert Berry goza de gran prestigio en el elitista círculo del Rock Progresivo y el Rock Melódico. Compositor, multi-instrumentista, productor… su carrera está jalonada de pasos llenos de calidad. Su aportación más aclamada al mundo del Rock fue el proyecto “3”, en el cual fue llamado en 1988 por Keith Emerson y Carl Palmer para ocupar el puesto de Greg Lake en esta nueva aventura, que puso en circulación un soberbio “The Power Of Three”, disco de culto entre los amantes del Rock Progresivo en general, y EL&P en particular. También ha participado en otros discos de menor calado, aunque de gran calidad, como “Hundred Year Flood” (Magellan), “Mercy” (Altura) y la banda sonora de la película "The Wheel Of Time", escrita, producida y grabada totalmente por él. También ha participado en otros grupos como GTR, Hush o Alliance, además de trabajar como músico de sesión, productor y arreglista. Robert Berry también tiene su propia carrera en solitario, con 4 discos entre los cuales destaca “Pilgrimage To A Point”, en donde participan Steve Howe, Keith Emerson y Carl Palmer.
“The Dividing Line” es su último trabajo en solitario. Una delicia de disco, con la calidad que le supone a un músico de su talento y experiencia. En él, Robert Berry se encarga de todos los instrumentos, además de componerlo y producirlo, teniendo únicamente la colaboración en un tema de Gary Pihl (ex- Boston) y David Lauser (ex- Sammy Hagar), compañeros suyos en Alliance.
El disco rebosa AOR elegante, bien hecho, con pinceladas de Rock Progresivo. Con influencias de grupos como EL&P (como era de esperar), Toto, Rush o incluso los Survivor más maduros, este disco demuestra que el nombre de Robert Berry ha de ser tomado muy en cuenta entre los grandes de su género. Esta mezcla, descompensada a favor del AOR, se torna al contrario en el último tema, “Life Is On Fire”, el más progresivo del disco.
El resto del disco destila Rock melódico exquisito y refinado, con grandes temas como la propia “The Dividing Line”, “Listen To The People”, “I Gave You The Best Of Me” o “Young Hearts”, en las que Robert Berry demuestra todo su talento tanto como compositor como intérprete, incluyendo en esta acepción la más que aceptable voz y entonación con la que enfoca cada tema. Su pericia instrumental le hace destacar tanto por la guitarra y el bajo como por los teclados, muy presentes en todo el disco.
También hay lugar para un par de baladas, “Faith” y “Wait”, con gran derroche de feeling y en las que combina la sencillez de estos temas más lentos con los toques instrumentales precisos para no hacer, en ningún caso, canciones faltas de chicha.
No hay muchos discos en el mercado actual que ahonden en este estilo. Y los que hay siempre pasan prácticamente desapercibidos. Sería una pena que “The Dividing Line” pasara a engrosar esa lista, ya que Robert Berry demuestra en él su gran talento. Si te gusta el estilo, no lo dejes pasar.
Web ROBERT BERRY - MySpace ROBERT BERRY
ROBERT
PLANT “Sixty six to
Timbuktu” (2003)
Podríamos
poner varios ejemplos de cantantes que tuvieron tanto éxito o más con su
carrera en solitario que con su banda de origen; Ozzy, Dio o hasta el bueno de
David Lee Roth han alcanzado grandes cotas de popularidad al salir del nido.
Sin embargo otros, como Gillan o este Robert Plant que nos ocupa, no han pasado
del aprobado discreto. Pero ojo, que hablo de éxito, de números, no de la
calidad de su trabajo. En el caso de Robert Plant supongo que tuvo claro desde
el principio que Led Zeppelin fue lo que fue y que aquello no iba a volver a
repetirse. Lo interesante, y esto es lo importante, es que Robert Plant, pasito
a pasito, fue editando discos, unos con mas acierto que otros, hasta hacerse
con una carrera en solitario consolidada y muy aprovechable, al contrario que
Page que, picando de flor en flor, al final no ha sabido con que carta
quedarse.
Desde
el “Pictures Of Eleven” de
comienzos de los 80 hasta el “Dremland” de hace dos tardes, ha pasado mucho
tiempo y no ha sido mala la idea de hacer esta recopilación. En formato doble,
uno de grandes éxitos y otro de rarezas y caras b, y todo metido en un bonito
digipak (como me gustan) con presentación digna del evento. Como su nombre
indica aquí encontramos desde coplas de la prehistoria Zeppelina hasta lo último
que ha grabado el rubio cantante pero, a diferencia de otro recopilatorios, aquí
no notamos el típico efecto “frankestein” de ser un puzzle donde las
piezas encajan solo a presión.
El
trabajo de Plant en solitario es bastante mas intimista que el que hizo con
Zeppelin. Y no es que falten los buenos guitarrazos de Hard Rock o que no se
marque algún que otro tema bien rockero pero es que también hay muchos
pasajes mas cercanos al Pop, perdiendo a veces la épica o la agresividad que
tenía Led Zeppelin pero ganando en tranquilidad y dulzura por decirlo de
alguna manera. Lo que no cambia es la formidable voz y las buenas maneras a la
hora de usarla de este prodigio de la naturaleza.
En el primer compacto, como ya he dicho, hay un repaso, muy bien logrado, de lo que ha sido su carrera. Hay canciones para todos los gustos y de todos los discos. Canciones rockeras y potentes como “Tie Dye On The Highway” (Manic Eden –1990) o “Heaven Knows” (Now & Zen – 1988), baladas impresionantes como “Darkness, Darkness” (Dreamland – 2002), alguna copla de aquella maravilla que fue el proyecto Honeydrippers (“Sea Of Love”) e incluso una canción inédita como es el caso de “Upside Down”.
Mención
especial para Phil Johnstone ya que si en Led Zeppelin Plant se apoyaba en las
composiciones de Page (que aquí hace algunas colaboraciones) durante su etapa
en solitario lo ha hecho principalmente en el talento del teclista con magníficos
resultados.
En
el segundo disco hay desde rarezas, como un single del año 66, donde un Plant
barbilampiño ya daba muestras de su poderío, hasta versiones de temas como un
antediluviano “Hey Joe” del 67 o un “For What It´s Worth” (que dicho
sea de paso me quedo de largo con la original) hasta algunas otras que se
usaron para bandas sonoras de películas como “Louie, Louie” para la
infumable “Wayne´s World” o “Philadelphia Baby para la todavía mas
infumable, si cabe, “Porky´s Revenge”. ¿En qué coño estaría pensando
este señor?.
Un
disco interesante tanto por el documento histórico que representa como por la
incuestionable calidad que atesora. De todas maneras si me tengo que quedar con
algo es con el bailón “Let the
Boogie Woogie Roll” que queda cojonudo en la voz de Robert Plant.
Así que, tanto si no conoces el trabajo de este hombre como si tienes gastados los viejos vinilos este disco no te defraudara lo mas mínimo. Simplemente el resumen de uno de los grandes, grandes... un galáctico que dirían algunos aunque hace tiempo que dejó de ser un producto mediático.
Pedro Salinas “Pears”
ROBERT
PLANT & THE STRANGE SENSATION “Mighty rearranger” (2005)
Los
nostálgicos del auténtico sonido Zeppelin están de enhorabuena: Robert Plant
ha vuelto, y trae consigo un montón de canciones en las que deja claro que si
Bonzo levantara la cabeza y se apartaran los malos rollos que impiden lo que
estás pensando, sonarían como lo hace este “Mighty rearranger”. Bueno, o
no... pero se podría decir que la actualización de 2005 sería muy parecida a
esto.
Personalmente
me tiene enganchado desde la primera vez que lo escuché. Igual de místico y
de raro que antaño, pasa del relax a la explosión en un momento, se retuerce
entre alaridos con una reverb infinita y llena el aire de riffs guitarreros al
más puro estilo Page. Eso por no hablar de los ritmos de batería, de las
paranoias sónicas del Moog o los teclados llenos de filtros. Vamos, que es fácilmente
identificable.
Todo
esto está muy bien para los nostálgicos, vale, pero lo que cuentan son las
canciones, y ese es realmente su punto fuerte. Hay de todo, desde la
tranquilidad de “All the king horses” al misticismo de “Another tribe”,
del salvajismo de “Shine it all around” al aire blues de “The
enchanter” o los ritmos tribales de “Somebody knocking”. Todo un
muestrario de sonidos que recuerdan a todas las épocas de Led Zeppelin, con
guiños constantes en las guitarras (por ejemplo “Dancing in Heaven” y los
sonidos presentes a lo largo del “In through the out door”), en las baterías
(más guiños al “Rock’n’roll” o “When the levee breaks” por
ejemplo)... en fin, que en cada compás se pueden descubrir detalles
actualizados para la ocasión que sería largo de enumerar.
Sin
embargo es de cosecha propia, adaptado a la voz -cada vez menos voz- de Plant,
y con la contribución de unos músicos que, sin hacer permanentes
demostraciones de malabarismo instrumental, cumplen con creces su misión. Los
tales Strange Sensation son John Baggott, teclista que también se lo hace con
Portishead y Massive Attack; Justin Adams, un guitarrista que procede del mundo
punk pero que gusta de los sonidos arábigos, indios y africanos que tanto le
ponen a su jefe; Billy Fuller, bajista desconocido que se gana la vida
vendiendo discos en su tienda; Skin Tyson, otro multiinstrumentista conocido en
su casa a la hora de comer, y Clive Dreamer, un clon de John Bonham.
Si
a lo largo del disco los efectos psicotrópicos de la música no han conseguido
llevarte mentalmente a los años del flower-power, espérate a escuchar el
final con “Brother Ray”, paranoia dedicada a Ray Charles que termina un
disco que obliga a escuchar de nuevo, aunque solo sea por confirmar que lo que
has escuchado es de 2005 y no de 30 años atrás.
Para
un servidor, de lo mejor del año.
ROBERT R. RODRIGO “Half Finger On The Moon” (2007)
Magnífico disco instrumental de guitarra el que se ha marcado Robert R. Rodrigo, guitarrista de Airless y alumno aventajado de los grandes maestros que todos tenéis en mente. Afortunadamente estamos viviendo un gran momento en cuanto a instrumentistas en nuestro país, gente como José Luis Arrazola, José de Castro, Porty o el propio Robert Rodrigo están elevando el nivel medio de nuestros guitarristas hasta colocarlos varios peldaños por encima de lo que estaban hace escaso tiempo. Son músicos con mucho talento que además de tocar, “suenan” y lo hacen con su propia personalidad, en muchos casos forjada tras empaparse sin complejos en la técnica y estilo de grandes de las seis cuerdas.
Por muy profano que se sea en esto de tocar la guitarra, cualquier oído medianamente entrenado podrá identificar sin problemas al escuchar este disco, elementos (alguien lo llamará “influencias”) de guitarristas como Joe Satriani, Paul Gilbert, Michael Lee Firkins, Andy Timmons o John Petrucci, y esas son credenciales más que suficientes para asegurar que estamos ante un trabajo de alta calidad. A esto hay que añadir que el sonido que le saca a su Ibanez (es endoser de la marca) es simple y llanamente espectacular, impecablemente ejecutado, con enorme precisión y muy directo en el resultado final, con bajo, batería y teclas ocasionales para acompañar.
“Half Finger On The Moon” es un disco, como decía, prácticamente instrumental a excepción del tema 10, cantado por Rob Salazar, que está hecho para disfrutar seas o no músico y entiendas lo que está haciendo puesto que no se basa exclusivamente en recorrer escalas arriba y abajo, sino que las composiciones son temas con entidad propia perfectamente rematados. Además siempre quedará como opción la descarga gratuita a través de su web: www.robertrodrigo.com para que corrobores esto que acabo de decir.
Además de tocar la guitarra en los discos de Airless “Airless” (2002), “2nd Round” (2005) y “Directo” (2005), Robert ha publicado otro trabajo en solitario en 2001 titulado “Robert Rodrigo”, y en estos momentos está grabando el tercer disco en estudio de Airless que llevará por título “Fight”, cuya salida se espera para este 2008 según la web oficial www.airless.es.
Uno de los mejores discos de guitarra que he escuchado en los últimos tiempos. Realmente brillante.
THE ROLLING STONES “A Bigger Bang” (2005)
Sí, cuando ya digo que son la banda más grande el puto planeta todavía os sonreís pensando que exagero. Y no digo yo que sean la banda más grande sólo porque lleven cuarentaitantos años dando el callo, o porque muchas, muchas de sus coplas sean ya piezas inmortales patrimonio de esta humanidad que nos rodea, ni tampoco porque sean un ejemplo de actitud y honestidad. No, lo digo porque son como el aire que respiras, la encarnación del Rock & Roll hecha carne y hueso (ya veremos si esto es verdad en el caso de Richards) y porque con la edad de mi padre, que musicalmente se quedó en el Dúo Dinámico, siguen derrochando clase y calidad como lo demuestra este magnífico “A Bigger Bang”. Que por cierto, el título, en traducción libre de Gibraltar, casi significa eso de “La banda más grande del planeta”, así que no iba yo muy desencaminado.
Ocho años han tardado (¿llegarán vivos a otros ocho?) pero ha merecido la pena. No voy a entrar en discusiones de las que no nos llevan a ninguna parte, de si éste es el mejor desde el “Tattoo You”, de si desde el “Exile” o de si ya están acabados o son los Rolling Tostones. Esas estúpidas discusiones para los sesudos gafapastas y los críticos con aspiraciones. Yo me limito a dejar el apunte de que te eches a la oreja el riff de la inicial “Rough Justice” y el poderío vocal de Jagger en esa misma canción, muestra perfecta de lo que es todo el resto del trabajo. Desde luego parecen, por las ganas y los huevos, una banda que empieza, que quiere comerse el mundo. Y es que esto es 100 % Stones; crudos e irreverentes (ahí está copla dedicada a Bush) a la par que sensuales (cómo me gusta “Street Of Love”) y elegantes. Quizá en los “peros” haya que ponerles el que se empeñen en meter dieciséis coplas cuando con diez o doce hubiera mejor. Claro que también puede que haya que esperar otros ocho años o, lo que es peor, que éste sea el último (toquemos mucha madera) y entonces es mejor estar bien aprovisionado.
Uno más y van... que añadir a una discografía llenas de joyas, una página más que añadir a la leyenda de los más grandes, de la jodida banda más grande del planeta y punto.
Pedro Salinas “Pears”
ROSA MÍSTICA “Arrastrando la cruz” (2008)
Argentina posee un gran elenco de bandas de Heavy Metal de las cuales muchas apenas son conocidas en España y menos en Europa. Te presentamos el segundo trabajo de esta formación, procedente de aquellas latitudes, fundada en 1991 por el bajista Juan Graci.
El grupo comienza a asentarse con la entrada del vocalista Fernando Herrera (en 1994), y el baterista Ariel Cichelo (en 1996). Entre los guitarristas que pasaron en los primeros años cabe destacar a Julián Barrett (luego en Lethal y actualmente en Lörihen). El guitarrista que finalmente se queda en la formación hasta el día de hoy es Diego Francisco Urbano. El mismo año en el que ingresa Diego se edita independientemente el primer disco, “Rosa Mística - Heavy Metal” (1998).
En el año 1999 Ariel deja su puesto de baterista, siendo reemplazado por otro. Al cabo de dos años el cuarteto sufre una crisis, resultando el abandono del guitarrista Diego, pero en el 2002 regresa junto a Fernando, Juan, y la vuelta de Ariel.
En el 2004 Ariel vuelve a dejar el grupo y tras los tambores se sienta Alan Fritzler (ahora en Watchmen). En 2006 el cantante Fernando abandona Rosa Mística. Y en 2007 el fundador, Juan Graci, opta por dejar el nombre de la banda en manos del seis cuerdas, Diego. Éste incorpora al baterista Nicolás Bereskyj (que ya había estado con el grupo en el 2005), a mediados de 2007 entra el vocalista Ignacio Meda, y finalmente el cuarteto se cerraba este 2008 con el bajista Marcelo Maccarone (Ave Fenix).
Este segundo disco tardó varios años en ver la luz, ya que fue empezado a grabar en Synchro Records en octubre de 2005 y se finalizaba en darle los últimos retoques en el 2007. Los músicos que grabaron fueron: Fernando Herrera (voz), Juan Graci (bajo), Diego Francisco Urbano (guitarra) y Nicolás Bereskyj (batería). Al final el autoeditado álbum se publicó el pasado junio de 2008.
Las ocho canciones que comprenden “Arrastrando la cruz” suenan a clásico Heavy Metal. Unas veces de ritmos cañeros y movidos y otras más pesados y marcados. Con los instrumentistas haciendo correctamente su papel, y un cantante que en las primeras escuchas me costó acostumbrarme a su voz, pero que sabe emplear diversos registros, tonos altos y falsetes.
El primer corte, “.com”, que si no me confundo trata sobre la alienación que puede padecer el ser humano con las nuevas tecnologías como Internet, es uno de los temas más destacados. Heavy Metal potente, con rápidas ráfagas que me recuerdan a nuestros clásicos Muro y donde la batería suena demasiado alta en detrimento de la guitarra. En el disco se incluye también el vídeo-clip de este tema.
Más Heavy Metal clásico encontramos en los siguientes cortes, “Mala sangre” (de tempo pausado) y “Sin destino” (alterna tempo pausado con otro más veloz), para llegar a “Hasta no hablar”, balada que pone un poco el punto tranquilo al trabajo, y donde los golpes de la batería me suenan un tanto apagados y tapados.
“Barro de caos” es para mi otra de las mejores composiciones, donde el ritmo base pausado y potente que se emplea te contagia la angustia y opresión acorde a la historia que narra la canción, encontrando en esta quinta pista influencias de Iron Maiden, tanto en los muy buenos cambios de ritmo como en las líneas vocales. También me suenan a los ingleses (especialmente al final) en la dinámica “Romper las cadenas”, una crítica a los dirigentes y la política de su país para intentar cambiarla.
El tema-título, “Arrastrando la cruz”, posee sonido que bebe de la era de Black Sabbath con Dio, incluso en la calmada parte instrumental final me recuerda bastante al comienzo de “Children Of The Sea”.
El disco concluye con “Encierro”, otra destacable canción, de comienzo tranquilo con las líneas del bajo de Juan Graci haciéndose notar (no siendo la primera vez), y en la que vuelvo a percibir influencias de Sabbath e incluso de los primeros Fates Warning.
En la segunda mitad de 2007, como ya he informado, el grupo inició una nueva etapa con tan sólo el guitarrista Diego y el baterista Nicolás, de los que grabaron este segundo disco, acompañándoles a la voz Ignacio Meda y el bajista Marcelo Maccarone, dando algunos conciertos ante la salida de “Arrastrando la cruz”. Luego hubo un nuevo cambio en la voz, Rocío Ceola (ex–Anima Encis, Raptor) sustituía a Ignacio, pero con ella tan sólo hicieron un concierto: el 11 de octubre de 2008 en Asbury Rock junto a Jezabel y Reiyel.
Según nos comunica su mánager Facundo Gómez (de Pure Evil) y el bajista Marcelo, la banda se encuentra buscando vocalista, para seguir trabajando en el que será su tercer disco, “El diablo más sabe por viejo”. Esperemos que pronto nos vuelvan a dar buenos temas de Heavy Metal clásico.
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ROSENDO
“Veo, Veo... Mamoneo!!” (2002)
Nuevo
álbum del bueno de Rosendo, con una banda que ya conocemos, pues parece que
ya tiene fijos en el plantel a Rafa J. Vegas al bajo (éste ya lleva mucho
tiempo al lado del maestro) y al batería Mariano Montero. Os seré sinceros,
prefiero a Rosendo con unos teclados de acompañamiento que en formación de
trío porque aunque el sonido haya ganado en fuerza también es cierto que ha
perdido esa parte de “acaramelamiento” que definen los teclados.
“Veo,
veo ... mamoneo!!” significa una continuidad a su anterior trabajo,
“Canciones para normales y mero dementes”, sobre todo en sonido; es un
disco corto (como la mayoría de discos de Rosendo) y directo, muy directo en
muchos de los temas del disco. Ahí están “Masculino Singular”, primer
single y en mi opinión uno de los mejores temas de Rosendo de toda su larga
carrera, pegadizo desde el principio hasta el fin, “Sufrido”, otro de los
temas que te entran a la primera, “Quincalla, o no!”, con unas líneas de
bajo que me encantan y tema que, por cierto, será el segundo single del
disco, o el propio tema que da nombre al disco, “Veo, veo ... mamoneo!”.
Hay otros temas llamémosles más experimentales, caso de “Para Nada”, con
un tratamiento a la guitarra más duro y machacón de lo que Rosendo nos tenía
acostumbrado, “Entre Dientes”, un tema que me encanta ya que entran los
instrumentos poco a poco, primero la batería, bajo y una guitarra
desconcertante que te llega a descolocar en varias fases de la canción, con
un estribillo muy a lo Rosendo, o “Ven y ve!”, donde Rosendo nos obsequia
con un estribillo machacón. La verdad es que me gustan este tipo de temas (su
anterior trabajo ya tenía varios en esta línea) y, por supuesto, otro de los
grandes temas del CD, “Que te acompañe la suerte”, tema que me recuerda a
“Díselo tú” del álbum “Para mal o para bien”, con un bajo muy bien
marcado dando paso a una guitarra distorsionada en el estribillo. Pero no todo
acaba ahí, Rosendo se atreve con dos piezas que no se si atreverme a llamar
baladas: “Para cuando desatino”, preciosa y con un magnífico Rosendo a
las voces (sí, sí habéis leído bien), y la canción que cierra el CD,
“Todo lo que sigue”, nos descubren a un Rosendo en una faceta poco
explorada por él y que no se le da nada mal.
Como
extra el CD trae un DVD con un documental de la grabación del CD, el video
clip de “Masculino singular”, dos canciones antes del acabado final
,“Que te acompañe la suerte” y “Entre dientes”, y unas cuantas fotos.
Muy
buen CD que demuestra que Rosendo sigue en la brecha.
Agustín
Galiana “Aguskill”
ROSENDO “El endémico embustero y el incauto pertinaz” (2007)
No es habitual comenzar el comentario de un disco hablando de la presentación, pero la ocasión lo merece. Y es que el “libro-disco”, como lo han llamado, que contiene el último disco de Rosendo es realmente espectacular, al menos la edición limitada que tengo entre mis manos. Tanto portada como contraportada, así como las páginas interiores que contienen las letras de cada canción y unas cuantas fotos, simulan ser un libro antiguo, con una textura en relieve y un diseño que le convierten en el disco más “bonito” que he tenido oportunidad contemplar. Desde luego, un diez para el artista y la Compañía (Dro) por el esfuerzo por ofrecer un producto de tanta calidad.
Musicalmente, “El endémico embustero y el incauto pertinaz” no se sale en demasía de la línea que Rosendo lleva marcada desde hace ya muchos años. Su personal estilo camina en círculos, con pocas variaciones de unos discos a otros. Quizás sea un error esperar otra cosa, a estas alturas. Su asentada base de seguidores le garantiza unas ventas más que aceptables y su capacidad para agradar a rockeros de todo tipo y pelaje sigue más o menos intacta. Personalmente, hace mucho que dejé de intentar entender sus (en la mayoría) intrincadas letras, y tampoco conecto demasiado con su forma de entender el rock, pero eso no quita para concederle el mérito que merece por su longeva trayectoria y la fidelidad a sus principios. En esta ocasión, el objetivo de sus textos es la llamada “clase política”, con un lenguaje que tiene como virtud explorar el castellano más allá del limitado vocabulario utilizado por la mayoría de bandas de rock, aunque como es habitual en Rosendo, muchas veces es difícil hallar una conexión lógica en algunos de sus textos.
Hace tiempo que Rosendo apostó por la continuidad de sus colaboradores, tanto sus compañeros de banda Rafael Vegas (bajo) y Mariano Montero (batería) como el productor Eugenio Muñoz, quienes forman un equipo que lleva más de 10 años dando estabilidad a la banda. Esto se traduce en una trayectoria homogénea que es muy valorada por la gran cantidad de seguidores que tiene el guitarrista de Carabanchel.
El disco, dentro de la línea habitual de Rosendo y sin salir de su estilo característico, es lo suficientemente variado para que no se haga monótono en absoluto, desde sus ya habituales guiños al Reggae (“Una duda razonable”) hasta un sorprendente “Horizontes”, compuesto sobre una letra de su hijo Rodrigo, con un inesperado estilo Hip-Hop y en el que colaboran Antonio Moreno Amador y Juan Manuel Montilla, del grupo de Hip-Hop La Excepción. Y sobre todo, un grandioso blues (“A dónde va el finado”) que se nos antoja como el mejor tema del disco, y en el que Rosendo se explaya como guitarrista, con varios conseguidos solos marca de la casa.
El resto del disco es puro Rosendo. Un buen puñado de temas que no se desvían de lo que se espera de él y que dejarán bien satisfechos a quienes esperan una continuación lógica de su carrera. Cada cual podría destacar alguno sobre los demás, a mi me han gustado “La triste cagalera” y “Colosal colofón”, levemente sobre los demás, ya que a excepción de las mencionadas “Horizontes” y “A donde va el finado”, el nivel del resto de composiciones es muy parejo.
El sonido conseguido es muy bueno, se nota que le han cogido el punto a “El Cortijo del Aire”, un idílico pedazo de la geografía almeriense donde han grabado sus últimos discos. Así mismo, la interpretación instrumental de cada miembro del grupo es intachable, dando una solidez que sólo pueden mostrar músicos expertos como ellos, y es que tanto Rafa Vegas como Mariano Montero rayan a un nivel muy alto, perfecto para la música y el sonido característico de Rosendo.
Después de 17 discos de carrera, Rosendo ya no va a sorprender a nadie. No se le piden ya grandes bombazos, sino discos que no desentonen con su consolidado prestigio. Y desde luego, esta vez lo han conseguido.
ROZENHILL “King Without Domain” (2009)
Debut discográfico de esta joven formación procedente del suburbio de Märsta, perteneciente a Estocolmo (Suecia). En cuyas canciones hay una variopinta mezcla de Death Metal melódico, Thrash, Groove, Metalcore, Gótico…
Pawel “Pabbo” Lugowski (gritos y guitarra) y Simon Hildén (voz y bajo), después de su paso por Sothulot, decidieron formar Rozenhill en el 2005. Luego se les unió su antiguo compañero en Sothulot, el batería Johan Berglund. Y por último el guitarrista Mikko Mäkitalo completaba la formación en verano de 2008.
La demo “Oh´ Seven” (2007) es la única grabación que precede a “King Without Domain”, el cual era grabado a finales de 2008 en los austriacos NoiseHead Studios con Mario Jezik como productor. Siendo editado en marzo de 2009 por NoiseHead Records.
Directamente, sin preámbulos, arrancan el disco con “Broken”, cargada de bastante furia, energía y potencia. Una visceral composición donde unen diversos estilos como el Death Metal melódico, Thrash / Groove Metal y Metalcore.
Ya en el segundo corte del álbum, “Salvation”, comienzan a añadir voz limpia y melódica por obra del bajista Simon, que hace contraste con la aguerrida y corrosiva de “Pabbo”. El incluir esa variedad de voces es una costumbre que vienen cosechando desde hace años grupos de Death Metal melódico y de Metalcore, y que a servidor por norma general no llega a agradar ni convencer del todo.
Con “Well Of Lies”, además de las influencias y voces de los dos anteriores temas, van más allá y escuchamos tintes góticos en la música, y en la voz del guitarrista “Pabbo”. Al igual que en la siguiente, “Trying To Run”, un medio tiempo con más Metal Gótico que la precedente y que el tema de cierre, “Deadland”.
En “Fog Of War” y “Breath Of Freedom” regresan a la rapidez, rabia y mala leche de las dos primeras canciones, aunque siguen metiendo voces y partes que rompen con la violencia sonora de los temas y que me dejan algo descolocado.
Más sonidos góticos se pueden escuchar en “Lesson Learned”, y tras ésta viene el tema-título, “King Without Domain”, que es una tranquila pieza también de sonidos oscuros y pegadizos.
“Predator”, una de las tres canciones que conformaban la demo “Oh´ Seven”, lo vuelven a grabar para esta ocasión. Diversidad de estilos y alternancia de dos voces, como en anteriores.
Para las nuevas generaciones que les gustan y siguen etiquetas musicales como las citadas en el comentario al álbum, el debut de Rozenhill supongo que les parecerá bueno y será de su agrado. A mi, aunque reconozco que suenan en variadas ocasiones demoledores (especialmente cuando dan buena y veloz tralla) y la variedad consigue que el disco no se haga nada monótono, no me llega a gustar del todo esa mezcla de estilos y voces que hacen en los temas los jóvenes suecos.
Johan Berglund dejaba la banda (siendo su último concierto con Rozenhill el 2 de octubre de 2009 en la sala Garage de Märsta), echándoles una mano, hasta que encuentren el sustituto definitivo, el batería de sesión Mika Mättää (Everwhere), quien ya tocara con Ronzehill en su mini-tour europeo por Austria y Serbia en abril de 2009.
RUNNING WILD “Live” (2002)
Ni
más ni menos que catorce años hace que los germanos Running Wild nos
deleitaron con aquel legendario “Ready For Boarding”, hoy en día ya todo
un clásico en lo que a directos de heavy metal se refiere. Lo cierto es que
desde entonces han cambiado muchas cosas, entre otras que de aquella formación
solamente queda el alma mater del grupo, Rolf Kasparek (nunca ha sido muy
tratable que digamos), al que ahora acompañan Bernd Aufermann (guitarras,
coros), Peter Pichl (bajo, coros) y Matthias Liebetruth (batería), aunque
poco más para Rock’n’Rolf, el cual sigue con la misma fórmula de
siempre, para bien o para mal.
“Live”
no es otra cosa que la plasmación en disco de uno de sus últimos shows
completos, registrado concretamente en la localidad alemana de Osnabrück el
pasado 30 de marzo de 2002, con los pros y los contras que ello conlleva.
Como
alicientes para la adquisición de esta edición decir que, a parte de ser
doble (a diferencia del citado “Ready For Boarding”, que sabía a poco),
goza en todo momento de un buen sonido (ni muy retocado ni excesivamente
parco) y pega un repaso a la discografía nacida tras aquel primer directo, lo
cual no viene mal (amén de que goza de estas nuevas tecnologías anticopy,
que pueden dificultarte el “pirateo” –nunca mejor dicho- sobremanera).
Como inconvenientes apuntar, en primer lugar, que si bien Rolf nunca fue un
dechado de voz, a estas alturas de carrera y en una sola toma (recordemos que
se trata de una misma noche) se dejan entrever considerablemente las
limitaciones del citado vocalista; por otra parte señalar que la edición es
bastante pobre (pocas imágenes y menos texto aún), y para los precios que se
gastan hoy las discográficas (19 euros y medio, en este caso) se echa en
falta un buen libreto como mínimo. Espero que las ediciones en DVD y DVD plus
(que las hay) vengan más completas.
Pero
centrándonos en el contenido del disco, que es lo que interesa en definitiva,
observamos ya de entrada que faltan un montón de clásicos que deberían
estar, relegados sobre todo por temas de reciente hornada era “The Rivalry”/”Victory”/”The
Brotherhood”, que por otra parte es donde a Rolf Kasparek se le ve más cómodo
(no en vano el peso en estos temas lo llevan las guitarras en detrimento de la
melodía vocal, que es precisamente donde cojea nuestro pirata –óigase “Uaschitschun”,
bastante pobre-). Incluso lo más logrado de los últimos tiempos se lo pasan
por el forro, escúchese “Masquerade” (¿dónde está sin ir más lejos un
temazo como “The Lions Of The Sea”?) o “Black Hand Inn”, del que sólo
se acuerdan de “Soulless”. Sí que coge sin embargo algo como
“Metalmachine Solo”, un solo de batería que bien se podían haber
ahorrado en favor de algún tema, aunque tratándose de un concierto entero se
comprende en cierta medida.
De
todos modos es un placer comprobar que temas como “Bad To The Bone” (con
esos históricos armónicos), “Riding The Storm”, el hímnico “Prisoners
Of Our Time”, el añejo “Purgatory” o el apoteósico “Under Jolly
Roger” (que canta más el público que el propio Kasparek y que cierra el plástico)
siguen atronando por ahí, y que otros más contemporáneos como “Lead Of
Gold” (época “Pile Of Skulls”, últimos resquicios de originalidad),
“Soulless” o “Blazon Stone” suenan tan potentes como en disco. Quiero
tomarme los últimos trabajos de la banda como una época de vacas flacas o
simplemente de pereza compositiva, y que este disco en directo la cierra.
Aunque una cosa es lo que uno quiere y otra muy distinta lo que en realidad
es.
Bubba
RUNNING
WILD “20 Years In
History” (2003)
Ya
no sé qué pensar de Rolf Kasparek. Es cierto que 20 años de carrera son
excusa suficiente para editar un “Best of”, como también lo es el hecho de
que la banda germana -si a esto se le puede llamar banda- lleva sin levantar
cabeza ya casi una década, y su popularidad y ventas bajan enteros cada año a
una velocidad de vértigo. Sospechoso...
En
ese marco contextual se edita “20 Years In History”, según palabras del
propio Kasparek “un disco no considerado como ‘lo mejor de’”,
sino más bien un repaso cronológico a lo que lleva/n recorrido. Y la verdad
es que así es, pues se recogen sistemáticamente 2 temas por disco además de
dos bonus tracks, “Prowling Werewolf”, un tema rescatado (y regrabado) de
los set-lists del grupo del ’83, y “Apocalyptic Horsemen”, un corte
desechado para aquel legendario “Under Jolly Roger”. Lo demás, como ya
digo, un par de piezas de cada álbum, algunas regrabadas íntegramente
(“Branded & Exiled” y “Mordor”, curiosamente las dos
representaciones de aquel parco en sonido “Branded & Exiled”) y el
resto retocadas ligeramente en estudio, lo cual demuestra el respeto que ha
tenido siempre Mr. Kasparek por sus músicos.
Ni que decir tiene que a los seguidores del grupo de toda la vida este “20 Years...” les hace tanta falta como quedarse en paro (los bonus tracks simplemente anecdóticos, el libreto unas cuantas fotos y la típica parrafada de turno), así que podría ser recomendable para los legos en la materia, siempre y cuando tengan presente que ni están todos los que son ni son todos los que están (a partir de “The Rivalry” me sobra todo, si acaso a excepción de la curiosa “Ballad Of William Kidd”).
En cualquiera de los casos se recomienda encarecidamente seguir regocijándose con la etapa dorada de la banda, es decir, hasta aquel épico “Death Or Glory” (1989), así como pegarse un repaso a los últimos destellos de originalidad en “Black Hand Inn” o “Masquerade”. Lo demás simplemente innecesario.
Bubba
RUSH “Vapor Trails” (2002)
Tras seis años de ausencia vuelve el trío canadiense con un disco que (me) deja un sabor de boca un tanto raro, un poco de decepción, algo de perplejidad, asombro y disfrute a partes iguales.
La historia de Rush es lo suficientemente larga como para poder apreciar unas muy claras etapas en función de las influencias asimiladas en cada periodo: Si los primeros años del grupo (70s) fueron experimentales, casi alucinógenos, una segunda etapa (80s) mucho más madura fue la que les consolidó como el grupo de rock progresivo por excelencia, influyente en las nuevas generaciones de grupos del estilo. Entrados los 90s, las nuevas tendencias musicales procedentes de Seattle marcaron tanto el devenir del rock en general que llegó hasta los maestros de un estilo que estaba en el lado opuesto de aquellos patrones compositivos. Así se parieron discos cuyas influencias hicieron a Rush dejar atrás los teclados y marcaron los ritmos gruesos de guitarra y los aires tristes en la mayoría de sus composiciones.
Cada etapa se ha ido cerrando con un disco en directo, así es que después del triple “Different stages live”, el que suscribe pensaba que iba a haber un cambio mucho más sustancial en el concepto del nuevo disco, máxime teniendo en cuenta el tirón de grupos que han mamado de ellos, caso de Dream Theater por ejemplo. De ahí lo que comentaba al principio sobre la ‘decepción’.
Sin embargo, si uno escucha atentamente el disco no se trata de una obra fácil ni en cuanto al trabajo que lleva dentro ni tampoco en cuanto a la asimilación del propio trabajo. No es un disco de rock progresivo al uso, tampoco tiene mucho que ver con los Rush más antiguos ni con la etapa de teclados y samplers de los 80, más bien es una continuación lógica de discos como “Test for Echo” o “Counterparts” aunque muy marcado por las condiciones personales de los miembros del grupo: la tragedia familiar de Neil Peart -sobre todo-, la personalidad de Alex Lifeson y la madurez de Geddy Lee.
Es un disco mucho más guitarrero que lo anterior, . Tampoco hay teclas, y las melodías y letras son más bien de corte pesimista, casi grunge, con algunas que recuerdan bastante a los Led Zeppelin del “Houses of the Holy” o del “Physical Graffitti”, especialmente en “Secret touch”.
La batería de “One little victory” abre el disco de forma casi brutal, pero es solo un espejismo, aunque el tema en sí es un compendio de lo que es el disco entero. Hay otros cortes que tienen poco que ver, y que siguiendo la comparación Zeppeliniana (ya digo que encuentro muchas reminiscencias) se acercarían más al “III”, menos enérgicos como es el caso de “Peaceable kingdom”, “How it is” o “Out of the cradle”. “Vapor trail” y “Ceiling unlimited” son lo más parecido a los Rush más clásicos, y en el resto de temas se dejan ver mucho más las influencias oscuras.
Habilidad, maestría, personalidad y la tranquilidad que da el tenerlo ya todo hecho. El maestro Neil Peart recupera la dirección musical, soberbio. La voz de Geddy Lee sigue impasible al paso del tiempo pero pierden algo de protagonismo las partes de bajo (excepción de “Ghost rider”) , y la guitarra de Alex Lifeson sigue sorprendiendo por lo la sobriedad y la carencia de solos, ni falta que le hace.
En definitiva, disco majo para los abiertos de orejas y los seguidores de toda la vida, y perfectamente prescindible para los que se suben al carro después de escuchar a Dream Theater. Esperemos que en la próxima gira se acerquen por estas tierras, sería la primera vez en la historia y ya va siendo hora, aunque me da a mí que... en fin.
Salud.
RUSH “Feedback” (2004)
Dentro de los planes de celebración de los 30 años de vida del grupo, Rush han querido rendir tributo, con este mini LP de versiones, a los grupos que les influenciaron en la segunda mitad de los 60. 8 temas clásicos que llevan el sello de Rush, pero a la vez conservan la esencia de los originales, utilizando para ello sonidos de guitarra o percusión muy parecidos a los que se usaron en su momento.
Las canciones en cuestión pertenecen a grupos como The Who (“The Seeker”), Buffalo Springfield de quienes hacen dos versiones: “For what it’s worth”, con un excelente trabajo de guitarra y “Mr. Soul”. Los Yardbirds, de quienes meten otras dos: “Heart full of soul” (atención a Geddy Lee cantando con su voz natural, sin falsete) y el clásico entre clásicos “Shapes of things”. El “Crossroads” de Cream, “Seven and seven is” de Love, y la versión de una versión de Eddie Cochran: “Summertime blues”, de quienes hacen un cover basándose en la versión de Blue Cheer.
Tanto por los temas elegidos como por el resultado final del disco se puede decir que a los amantes de las versiones, de los clásicos y de todo lo que haga el trío de Toronto van a encontrar un 3 en 1 pero que muy interesante.
RUSH “Snakes & Arrows” (2007)
A medida que el tiempo pasa y la edad avanza, la cadencia entre discos se va haciendo también mayor, como si el reposo le sentara bien a cada obra de los grupos clásicos. Ozzy Osbourne, AC/DC… medio lustro largo entre disco y disco de estudio, unas veces por componer de forma más relejada, otras por estirar hasta el límite la productividad del disco anterior y la gira consiguiente, y estoy seguro que en otros muchos casos por pura holgazanería.
Rush tiene, además, el añadido de los indeseados imprevistos fruto de la mala suerte y de la vida misma, superados por el esfuerzo y las ganas de seguir incluso después de llevar treintaytantos años dando la matraca, con sus (con este) 18 discos en estudio, 5 en directo, otros tantos recopilatorios y uno más de versiones.
“Snakes & Arrows” es más Rush que “Vapor Trails”, si es que cabe esa afirmación. No es ni tan tan áspero ni tan austero ni tan triste como aquel. Es más complicado, con arreglos más intrincados y de más rica instrumentación, aunque olvídate de los teclados de su etapa ochentera y de los ritmos imposibles. Como decía antes, es más reposado, lo cual no quiere decir que haya tregua alguna, sino que está más meditado, que la experimentación es menos de eso porque trabaja sobre seguro, está todo mucho más calculado, lo que se traduce en una producción impecable y un resultado final a la altura de los buenos momentos en la historia del grupo.
“Far Cry” podría ser una continuación de “Vapor Trails” y está llamada a no faltar en sus conciertos futuros, “Armor And Sword” tiene un cierto regusto a Led Zeppelin con armónicos de la guitarra de Alex marca de la casa, la pegadiza “Workin’ Them Angels” es el nexo con los Rush clásicos, la semiacústica “The Larger Bowl” entra a la primera, en “Spindrift” arrastran la melodía sobre una progresión de acordes invertidos y la instrumental “The Main Monkey Business” cerraría esta primera parte con algunas voces pero sin letra, uno de los mejores cortes del disco.
De los siete temas que restan habría que resaltar el alma de blues de “The Way The Wind Blows”, otro nuevo guiño a los Zeppelin del “III” en “Hope”, el epicismo de “Faithless”, la alternativa “Bravest Face”, “Good News First” con ese toque a lo Marillion en las guitarras de la parte central, la impresionante instrumental “Malignant Narcissism” y “We Hold On” como broche final a un disco de sobresaliente.
Tampoco hace falta exagerar ni llenar la reseña de adjetivos grandilocuentes. A estas alturas todo el mundo sabe de lo que son capaces, así es que se podría resumir este disco como el momento de creatividad más inspirado desde que cerraron la etapa de los ochenta con el directo “A Show Of Hands” (1989).
Tremendo.