Pa
| PAGAN'S MIND Enigmatic: Calling (2005) |
| PAN DE HIGO Enemigos Del Silencio (2007) |
| PANDAEMONIUM Return To Reality (2005) |
| PANZER The Strongest (2001) |
| PÁNZER. Tributo Despertando al Innombrable (2004) |
| PARADISE LOST Believe In Nothing (2001) |
| PARADISE LOST Symbol Of Life (2002) |
| PARADISE LOST At the BBC (2003) |
| PARADISEND Fin del Paraíso (2004) |
| PARKING FOX Destrucción + I.V.A. (2005) |
| PARKING FOX Gigantes o molinos (2008) |
| PARSIFALL Tears To Wine (2008) |
| PARSIFALL Hercules Furens (2009) |
| PATENTE DE CORSO MMX (2010) |
| PATHOSRAY Sunless Skies (2009) |
| PATRICIA TAPIA KHY Volver a creer (2010) |
| PATRICIA TAPIA KHY Irrompible (2011) |
| PAUL DIANNO The Beast – Live (2000) |
PAGAN’S MIND “Enigmatic : Calling” (2005)
Pagan’s Mind es una de esas pocas bandas que consiguen sorprenderte con cada nuevo paso que dan, y es que con este “Enigmatic : Calling”, tercer álbum de los noruegos, lo han hecho, han subido (de nuevo) otro escalón respecto a su anterior trabajo, es mejor en todos los aspectos. Siguiendo en la misma línea que los anteriores, es decir, practicando un, así lo etiquetan, Power Metal melódico-progresivo. ¿Y eso que diantres significa? No esperes respuesta, lo estoy preguntando yo. Si en algún tema hubiera sonado una flauta, se añadiría al final de la etiqueta “Folk” y ya está, así hasta la demencia absoluta.
En el verano del año 2000, Nils K. Rue (vocal), Thorstein Eugen Aaby (guitarra) y Stian Lindaas Kristoffersen (batería) militaban en una banda local llamada Silverspoon que rápidamente doblaría su formación con la incorporación de Jorn Viggo Lofstad (guitarra), Steinar Krokmo (bajo) y Ronny Tegner (teclado) para, unos meses después, de la mano de una modesta disquera noruega, Voices of Gonder, ponerle nuevo nombre a la banda y debutar con “Infinity Divine”, producido por nada menos que Ronny Le Tekro (TNT). Este primer trabajo aún recogiendo buenas críticas e incluso llamar la atención en determinados medios europeos, no gozó de una buena promoción, euros y demás etcéteras que todos conocemos, causa por la que, siendo un buen disco, no llegó donde debiera, contratiempo que solucionaría la firma con la casa alemana Limb Music donde siguen hoy en día y con la que parieron en el 2002 su excelente segundo disco, “Celestial Entrance” producido por Fredrik Nordström (Dream Evil). Ahora sí, con los medios disponibles, la banda pudo darse a conocer en gran parte de Europa con un disco que les hacía entrar en la liga de los “a tener en cuenta”. A finales del 2003 Aaby (abreviando que es gerundio) debe dejar forzosamente la banda por problemas de salud y, de momento, queda en el aire una posible sustitución o la vuelta a casa una vez superada la enfermedad. Durante 2003 y parte de 2004 tuvieron una subida de estatus importante gracias a sus potentes apariciones en festivales y conciertos, ganando un buen número de seguidores. Tanto es así que en 2004 deciden reeditar su primer disco incluyendo dos temas extra, una cojonuda versión del “At the Graves” de King Diamond y una nueva mezcla del tema “Embracing Fear”, cuarto corte del disco debut. Y tras un largo periodo de grabación, llega como agua de mayo, la nueva vuelta de rosca, “Enigmatic : Calling”, una vez más con la acertada mano de Nordström en la producción.
Este
tercer disco hace sombra a su predecesor en varios aspectos, sobretodo gracias
al alejamiento de las “demasiado” evidentes influencias que recogían sus
anteriores discos apuntando directamente a Dream Theater, con numerosos guiños
y “tributos” hacia estos. También se alejan un poco de la orgía de riffs
veloces, aunque sigue habiéndolos, para dar paso a unas guitarras más pesadas
y una base más melódica y accesible. “The Celestine prophecy”, el primer
corte, es un estupendo aunque sesgado resumen de lo que nos deparan los
siguientes diez tema(zo)s. Una mezcla de Heavy Metal, Prog, Thrash y Hard Rock
que le confiere a la banda un sonido “propio” y original. Si a esto le
sumas un guitarra virtuoso como es Lofstad (similar a Steve Vai) que tan pronto
te endiña unos solos tan sentidos que te saltan las lágrimas, como te hace
desnucarte vivo con sus infrenables y potentes riffs, prueba de ello, así al
tun tún, la instrumental “Coming home”; si le sumas la fuerza, emotividad
y las atmósferas que Tegner consigue producir al teclado en temas como
“Celestial calling” o “Appearance”; si le sumas la tremenda voz de Nils
K. Rue, llegando a notas imposibles y aportando gran parte de la personalidad
de la banda con sus variados registros, tanto agudos como endemoniados,
“Taken” por ejemplo, es quizás donde más uso hace de las virguerías
vocales o el sentimiento que aporta a la melancólica “Search for live”; si
le sumas todo esto y más, nos queda un discazo de once temas de corte
progresivo, sin entrar en composiciones demasiado complicadas ni demasiado
extensas, con innumerables virajes y cambios de melodía, abundante en
cabalgatas de riffs y teclados y enormes solos de guitarra.
Un disco que tiene la virtud de llegar a degustadores de variados estilos, tanto los afines al mundo progresivo, como los más metaleros o los amantes del Hard Rock con iguales cotas de satisfacción. No creo que le sobre nada, incluso la temática del disco, al igual que en sus dos anteriores, es interesante, moviéndose en el terreno de la ciencia ficción y de las inquietudes existenciales de esta, nuestra humanidad. Un recomendable soplo de aire fresco.
Web oficial PAGAN'S MIND - Web Limb Music
Didac Bello “Crucificado”
PAN DE HIGO “Enemigos Del Silencio” (2007)
Dado los tiempos que corren y la multitud de grupos que aparecen cada día en nuestra geografía, es muy difícil para cada uno de ellos lograr destacar, conseguir ese plus de originalidad o de calidad que les permita desmarcarse de toda esa pléyade de bandas casi calcadas. Y si hablamos del llamado “Rock Urbano”, la dificultad es mucho mayor, dada la enorme competencia existente, con cientos de grupos copiándose unos a otros.
Por eso, cuando llegó a mis manos este “Enemigos Del Silencio” de Pan de Higo, no fui demasiado optimista. Tanto el nombre del grupo, sacado de una canción de Rosendo, como las colaboraciones anunciadas de Kutxi Romero (Marea) y Enrique Villarreal “El Drogas” (Barricada) me hicieron temer lo peor. Cual no sería mi sorpresa al encontrarme con un disco que rebosa buen Rock and Roll, con un espléndido sonido y pulidas melodías vocales que confieren al disco un compendio de virtudes que me ha entusiasmado.
Pero empecemos por el principio. Pan de Higo vienen de Barcelona, y “Enemigos Del Silencio” es ya su segundo disco, tras un debut llamado “Soliloquios y Mandingas” que fue publicado allá por el año 2005. Su formación, tras múltiples cambios, parece ya asentada en las personas de Andreu (batería), Marc (voz y guitarra), Pilar (voz y acústica), Jordi (guitarra) y Julio (bajo).
Las labores vocales están compartidas por Marc y Pilar, y ese es uno de los atractivos del disco. Pilar tienen un limpio y bonito timbre de voz, que recuerda a la popera Amaral (alguno ya se estará rasgando las vestiduras…), que contrasta con la voz de Marc, mucho más encaminada en la línea habitual del género (Rosendo, Marea, Extremoduro... ya sabéis). Este contraste, unido a la buena labor instrumental y a un excelente sonido, confiere a Pan de Higo un atractivo sello diferenciador y un plus de calidad. Pero no es el único. En vez de las habituales letras combativas de este tipo de grupos, nos encontramos textos más elegantes, menos campechanos, entre los que destaca sobremanera “Alta Cordura”, incluido como “bonus track” y que trata el tema de la anorexia con un acierto encomiable.
¿Realmente esto es “Rock Urbano”? Pues depende como se mire. Ni lo es ni lo deja de ser, pero… ¿realmente importa? El caso es que el disco suena fresco, alegre, cañero cuando debe serlo (“Cuando Oigo Un Rocanrol”, “Cuantas Modas Por Cobrar”) y, sin embargo, la crucial participación de Pilar confiere al grupo un toque característico y un elegante sello de distinción especial. Por ello, los temas, que combinan ambas voces, tienen la virtud de sumar las virtudes de ambos estilos, como bien demuestran “Las Lágrimas De Minerva” o “Como El Agua”, el mejor tema del disco.
Las colaboraciones de “El Drogas” (“Piedra, Papel o Tijera”) y de Kutxi Romero (“Cuando Oigo Un Rocanrol”) empastan perfectamente con el sonido de Pan de Higo, mostrándose como un valor añadido a unos ya de por sí buenos temas.
Dos canciones bajan el nivel de revoluciones con una concepción similar. Tanto “¿Qué Vas A Hacer Con Tu Piel?” como “Soneto De Despedida” están compuestas para, desde un inicio tranquilo con el apoyo de violines en el primer caso y piano en el segundo, ir aumentando en intensidad para convertirse en temas pasionales y emotivos, aunque “Soneto De Despedida” se queda un poco a medio camino sin conseguir del todo su objetivo.
El tema que da nombre al disco, “Enemigos Del Silencio”, está dividido en dos partes, una cañera que abre el CD y otra acústica y tierna que lo cierra (obviando el bonus-track), en una excelente idea de brillante ejecución.
Y precisamente el bonus-track es una de las joyas del disco, “Alta Cordura”, un tema comercial (en el buen sentido) con una extraordinaria letra hablando de la anorexia y que musicalmente, tanto los tranquilos inicio y fin como la más rápida parte central se quedan en la cabeza a las primeras de cambio.
Excelente disco para escuchar sin complejos. Con un poco de apoyo en los medios seguro que tendrá el éxito que se merecen. Desde aquí ponemos nuestro granito de arena y lo recomendamos sinceramente.
PANDAEMONIUM
“Return To Reality” (2005)
Que el Power Metal está más sobado que la barra de cuarto que te pueden servir en tu panadería amiga, es un hecho. Por lo que conseguir destacar por encima de las legiones de bandas que tenemos haciendo lo mismo, es tremendamente difícil y, lamentablemente, no es el caso de Pandaemonium.
Estos cuatro italianos se confiesan grandes devoradores de pizza, jugadores de rol y de influencias tales como Helloween, Blind Guardian, Running Wild o Stratovarius entre otras. Los principios de la banda, allá por 1994, tomaban otros derroteros, llamándose Mad Faith y practicando un sonido thrashero y duro. El cambio de estilo comenzó al tiempo que ponían nuevo nombre a la criatura, centrándose en un sonido épico medieval, rodeado de hadas, elfos, magos y demás personajes de cuento. De la banda primigenia actualmente sólo queda Daniel Reda, cantante y fundador, que ha vivido numerosos movimientos en la formación durante estos once años en los que han cosechado cierto éxito a nivel underground, dada la teatralidad y puesta en escena de la banda que en un principio salían al escenario enmascarados, cada uno pasando por un personaje de cuento o de juego de rol. En el ’99 y tras dos demos, sale a la luz, de la mano de la casa Underground Symphony, su primer larga duración “…And the runes begin to pray” y seis años más tarde, después de pasar problemas de solvencia por parte del sello y cambiar de batería como el que cambia de calzoncillos, lo consiguen, la formación queda zanjada con Lorenzo Zirilli al bajo, el guitarra Steve Volta, Federico Ria en la batería y el ya veterano Daniel Reda poniendo la voz, y dan a luz a “Return to reality”.
Bajo la colorida y llamativa portada nos encontramos con el Power Metal de toda la vida, adornado y dotando de algo de personalidad a la banda, por agradables pasajes medievales y cánticos de la época. Así lo demuestra ya la introducción, llamada en un alarde de originalidad “Introduction”, que da paso a “Time of glory”, tema cuyo videoclip se incluye junto con el CD. Con este primer tema uno ya se puede hacer una idea bastante acertada de lo que es el resto del disco, tenemos a un Daniel, podríamos decir, excesivamente entusiasmado con su papel, luciendo falsete a saco y regalándonos unos gallos tremendos que ni Enrique Iglesias. El trabajo de guitarras es, aunque previsible, correcto, siendo en la mayoría de los cortes, veloces y punzantes, destacando la labor de Steve a cargo de la mayoría de los solos del álbum, incluida la instrumental “Flying over the clouds” interpretada enteramente por él y posiblemente lo más destacable del disco.
Daniel tiene gran potencial concentrado en sus cuerdas vocales, pero abusa mucho del falsete y acaba pareciendo que durante la grabación del disco le estuvieran pellizcando, con perdón, los huevos. Es la sensación que da en “Evil Star” o “Miracle” que, siendo buenos temas, se hacen tremendamente pesados gracias a la voz; si no fuera por el buen hacer de Steve y Zirilli seguramente se quedarían en nada. Los pasajes acústicos son quizás lo más agradable de escuchar, como el comienzo de “Fires in the sky” que pinta muy bien hasta que vuelven al doble bombo sin sentido y las cabalgadas guitarriles que no llegan a ninguna parte. Un ejemplo claro del sinsentido de que hablo es “Warrior lost in time” en el que los coros rozan la vergüenza ajena y cuya letra es digna de enmarcar en un cuarto infantil. Cerrando (por fin) el disco “Land of dreams”, un cántico de sonidos acústicos medievales que viene la mar de bien como desengrasante de lo escuchado anteriormente.
He
de reconocer que no soy bebedor de, ni me apasiona en absoluto, el mundo que
envuelve el género, por lo que esta opinión está claramente influenciada por
el gusto e incluso la posible tirria o manía que he cogido a este tipo de
bandas. Y bueno, a Pandaemonium le ha tocado la china. Sobra decir que cada
cual tiene su culo y tal…, de hecho, le puse el disco a un amigo en plan
“mira que birria” y se quedó flipando, en el buen sentido, mirándome
extrañado. Joder, es que no me gusta ni el nombre.
Web PANDAEMONIUM - Sello UNDERGROUND SYMPHONY
Didac Bello “Crucificado”
PANZER
“The
Strongest” (2001)
Thrash metal desde Brasil. Este grupo, que en la actualidad está formado por Elcio Cruz (voz), André Pars (guitarra) y Edson Graceffo (batería), es bastante desconocido por aquí. Se formó en 1992 y editó su primer LP “Inside” en 1999 con buena crítica en general por los medios especializados en el estilo. Ahora es el propio grupo el que nos hace llegar este segundo y último hasta la fecha, grabado entre los meses de febrero y abril de 2001 y distribuido de forma muy de andar por casa.
Musicalmente
tienen unas influencias clarísimas de Exodus, Metallica y Anthrax, con una
forma de cantar muy a lo Pantera, pero con un tufillo en general a Black
Sabbath que no ocultan en absoluto. La lírica gira en torno a conflictos
internos y sacando a relucir la parte oscura de la mente, también muy del
estilo del sonido de la Bay Area de San Francisco durante los años ’80.
Digamos que se trata de una actualización de aquel thrash, extremando la
propuesta sin llegar al sonido cafre.
A destacar lo homogéneo del disco, sin altibajos y de producción
austera. Y si tuviera que quedarme con algún corte, el segundo, “Red days”,
es el que más canta a las influencias antes citadas, pero con ‘grasia y
salero’.
Para los amantes del thrash puro, aquí tenéis un filón.
Salud.
TRIBUTO A PÁNZER “Despertando al Innombrable” (2004)
En esta avalancha de Tributos que estamos sufriendo / disfrutando (según los casos), ahora le ha llegado el turno a Pánzer, grupo madrileño que alcanzó un buen estatus en los ’80. Si bien nunca llegaron a la primera fila del Heavy Metal nacional, posición que únicamente disfrutaron Barón Rojo y, en menor medida, Obús, sí se puede decir que Pánzer estaban en ese “pelotón perseguidor”, junto a otros grupos como Santa, Ángeles del Infierno o Banzai, que les granjeó las simpatías de un buen número de seguidores.
En una fulgurante carrera que les llevó a editar 5 discos en 4 años (incluyendo un directo), gozaron de su particular momento de gloria, aunque el final de su carrera fue precipitado por la mala situación de Chapa Discos y las discrepancias internas, que habían hecho de los cambios de formación en el grupo una constante en su carrera.
Pero lo que ha quedado en el recuerdo de Pánzer, además de la posterior carrera radiofónica de Carlos Pina, es su fama de “gafes” que siempre les acompañó. No seré yo quien entre a juzgar este tipo de asuntos, a medio camino entre la superstición y la leyenda, pero es innegable que era un pensamiento muy común y que ha llegado hasta hoy.
De ahí el título del disco, “Despertando al Innombrable”, un disco-tributo en el que se ha contado con la participación de grupos desconocidos o semi-desconocidos que han interpretado a su manera algunas de las canciones más representativas de Pánzer. Cada uno echará de menos algún tema que se ha podido quedar fuera (yo echo de menos “Tú mismo”, uno de mis preferidos), pero las canciones que han sido incluidas satisfarán a los antiguos fans de la banda, así como servirán de guía a aquellos que no conozcan al grupo y tengan interés en descubrirlo.
Es de agradecer el esfuerzo de estos grupos, la mayor parte de ellos sin demasiada experiencia, por adaptar estas viejas canciones a su estilo personal. Evidentemente estas adaptaciones han sido más brillantes en algunos casos que otros, aunque de manera genérica han conseguido “rejuvenecer” estas composiciones, vistas ahora desde el punto de vista de músicos mucho más jóvenes, sin perder la frescura original.
Así, una de las baladas por excelencia del Heavy Metal nacional como es “Junto a ti” aparece ahora mucho más progresiva de la mano de Metrópolis VI o “Gloria al Rock and Roll” al cual Lándevir han adaptado con éxito a su estilo metálico-medieval con sus flautas y violines.
Otros temas brillantemente adaptados son “No hay quien nos pare” por Crisis de Fe, “Gedeón” por Sphinx, “Perro Viejo” por Evassion, “Fuego prohibido” (Vendaval) y la homónima “Pánzer” por Metal Mareny, quizás la que más me ha gustado de todo el disco.
Como curiosidad, tenemos la inclusión de un grupo argentino, Lörihen, interpretando “Volverás desertor”, lo que demuestra que el heavy metal español de los 80 llegó más lejos de lo que muchos puedan creer ahora.
No podemos dejar de destacar la participación de Ángelus Apátrida, grupo novel sin ninguna experiencia discográfica previa, que interpreta con acierto “Danza de la Muerte” gracias a haber ganado un concurso al efecto promovido en una página Web, y que ha contado con la colaboración del propio Carlos Pina cantando a dúo con Polako, cantante de los Apátrida.
Personalmente no soy muy amante de los discos-tributo, pero he de reconocer que éste me ha dejado con muy buen sabor de boca, tanto por rescatar del semi-olvido a una banda que mereció mucho más, como por ver con satisfacción como bandas noveles son capaces de hacer el ejercicio de madurez necesario para adaptar estas viejas canciones a su estilo personal sin perder su esencia original.
El tema “Número Negro”, interpretado por Tragedy, fue grabado pero no consiguió ser incluido en el CD por falta de espacio físico. Este tema puede ser descargado de forma gratuita en la web de la discográfica Red Dragon Records
Si quieres conocer algo más de la historia de Pánzer, no dejes de visitar su Web Oficial
PARADISE LOST “Believe In Nothing” (2001)
Octavo trabajo en estudio de los de Halifax. Tal y como se puedo entrever en al adelanto del álbum que realizaron en el LA 2 de Londres en diciembre, la tónica general está marcada por un regreso al sonido de “One second”. “Believe in nothing” contiene igualmente partes techno, o más bien influenciadas por este estilo, tomadas del anterior y polémico “Host” y nos devuelve las guitarras que tanto añorábamos los fans del quinteto, haciéndonos disfrutar de los punteos de Mackintosh y la base siempre sólida de Aedy. Incluso la estructura del disco es similar a la de “One second”, comenzando con los platos fuertes para luego acabar con piezas tranquilas y sosegadas muy al uso del aquel sexto trabajo. “I am nothing” es el primer tema y no encuentro mejor manera de definirlo que recalcar su vocación de himno y de imprescindible a partir de ahora en los conciertos del grupo. Tiene la melodía tan característica de PL y el estribillo es sencillamente apoteósico. “Mouth” posee un punteo que se repite hasta la saciedad y que deja claro que Mackintosh ha vuelto por sus fueros. “Fader” comienza de una forma un tanto extraña, una especie de medio tiempo rockero, que luego va evolucionando hacia unas maneras más poppies muy interesantes y originales. “Look at me now” tiene un riff pegadizo que desemboca en un estribillo sencillo y que recuerda a otras canciones como “Blood of another”. “Something real” es también otro clásico potencial , parece sacada de “Host” pero incorporando una base guitarrera magnífica y donde la voz de Holmes se ve menos retocada y más fiel a como suena en directo. La novedad viene de la mano de “Divided”, la cual incluye unos detalles orquestales que no desentonan con los que aparecen en el último “Selma songs” de Björk. El ritmo de “Sell it to the world”, un autoplagio de los temas de “Icon”, es un guiño a aquella obra maestra aunque, todo sea dicho, sin llegar a aquellas cotas de calidad. A partir de ahí y hasta “World pretending”, que cierra este “Believe in nothing”, la banda se relaja completamente y ofrece su faceta más tranquila, finalizando el disco con temas que, si bien bajan el listón general respecto al resto del trabajo, no desentonan y son buenos.
Como afirmaba Nick Holmes, quizá la evolución realizada en “Host” fue demasiado radical y habían perdido algo el norte como banda de rock. “Believe in nothing” es en cierta manera la vuelta de PL a la arena metálica y a los mejores momentos del grupo pues éste es uno de esos álbumes que con cada nueva escucha te convence y agrada más. Y es que lo que viene a confirmar esta octava entrega es que PL siguen siendo reyes en su estilo.
J. Alfonso Puerta
PARADISE LOST “Symbol Of Life” (2002)
“Symbol of life” es ya el noveno larga duración de los británicos Paradise Lost. Instalados en la cómoda posición que les confieren la indiferencia de la comunidad metálica (la cual trató a la banda como un artilugio de usar y tirar en “Draconian times”), el olvido ya lejano de los deathsters y la inadaptación al círculo comercial, el quinteto concentra su éxito presente en tierras europeas y, más concretamente, germanas, donde han aprendido a apreciar la evolución constante ligada a cada nuevo disco. Así, no es de extrañar que el trabajo se haya colocado en el puesto 16 de las listas de ventas teutonas nada más salir a la venta, que la primera visita promocional haya sido en dicho territorio o que sean cabecera de portadas en diversas revistas del viejo continente.
Desde el primer instante en el que hacen acto de aparición las guitarras de Mackintosh y Aedy, queda claro que este plástico es otra ruptura con el pasado de los británicos. Los punteos de Greg, avanzadilla para el resto de instrumentos antaño, se han eliminado otorgando la carga principal a unas rítmicas que jamás sonaron con tal contundencia. A “Isolate” y “Perfect mask” me remito, presididas por una cadencia militar a lo Ramsteim y un ligero aire Rob Zombie la segunda que en las escuchas de tanteo puede provocar confusión, pero que son el contrapunto de equilibrio del disco. A falta de aquellos recorridos de Greg por los trastes bajos de su eléctrica, los teclados definen la melodía de un modo sutil cuyo rol es discreto pero esencial. Tanto es así que “Pray nightfall” y “Mystify” cautivan tan pronto se deslizan dentro de las entrañas. Eso sí, aquí nadie se salva de la electrónica y las bases preprogramadas de batería que aderezan el esqueleto de las canciones.
“Erased”, aparte de sencillo
previsible estilo “Say just words”, es una pieza
bien manejada, de mucha fluidez y pegada. La voz femenina del estribillo
secunda de forma un tanto mecánica a Holmes, pero sin ella no existiría la
magia que envuelve su melodía. “Nocelebration” y “Symbol of
life” toman las riendas del trabajo iniciado en “Believe in nothing”:
composiciones tales como “Fader” “Illumination” o “Divided”,
que entremezclan tintes góticos con otros puramente orquestales y alguna
pincelada popera perdida, no cayeron en saco roto. En este caso aportan el
granito de arena poético que faltaba para caer rendidos ante el hechizo.
En “Primal” asoma el fantasma heavy-doom de “Icon”, siempre con la progresión añadida que establece la distancia temporal: bases pregrabadas en las estrofas y algún destello rítmico recordando a Dino Cazares. Y si en los tiempos de “Shades of God” a “Draconian times” el timbre de Holmes retenía en más de una ocasión la garra de James Hetfield, “Two worlds” (donde Devin Townsend se ha colado en los coros) y “Self-obssesed” son testigos de que esa influencia perdura con igual o mayor intensidad. La segunda perseverará en el tiempo y es la excepción a la regla: desborda con un optimismo difícilmente recordado en la carrera de la banda y encierra algún apunte a los Almighty más potentes.
Ahora que hago referencia a salidas de tono llamativas (positivas, por supuesto), “Channel for the pain” quizá sea la más significativa. Nada más dar comienzo, pienso que me han colado “Out of hand” de Entombed. De pronto, para en seco y regresa a una parte corta más propia de Paradise Lost. No durará mucho, puesto que Lee Morris irrumpe con un ritmo atropellado y Holmes hace una intentona de cantar a lo L.G. Petrov con poco empeño (¿habrá olvidado los gruñidos guturales?). Chocante, ¿verdad?
Hay
que sumar dos bonus-tracks al contenido del compacto. Uno es “Xavier”, una versión de Dead
Can Dance que saca a relucir toda la atmósfera “Host”, con un mayor
predominio de las guitarras en pasajes puntuales. Quizá gracias a ésta se
descubra de una vez que las influencias que inspiraron aquel disco eran
consistentes y que PL se desenvuelven perfectamente en esas lindes. La
segunda, “Small town
boy” también es “robada”, esta vez de los archivos de Bronski
Beat y contagia la misma vitalidad de “Walk away” de Sisters of
Mercy, también grabada como cara-b de “The last time”.
En la parte compositiva no se ha producido ningún cambio: Mackintosh es absoluto responsable de la música que encierran los once cortes y Holmes pone los textos ambiguos que tanto gustan sus seguidores de adaptar a sus propias vivencias. Quizá destaca por encima de lo habitual la voz de este último, desprovista del ahorro de trabajo que la solista le propiciaba antes. No hay guitarra que le arrope y, teniendo en cuenta su limitación como vocalista, está espléndido. Como nota curiosa, no se puede pasar por alto la lujosa presentación que posee el formato digipack, muy elaborada y ciertamente original.
Muy a mi pesar, la repercusión que el combo de Halifax tiene en España es prácticamente nula. El paraíso perdido está vetado a gente con prejuicios y, como es habitual de unos años en adelante, se ha convertido en culto para sus fieles. Pase lo que pase con este disco, ha quedado claro que ha sido todo un acierto el nuevo camino que han emprendido hacia un sonido visiblemente endurecido y enriquecido con la experiencia adquirida en los tres trabajos anteriores. El aspecto que más cabe resaltar es que la totalidad de los temas de “Symbol of life” poseen una calidad envidiable y que no hay ni un segundo de relleno. Con este álbum, Holmes y Mackintosh le van a cerrar la boca a más de uno.
J. Alfonso Puerta
PARADISE LOST “At the BBC” (2003)
El
trabajo reúne tres sesiones:
Dos de ellas corresponden a apariciones en el programa “Friday Rock Show”. La primera está fechada en 1992 y contiene cuatro pistas. “Pity the sadness”, “Mortals watch the day” y “As I die” aparecerán más adelante con la audiencia presente, aunque aquí muestran toda la intensidad que caracteriza este periodo. “The word made flesh” pone la nota anecdótica ya que no hay muchas opciones de escucharla en este formato.
La segunda da un salto en el tiempo hasta situarnos en 1995, año que da un vuelco a la trayectoria de Paradise Lost: “Draconian times” los saca definitivamente del anonimato, son invitados a tocar en el escenario principal de Donington (aunque a horas intempestivas y con un público inglés abandonándolos a la suerte de unos cientos de incondicionales), viajan por medio mundo para promocionar el álbum y encabezan una fecha del Dynamo, entre otras cosas. Mackintosk saca brillo a sus famosos punteos, que alcanzan su máxima expresión en este álbum. Cuatro piezas dan fe de esta condición. En vez de optar por la vía directa con “The last time” o “Forever failure”, las afortunadas son “Shadowkings”, “Once solemn” y “Yearn for change”. La banda evoluciona hacia unos parámetros melódicos más pulidos y menos duros, lo que no resta emotividad cuando es el turno de “Sweetness”, extraída del EP “Seals the sense”.
Y así llegamos a la joya de la corona: el show del Royal Court de Liverpool, o el tour de “Icon” en su punto álgido. Es indescriptible lo que se siente cuando uno se enfrenta a un repertorio formado por “Embers fire”, “Remembrance”, “Gothic”, “Mortals watch the day”, “Widow”, “Eternal”, “Joys of the emptiness”, “As I die”, “True belief” y “Pity the sadness”. No sólo son las imágenes de un quinteto entregado en permanente clímax, también lo son la expresión de sobriedad y una robustez duplicada respecto a las versiones de estudio. Nick Holmes gruñe como ahora no sabe (ha suavizado y mejorado en muchos aspectos, pero no transmite esa potencia) y clava cada tema.
Pinta
bonito todo lo que estoy contando, pero a modo objetivo tiene unos handicaps
ponderables para el comprador ajeno o no lo bastante identificado con los de
Halifax. Por un lado, el fenomenal trabajo de documentación que ha efectuado
la BBC (muy coherente y representativo de una era determinada en la carrera de
la banda) se apea en la música, puesto que aparte de los créditos y unos
apuntes precisos de Malcolm Done, no hay textos ni fotos acordes. Por otro,
estas grabaciones desnudan el alma de un grupo que cuando editó “Shades
of God” y “Icon” retenía mucho de sus comienzos doom / death
en lo que concierne a sonido y ejecución, de manera que lo que a un fanático
hasta la médula le puede parecer sobrecogedor y melancólico, a otro se le
antojará rudimentario y alejado de la sofisticación que les rodea
actualmente.
Insisto, por si no ha quedado bien claro: “Sólo para fans acérrimos”.
J. Alfonso Puerta
PARADISEND “Fin del Paraíso” (2004)
Los jienenses con su última maqueta “Heather show” (2003) me sorprendieron muy gratamente y les auguraba un buen futuro si seguían en su línea musical y se esforzaban en el local de ensayo.
El año pasado daban un paso hacia delante poniendo en circulación “Fin del paraíso”. Aunque en algunos sitios lo consideran como maqueta para mí es un disco, ya que consta de nueve temas y está editado por Rockanbole Producciones. Phran (teclados y secuencias), Txan (batería), Ramón (bajo), Jesús (voz y coros) y Joey (guitarra y teclados) lo registraron en dos tandas (junio de 2003 y marzo de 2004) en los mismos estudios (Alis Record) donde grabaron la maqueta comentada.
Continúan con su elegante y exquisito Heavy/Hard Rock melódico, pero el disco en general no me ha dejado del todo satisfecho. Después de la intro-instrumental de teclas (dedicada a dos personas y en general a aquella gente que se ha quedado sin alguien especial) “Rumbo al paraíso (Demasiado pronto)”, donde una vez más destaca, como en todo el disco, el excelente toque de Phran; y de “Quaosar”, uno de los mejores temas, y el más potente y heavy de la grabación (casi en la misma línea está “Angélica”). Las demás composiciones (“Sensación”, “Siénteme”, “Cuerpo por desnudar”, “A años luz… de ti”…), ¡ojo, que son buenas!, siguen un mismo patrón, no llegando a baladas, pero a veces casi, muy melódicas y en ocasiones, para mi gusto, demasiado melosas, echando en falta en más de una ocasión algo más de potencia, energía y más presencia de las seis cuerdas, y es que cuando Joey se hace notar los temas ganan más garra. La voz del joven Jesús (atención a él con su personal y buena voz, aunque debe seguir trabajándola para sacarle mayor partido) es arropada en coros por él mismo en “Siénteme” y “A años luz... de ti”, y de Pachi Delgado en el tema-título, y esos apoyos vocales me recuerdan a los añorados, por muchos/as, Sangre Azul. Puede que tampoco le haga un favor extender la duración de los temas (los más “cortos” más de cinco minutos) y la plana producción. Otro defecto que encuentro son las letras, que se basan en mujeres, amores, desamores… y está bien que se hable de esos temas, pero quizás, además de estar más que oídos, se requiera algo más de imaginación a la hora de afrontar esa temática. “Pura seducción” nos la presentan como corte extra y rompe un poco con lo escuchado anteriormente, combinando perfectamente la música de la banda con melodía de teclas con aire tecno.
Ratifico que el grupo merece ser tenido en cuenta y el disco está más que bien, pero pienso que pueden dar mucho más de sí. Si siguen trabajando y esforzándose deberían conseguir algo importante. Ya va siendo hora de que empiecen a tocar fuera de su provincia (el próximo concierto en Málaga, ¡bien!) para darse a conocer más. Quizás les vendría bien estar en contacto con bandas nacionales, más o menos, de su misma línea (Nexx, Eden Lost, 91 Suite, Skyline…) e intercambiar conciertos a lo largo de nuestra geografía.
Si echas de menos a Sangre Azul y grupos parecidos Paradisend son más que dignos sucesores de reconocidas formaciones de Heavy/Hard melódico de nuestro país. No creo que exagere.
PARKING FOX “Destrucción + I.V.A.” (2005)
Desde 1990 lleva bregando este cuarteto en el complicado mundo de la música. Desde aquel comienzo aún continúan los hermanos Martínez (José Luis – guitarra y voz, y Juan Carlos – guitarra) y el bajista/voz Vicente “Hueso” Romero (también en Zarpa). Por los tambores pasó José Ramón Gil, “Sento” (en el 2002) y desde el 2003 Paco Muñoz (ex–Gölem), que fue el responsable, junto a los fundadores, de haber grabado este “Destrucción Masiva” (notad el juego de palabras en el título) en su local de ensayo por el técnico de sonido, Fran; y masterizado por Octavio Hidalgo en los estudios D.S.P. de Quart De Poblet (Valencia). La magnífica y muy bien conseguida producción corrió a cuenta de Vicente Feijóo (Zarpa), al igual que el músico hizo con sus anteriores discos. Antes del citado tienen en su haber: “1ª Maqueta” (1991), “Segunda Maqueta” (1992, grabada en directo), “Manises Roc 93” (1993, E.P. compartido con otras tres bandas), la maqueta “Sueña La Ciudad” (1994), primer disco, “Cuando Se Rinde La Noche” (Seminola Records, 1997), y el segundo, “No Tenemos Cura” (Maldito Alcatraz, 2001).
Este tercer disco que nos ocupa es el más heavy de los tres que ya poseen, pero tampoco te vayas a confundir con la portada en la que aparece un vikingo con guitarra con retrovisor, jejeje, y envuelto por un relámpago. Vikingo caracterizado por el histórico Mario Scasso, que fue quien realizó la foto de portada y las del libreto; él también aparecía en la portada del segundo disco. Comentaba que no te vayas a confundir porque tampoco Parking Fox hace sólo Heavy Metal. Mezcla con buen acierto el Rock de unos Leño, Topo, Burning… AC/DC… con el Heavy de grupos de los 80 como Obús, Barón Rojo, Zarpa… Y en parte han conseguido ese buen sonido de Heavy Rock gracias a la producción del alma mater de Zarpa, que ha logrado que las guitarras suenen con fuerza y la base rítmica acompañe contundentemente, haciéndose notar en cada tema con energía.
Entre los temas más “heavies” tenemos el primero “Fuera De La Ley”, donde el sonido y en especial el tono de voz que emplea José Luis recuerda a Obús y a Fortu, respectivamente. Una canción que tiene una letra, como otras, comprometida con los problemas que acucian a la sociedad. Otros temas son más rockeros, como “Perfecto Desierto” y “Dentro De Ti” (con letra basada en el Rock), teniendo el primero guitarreos escuela Young (AC/DC). El reflejo de muchos tipos que sólo ansían subir a costa de lo que sea lo encontramos en “Nada Te La Pone Dura”. Recuerdan el atentado del 11 de septiembre de 2001 en New York con “Testigos De Odín”, otra buena composición muy conseguida de Heavy Rock con unas guitarras destacables, al igual que “Seres Urbanos”, con apoyo de buenos coros, como en otras composiciones del disco. Con “Hombres Sin Nombre” hay que volver a hacer mención a la recia base rítmica. Vuelven al sonido más rockero hispano con “Perdona, Ya No Aguanto Más”. Rinden un homenaje a un mítico garito valenciano que ya cerró sus puertas con la marchosa y rockera “Watio Mudéjar”, donde Javier Moliner realiza los solos de guitarra.
Y no se acaba aquí lo que nos ofrecen Parking Fox en su tercer disco editado por Edivox. Incluyen como extra parte del directo grabado el 11 de septiembre de 2004 en el garito Rocksala de Quart de Poblet (Valencia), compuesto por un pequeño solo de batería que luego da pie a dos clásicos de la banda, “La Pilila Destroyer” y “Más Madera”. Y si esto no fuera suficiente también añaden una pista CD-Rom con el vídeo de “Fuera De La Ley”, viéndose a la banda tocando la canción en un escenario.
¿Te gusta el Rock urbano y Heavy Metal de nuestro país de los añorados 80?, pues te recomiendo que escuches este “Destrucción + I.V.A.”, no te va a dejar indiferente, tiene muchas más cosas que decir que muchas de las bandas de lo que se considera Rock urbano últimamente. Además, tocado de corazón por una gente que vive el Rock y pisan con los pies en el suelo.
Tienes la oportunidad de escuchar lo bien que se lo hacen en directo entrando en su página web y bajándote gratuitamente de la sección Descargas el concierto que dieron en la RockSala.
PARKING FOX “Gigantes o molinos” (2008)
El próximo año 2010 se cumplirá el vigésimo aniversario, ni más ni menos, de los auténticos y genuinos rockeros valencianos Parking Fox. Desde los días de su nacimiento se encuentran tirando del grupo los incombustibles hermanos Martínez (José Luis – guitarra y voz, y Juan Carlos – guitarra y coros) y el bajista (coros y voz) Vicente Romero “Hueso” (Zarpa), además de acompañarles desde el 2003 el baterista (y coros) Paco Muñoz.
Nos presentan su cuarto disco de estudio con una portada donde se nos muestra a un actual Don Quijote rockero (diría que es el guitarrista Juan Carlos) montado en su Harley Davidson y empuñando una larga espada, viéndose al fondo los modernos molinos o aerogeneradores que cada vez pueblan más la Piel de Toro.
En esta entrega de once temas por primera vez el mismo grupo, junto a Javier Moliner, se encargan de la producción. Repitiendo como en el anterior “Destrucción + I.V.A.” (2005), ya comentado por aquí, Octavio Hidalgo, en esta ocasión en la grabación y mezclas en el estudio APK de Quart de Poblet (Valencia).
Me atrevería a decir que es el mejor disco de los cuatro que poseen. Volviendo a las canciones de regusto más rockero de sus principios, pero con mejor sonido y composición. Habiendo geniales dosis de Rock duro o Hard Rock del más auténtico, clásico y genuino, con buenos guitarrazos (de esos que uno no se cansa de escuchar), base rítmica conjuntada y sin resquicios y la voz rasgada, áspera y rockera de José Luis (aunque “Hueso” cante en dos temas). Se pueden escuchar en las canciones influencias de AC/DC (“Exagerado”, “Con ilusión”, “Bailad malditos”… entre otras), Status Quo, Kiss (“El beso de la araña” y “Extraños)… pero con el sello de Parking Fox.
En las letras (lástima que en el libreto no las hayan incluido) dejan más que patente su adoración por el Rock, habiendo auténticas declaraciones de principios (“Demasiado tarde”, “Bailad malditos…) y también situaciones graciosas. Más de uno nos sentiremos identificados con las letras de “El loco de la Mancha” (¿a cuántos de los que nos gusta, nos apasionamos y adoramos el Rock y el Metal no nos han visto más de una vez como insanos mentales?), participando con un solo de guitarra Javier Moliner (que ya puso sus seis cuerdas en el tema “Watio Mudéjar” del anterior disco); y “Depredador”, con algo de crítica social también, siendo uno de los dos temas donde canta el bajista “Hueso”.
La buena canción que abre el disco, “Suena bien”, cuenta que ante un Apocalipsis el protagonista del tema en vez de salir despavorido ante el inminente Fin del Mundo se dedica a escuchar sus discos de Rock. Otra letra que nos puede hacer esbozar una sonrisa o risa es cuando en “El loco de la Mancha”, el actual Don Quijote sale en todas las portadas porque quiso secuestrar a la cajera más cachonda de un gran centro comercial (su particular Dulcinea).
Además de aparecer en algunas letras referencias a las mujeres, dedican plenamente a ellas temas como “Sexo” (su título no puede ser más claro y conciso), habiendo hecho un video-clip, “El beso de la araña” (¡sonando a los Kiss setenteros... y al grupo de los hermanos Young!), “Extraños” y “Exagerado”.
El penúltimo corte del CD, “Insaciable”, es el segundo cantado por “Hueso”, y me gusta especialmente el toque de sentimiento que le da a su voz.
Parking Fox, cerca de veinte años ya en candelero soltando buen Rock, ¿y servidor aún sin verlos en directo? Algún remedio hay que poner y más para disfrutar y escuchar los buenos temas de este disco en directo. Tanto ver a determinados grupos hasta en la sopa… ¿no es hora de que se le de paso a veteranos rockeros como los valencianos y a bandas más nóveles?
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PARSIFALL “Tears To Wine” (2008)
Utilizando para la portada la obra escultórica de La Piedad de Miguel Ángel se nos presenta el primer disco de la banda de MetalCore Parsifall.
El grupo afincado en Alemania comenzó como proyecto del vocalista norteamericano Dave Hopkins (Davidian) y el baterista rumano Cosmin Marica (Apokrypha) a finales de 2004. Luego se completaba la formación con el guitarrista Chuck Estright (ex–A.O.R?) y el bajista Freddy Schartl (Apokrypha, Torture, ex-Runamok). Su primera grabación fue la demo de cuatro temas “For You To Fight”.
En el 2007 la base rítmica cambiaba, entrando a la batería Eric Teichert (TSE) y al bajo Twist (My Shameful, ex–A.O.R?). Con ellos se grabó el primer disco de la banda, “Tears To Wine”, producido por Andy Classen (ex–Holy Moses) y editado por el Sello austriaco NoiseHead Records en agosto de 2008. Excelente es el sonido conseguido y la producción de Andy Classen.
Tan sólo siete temas componen “Tears To Wine”. La banda se muestra agresiva y demoledora en los cerca de cuarenta y un minutos que dura el álbum, pudiendo recordarnos en ocasiones a los Sepultura de los últimos años con Max Cavalera, Machine Head… o a los experimentales hardcorianos Neurosis.
Directa, devastadora y rebosante de energía es la primera canción del trabajo, “Another Place To Hide Your Face”. Aunque incluyen una parte un tanto tranquila, pero angustiada, entre tanta dosis de adrenalina.
El comienzo en “The Nest” y las tremendas ráfagas tralleras durante el tema son Machine Head total, pero también hay un poco de “suavidad” en la voz (¡vozarrón!) de Dave.
Más impactante y atronadora caña de Metal y Hardcore hay en “Kill The Cain”.
Después de los intensos tres primeros temas continua habiendo energía a raudales, pero en los siguientes experimentan más con otros sonidos (un poquito de Doom por aquí, otro poco de lo que se ha llamado Post-Hardcore por allá…) como se percibe en “Cleaver”, “The Face”, la más directa “Blood Flood” (trayéndome a la cabeza en ocasiones a los magníficos Pro-Pain y a Sepultura) y la progresiva (no te confundas, ¡nada de Dream Theater y similares!) “Pieta”.
A cada escucha de “Tears To Wine” me ha ido gustando más. Así que tendré que echarme pronto a los oídos el segundo, “Hercules Furens”, que está a punto de ser editado. Dentro de no mucho tiempo lo comentaremos por aquí.
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PARSIFALL “Hercules Furens” (2009)
Nada de dormirse, eso pensaría el cuarteto germano-norteamericano tras su primer álbum, “Tears To Wine” (2008), así que en menos de un año editaban (en mayo de 2009) su segundo larga duración, y de nuevo bajo etiqueta NoiseHead Records. Grabándolo en diciembre de 2008 en los austriacos NoiseHead Studios.
Encuentro esta segunda entrega de Parsifall más homogénea que su precedente, sonando otra vez bien compactos y sin resquicios, pero en estos diez nuevos temas no hay apenas experimentación como en su debut, se muestran mucho más duros. Se les puede catalogar de Metalcore en general, aunque no esperes una de esas cientos de bandas jóvenes que hoy pululan por el Mundo, aquí hay rabia, contundencia y mala baba, pero sin esas voces limpias y suavonas que se han puesto de moda. La voz del norteamericano Dave Hopkins es agresiva, potente y rotunda, de la escuela clásica del Metal & Hardcore.
La primera pista del CD se titula “Abdiel” y en ella hay un cóctel donde se concentran y mezclan las variadas influencias de la banda, habiendo Metal, Hardcore, Thrash Metal de los 90 al estilo de Machine Head… incluso fulminantes riffs de Death Metal. Elementos que podemos volver a encontrar íntegramente en la quinta canción, “Face The Setting Sun”.
Quizá que los temas en este segundo trabajo sean tan homogéneos consigan, tras la escucha de los primeros cortes -el citado “Abdiel”, “Praise The Dead” (acercándose por momentos al Death Metal en el estribillo), “The Lamb” y “The Rising” (en ambos me recuerdan constantemente a los Machine Head más intensos, densos y “pausados”, aunque hay tiempo para el desenfreno thrash en la segunda)- y cuando traspasamos el ecuador del disco, que al oyente le pueda resultar un tanto monótono, pero creo que es cuestión de ir escuchándolo con detenimiento y sacar la buena esencia de canciones como “Prayer Of Prisoners” (vuelven a sonar riffs de Death Metal), “Michael Vs. Himself” (una mezcla del grupo de Rob Flynn con ramalazos de Death Metal) y “Thomas´ Vision”.
Hay momentos en que el vocalista más que cantar recita con voz normal, como en el comienzo, y durante parte, de la densidad de “Apotheosis”, y en la décima y última, “Perelandra”, siendo ésta la composición que más se aparta de la línea general de las demás canciones del álbum (menos en su recta final), recordándome a Ice-T y sus Body Count.
Estoy convencido que si te agradan Machine Head, y el Metalcore o Crossover de tendencias clásicas, Parsifall será una banda que estará dentro de tus gustos.
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PATENTE DE CORSO “MMX” (2010)
Siempre es una buena noticia que un nuevo grupo se asome al mundo del Hard Rock en España. Significa que, a pesar de que el futuro pinta negro, la escena se mueve y siempre hay músicos intentando sobresalir, poniendo toda su ilusión en ello, y empeñando si hace falta algo de su patrimonio personal para ofrecer el mejor producto posible a sus seguidores.
Patente de Corso es un buen ejemplo de ello. “MMX” es su disco debut, aunque llevan funcionando ya bastante tiempo. De hecho, fueron invitados a actuar en una de las fiestas de aniversario de esta santa casa, dejándonos una grata impresión, y desde entonces hemos deseado ver plasmados aquellos temas en un disco, cosa que ahora tenemos la oportunidad de hacer.
En el grupo hay algunos viejos conocidos. Juanma puso su voz en los inicios de Mago de Oz, con los que grabó su homónimo disco debut, Paco Benítez fue guitarrista de Los Trípodes, la banda que acompañó a Julio Castejón en su etapa en solitario antes de refundar Asfalto, y con quien grabó dos discos, y Javi “Cozy” fue batería de Hamlet y acompañó a Ángeles del Infierno en alguno de sus periplos por Mexico y los USA. Del bajo se hace cargo Fran Montero, al que desconocíamos hasta que descubrimos al grupo, y la última incorporación a la banda es la figura del guitarrista Gustavo Martín, quien compagina su pertenencia en Patente de Corso con su otro grupo, Cover Band, con quienes toca versiones acompañado de amigos de toda la vida.
En unos tiempos donde hay que ofrecer algo más en cada disco para evitar la tentación del pirateo, una buena presentación hace ganar muchos enteros a la opción de dejarse unos pocos euros en adquirir el CD original. Patente de Corso lo tiene claro, y antes de hablar del contenido no podemos por menos que hablaros de las excelencias del continente. Porque no sólo se han preocupado de que el digipack tenga una apariencia visual atractiva, sino que se han procurado de estimular un sentido que pocas veces es tenido en cuenta: el tacto. El disco ofrece una textura suave, imitando piel y con el logo del grupo en relieve, realmente atractiva, y que ha debido costar una pasta, subvencionada directamente por el bolsillo de los músicos. Una vez que dejamos de acariciar la portada, abrimos el digipack y podemos disfrutar de un extenso libreto con las letras, fotos del grupo y los créditos y agradecimientos habituales.
Hablando ya del contenido, también se han preocupado de que el disco sonara lo mejor posible. Para ello han contado para las labores de productor con Pablo Salinas, a quien aún recordamos como guitarrista-teclista en los Topo de “Ciudad de Músicos”, y a quien su trayectoria vital le ha llevado a ser un gran productor que ha sacado todo el partido al grupo y ha conseguido un sonido brillante en el cual destacan todos los instrumentos.
“MMX” es un disco que requiere algo de paciencia. La ausencia de estribillos pegadizos hace que necesitemos varias escuchas para empezar a sacarle todo el potencial que atesora. Una vez que hemos insistido varias veces sobre él, los temas van entrando y vamos descubriendo en ellos la calidad que a la primera escucha puede pasar más desapercibida. Entre ellos me quedo con varios cortes que me han gustado especialmente, como “Aún estando muerto”, “Empezar de cero” o “Nada tiene sentido”, unas canciones espléndidas que, como el resto del disco, mejoran con cada escucha.
La banda raya a gran nivel, con especial lucimiento de ambos guitarristas, Paco y Gustavo, quienes se turnan para ofrecernos grandes solos en cada tema, cada uno con su propio estilo. La base rítmica es poderosa y versátil, con Cozy y Fran formando un tándem que va mucho más allá de la función de soporte a los temas, con fases de protagonismo, siendo un aliciente más del grupo. A la voz de Juanma hay que acostumbrarse, ya que su personal timbre de voz choca en un principio con lo que se esperaría de un cantante de este estilo. Tiene como lastre que en los dos primeros temas, “Corsario” y “La taberna del turco”, su interpretación no es demasiado acertada, aunque a partir del siguiente su forma de cantar mejora mucho, llegando a momentos realmente brillantes, como en “Nadie como tú”, que empieza como un medio tiempo para después animarse algo más, y donde Juanma ofrece su mejor interpretación del disco.
Uniendo todos los elementos, tanto la música en sí como el lujoso envoltorio en el que se nos presenta, hacen que el precio del disco sea liviano en relación a lo que se nos ofrece. Os invito a descubrirle, seguro que no os defraudará.
PATHOSRAY “Sunless Skies” (2009)
Desconocía a esta banda italiana de Metal Progresivo hasta que sus compatriotas Frontiers Records los ficharon y editaban su segundo álbum a finales de mayo del presente año.
El grupo se gestaba en el 2000, aunque en sus comienzos se llamaban N.D.E. (Near Death Experience). Siendo sus fundadores el guitarrista Luca Luison (Children Of Maiden) y el baterista Ivan Moni Bidin (Syrayde, Last Warning, ex-Polly´s Scream).
Su primera demo, “Strange Kind Of Energies”, la grababan en 2001, editándola en el 2002 ya bajo el nombre de Pathosray, y con la incorporación del vocalista Marco Sandron (Fairyland, Jackhammer, ex–Polly´s Scream, Burnin´Dolls, Broken Arow), el bajista Romolo Del Franco (Quill-Pen, Children Of Maiden, ex-World Demise, Karnak) y del teclista Vittorio Manzan. Luego entraría como segundo guitarrista Marco Bizzarro, pero en el 2004 deja la banda junto al bajista y teclista.
“Deathless Crescendo” (2006) supuso la segunda demo, afianzando la formación con el bajista Fabio D´Amore (Syrayde, Fairyland, ex–Exempla, AcidBrain) y el teclista Renè Capuzzo (Exempla). Ya con Gianpaolo Rinaldi (actual teclista), grababan su primer disco, “Pathosray” (Sensory Records / The Laser´s Edge, 2007), y tras finalizar éste entraba como guitarrista Alessio Velliscig (Akhtamar). A finales de septiembre de 2008 participaron en el ProgPower Festival en USA y dos semanas después en el ProgPower Europe en Holanda.
En noviembre de 2008 entraban en Artesonika Studio para registrar su segunda obra de larga duración, “Sunless Skies”. Ocupándose de la grabación y producción (además de ingenieros de sonido) la base rítmica (Ivan y Fabio). Siendo mezclado y masterizado en Fascination Street Studios de Suecia por Johan Ornborg y Jens Bogren, respectivamente.
Al escuchar las nueve composiciones (diez con el extra) de Pathosray nos pueden venir a la cabeza grandes bandas del Metal Progresivo, y espejo de muchas formaciones, como Dream Theater, Symphony X… y a sus compatriotas DGM, Eldritch… (¡la de grupos y devoción que hay en Italia desde hace años por el Metal Progresivo!).
La guitarra de Alessio Velliscig se muestra agresiva, cañera y grave, tocando las cuerdas más gruesas en el tema de apertura “Crown Of Thorns”. Emulando el estilo de los riffs más heavies de Romeo y Petrucci, cuando dan cera en Symphony X y Dream Theater, respectivamente. Es la composición más potente de todo el disco.
En las siguientes, “Behind The Shadows” y “Aurora”, mezclan la agresividad con las melodías. Al igual que en “Sons Of The Sunless Sky”, donde hay un magnífico momento de guitarra y teclas creando una preciosa melodía. Logrando temas accesibles, y que no son pesados, ni enrevesados, ni soporíferos… para los que de primeras catalogan el Metal Progresivo así.
“Quantic Enigma” (de comienzo que me recuerda a Angra, y después a Dream Theater) es una magistral pieza donde además de haber momentos agresivos alternados con buenas melodías, el Progresivo y el Rock Sinfónico (destacando el trabajo a las teclas de Gianpaolo Rinaldi) llena el tema por completo, con Marco Sandron haciendo una excelente labor con diferentes registros en esta canción, y a lo largo de todo el disco.
Se puede catalogar a “In Your Arms” como la balada del disco, aunque tiene momentos enérgicos.
En “The Coldest Lullaby” es como si a los Rainbow de Blackmore & Turner les añadiéramos Progresivo y Sinfónico, participando con su voz Klaaire (Syrayde).
“Perpetual Eclipse” y “Poltergeist” cuentan con la intervención vocal de otra mujer, Silvia Marchesan. Siendo la primera un bello interludio de teclas y voz con parte orquestal, unida a la canción más extensa de todo el álbum (ocho minutos y pico), “Poltergeist”, y donde el quinteto italiano se explaya a gusto encontrándonos de todo lo escuchado anteriormente en las canciones.
En la edición europea y norteamericana incluyen “For The Last Time”, un extra que ya apareciera en la edición japonesa del primer disco, aunque en esta ocasión la han vuelto a grabar. Siendo una linda pieza acústica que en ciertos pasajes me trae a la cabeza a los brasileños Angra. Para este trabajo en el CD nipón han incluido como tema extra “Rainfall” (donde hay coros de la vocalista Klaaire).
Frontiers Records ha vuelto a salirse de su línea habitual de Hard Rock melódico / A.O.R., como hizo a finales del pasado 2008 con los power austriacos Ecliptica, aunque el resultado no me convenciera. Ahora con Pathosray creo que han hecho un buen fichaje de una banda a tener en cuenta en el Metal Progresivo transalpino y europeo.
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PATRICIA TAPIA KHY “Volver a creer” (2010)
Todos lamentamos en su día la desaparición de una banda como Nexx. Con dos excelentes discos en la calle, la banda decidió tirar la toalla ante las dificultades para salir adelante que siempre han encontrado los grupos de AOR en nuestro país. En aquel grupo sobresalía la prodigiosa voz de Patricia Tapia, quien pronto se labró un prestigio en el Rock nacional. Su inclusión como voz de apoyo en los superventas Mago de Oz amplió su presencia en todo el mundo.
Esta colaboración con Mago de Oz sigue su curso, pero no era suficiente ni para ella ni para los que admiramos su torrente de voz y su forma de cantar. Muerto Nexx, es una buena noticia que Patricia haya puesto en marcha otro proyecto liderado por la menuda cantante madrileña.
“Patricia Tapia KHY” es un proyecto a medio camino entre banda y carrera en solitario. Patricia se ha traído consigo a Óscar Pérez, muy buen batería que también estaba en Nexx, y también le acompaña su hermana Mónica (guitarra rítmica), con quien tuvo un dúo en el pasado más orientado al Pop. El resto de músicos eran desconocidos para mi hasta este momento: Jaime de la Aldea (guitarra solista), Daniel Fraile (bajo) y Juan Guadaño (teclados).
En contra de lo que se pudiera esperar, Patricia Tapia KHY está lejos del estilo de Nexx. Este proyecto ha dejado atrás el AOR para desarrollar Rock de tintes más modernos, con inclusión de elementos electrónicos y utilizando la melodía como un elemento más, que no el único, para construir los temas. Tanto el tratamiento de las guitarras como el sonido en general tienen incluso tintes de metal industrial, algo que sorprende en las primeras escuchas y que requiere algo de paciencia con el disco para sacarle todo el partido.
La voz de Patricia Tapia es omnipresente, y es el mayor aliciente que encontramos en el disco. Por potencia, buen gusto y talento, Patricia consigue que cualquier trabajo en el que esté su voz ya tenga calidad. Pero no está sola en esta aventura, y el resto de la banda también tiene aportación destacable, sobre todo Óscar Pérez, gran batería que es capaz de amoldarse a cualquier estilo. El guitarrista Jaime de la Aldea también tiene momentos brillantes, con algunos solos de mérito y una aportación en general muy buena.
La mayoría de los temas están firmados por Patricia Tapia, varios de ellos en colaboración con su hermana Mónica. En ellos hay de todo, desde algunos con mucha fuerza como “Nunca más” o “Dime” hasta un medio tiempo sentimental (“En mi memoria”), dedicado a la muerte de su padre. Este tema, compuesto hace una década, logra transmitir a la perfección sus sentimientos y que nos sintamos reflejados en ella aquellos que hemos pasado por el mismo fatídico trance de perder a un padre. Aún así, me gustaría escuchar este tema menos orquestado, más desnudo. Tengo la impresión que con un tempo aún más lento (más balada) y acompañado únicamente de guitarra acústica o piano, esta canción puede ser antológica.
Uno de los temas más destacados es “En mi locura”, en el que se aúnan todas las virtudes del grupo y, obviamente, del disco en si. Fuerza instrumental y la voz de Patricia brillando tanto cuando le imprime fuerza como cuando canta con suavidad. Un temazo del que han grabado un bonito video-clip que podéis ver tanto en su MySpace oficial como si lo buscáis en Youtube.
El disco contiene algunas colaboraciones que le dan un punto más de interés. El tema que cierra el disco, “En silencio”, cuenta con el violín de Carlos Prieto “Moha” y la guitarra de Jorge Salán, compañeros (presente y pasado) en Mago de Oz. Y Tony Menguiano, cantante de Neomenia y Los Parpel, y con quien Patricia comparte coros en Mago de Oz, mete también voz de apoyo en algunos temas.
Finalmente, tanto la presentación del disco como el sonido conseguido son de primer nivel. El libreto contiene unas fotos bonitas y bien hechas, junto a las letras de las canciones. Y de la producción sólo puedo comentar las virtudes, ya que el trabajo de Dani Castellanos (guitarrista de Easy Rider y Neomenia) en la producción es impecable, dotando al disco de un sonido moderno, limpio y contundente.
Buen disco, en definitiva, que devuelve a la actualidad discográfica a la mejor voz que tenemos en este país. Esperamos que este nuevo proyecto lleve a Patricia, y con ella a su grupo, al nivel de reconocimiento que merece.
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PATRICIA TAPIA KHY “Irrompible” (2011)
Patricia Tapia está considerada por muchos, entre los que me incluyo, como la mejor voz que tenemos en el panorama rockero nacional. La conocimos con Nexx, un excelente grupo de AOR que nos dejó dos grandes discos. Después saltó la barrera que separa el endogámico mundo del Hard Rock para darse a conocer de forma mucho más amplia al entrar a formar parte de Mago de Oz, con quien lleva varios años tomando un papel cada vez más relevante. Y además, en 2010 construyó su propio proyecto, con un disco de debut llamado “Volver a creer” en el que sorprendió con un estilo de Rock moderno y con ciertos elementos electrónicos.
Ahora vuelve a la carga con “Irrompible”, un nuevo trabajo con su proyecto KHY en el que ha vuelto a dar otro giro estilístico, ya que aunque conserva algunos elementos electrónicos, en líneas generales es un trabajo mucho más guitarrero, más contundente. Más rockero, en definitiva.
La formación que acompaña a Patricia en este segundo disco ha variado algo con respecto a “Volver a creer”. Si bien sigue acompañada por Jaime de la Aldea (guitarra), Juan Guadaño (teclados) y Óscar Pérez (batería), quien compagina su tiempo con su pertenencia en Atlas, se han caído de la formación el bajista Daniel Fraile. Tirando de contactos, el encargado de meter el bajo en este disco ha sido Peri, compañero de Patricia en Mago de Oz. Mónica Tapia, aunque había decidido ya su marcha de la banda, ha dejado como despedida sus coros y guitarra rítmica en el disco.
Otro compañero en Mago como Tony Menguiano ha metido coros también, así como Natalia (Casa de Fieras). Más compañeros de Patricia en Mago de Oz han colaborado también en el disco, como Txus (quien firma dos de las letras), Carlitos (solo de guitarra en “Mi tumba llora sin ti”) y Moha (solo de violín en “Sin ti”)
La presencia en el disco de Jaime de la Aldea es más notoria, debido al carácter más rockero del disco, con algunos solos realmente brillantes y una aportación general muy buena. También Óscar Pérez, compañero de Patricia desde los tiempos de Nexx, brilla con luz propia en todo el disco, con momentos de gran protagonismo como en “Vendiendo la fe”, además de firmar uno de los temas del disco, “Mi tumba llora sin ti”.
Pero sobre todo, y como no podría ser de otra forma, sobresale la voz de Patricia, inconmensurable en todo el disco, tanto en los momentos tiernos como en los más cañeros, demostrando una vez más tanto la calidad como la amplitud de su registro.
El disco ha sido compuesto casi en su totalidad por Patricia, excepto el comentado “Mi tumba llora sin ti” obra de Óscar Pérez y un par de letras de Txus. Quizás el mejor tema del disco sea “Vidas en ruinas”, elegido como single y del que se ha grabado un espectacular video-clip, obra de Mario Ruiz (Krea Film Producciones). En él se aúnan todas las virtudes del disco: energía, melodía, la calidad vocal de Patricia y la banda sonando como un cañón, con un final muy intenso con la voz de Patricia sobre un brillante solo de guitarra de Jaime de la Aldea.
Otro tema que destaca claramente es “Cuando se apague la luz”, una tierna balada sólo a piano y voz, muy emotiva y que junto a “Sin ti”, otro temazo en el que Patricia hace una exhibición de sentimiento, dan el contrapunto al resto del disco, mucho más enérgico. También llama la atención “En la inmensidad”, tanto por su calidad intrínseca como por la inclusión de un coro infantil, algo que si bien no es nuevo en el Rock (ya lo hicieron Europe y Meat Loaf, entre otros…), sí es bastante poco habitual.
2010 va a ser un año sabático para Mago de Oz. Esta circunstancia va a permitir a Patricia centrarse en su proyecto Khy, algo que esperamos permita que este “Irrompible” llegue a cuantos más lugares mejor. Calidad no le falta.
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He leído muchas críticas acerca de este disco: que si está acabado, que no tiene derecho a sacarlo y estupideces de ese tipo. Me hace mucha gracia oír que si Halford toca muchos temas de Judas en directo es porque quiere volver a Judas y tiene todo el derecho del mundo a tocarlos. En cambio, si Paul hace lo propio con los viejos temas de la Doncella, resulta que no tiene originalidad, que está acabado y no tiene ideas propias. ¿Acaso Ozzy estaba en su derecho de sacar “Speak of The Devil”? Yo, al igual que en este caso, opino que sí. Además, la mayoría de las canciones que toca se han ido cayendo del repertorio de Maiden con el paso del tiempo. Lo único que no me gusta del disco es el sonido demasiado “cristalino”, por llamarlo de alguna manera. Quizá con un sonido algo más “guarro” hubiese quedado “bordao”. La banda que lleva no lo hace nada mal. Obviamente, no son Mr. Burr, Stratton, Harris, Murray ni Adrian (en las de “Killers”), pero los chicos lo bordan y, ¿qué decir de Paul?
Los que le habéis perdido la pista, decir que canta como nunca. Ha ganado mucho en técnica con el paso del tiempo y te suelta unos agudos increíbles. Escuchando “Remember Tomorrow”, el agudo de la parte intermedia de “Wrathchild” (que Bruce nunca ha sabido imitar) y los gritos de “Killers” te darás cuenta de lo que digo. Lo que no me acaba de convencer son las voces guturales, pero como tampoco abusa de ellas lo pasaremos por alto. Ya digo, volver a escuchar en directo los temas mencionados, “Prowler”, “Murders in the Rue Morgue”, “Running Free”, “Phantom Of The Opera” (magistral) y “Iron Maiden” con la voz que les dio vida es toda una pasada. Además, como tema curioso, nos encontramos “Woman In Uniform”, que Maiden nunca ha tocado en directo; por cierto, tema que no era de ellos. Así pues, yo dejaría de un lado los prejuicios mal creados por los “expertos” críticos del Metal y, si lo que te apetece es escuchar los viejos temas de Maiden, no dudaría ni un instante en pillar el CD ya que Maiden no sacó un directo en condiciones en esa época (“Maiden Japan” se quedaba muy corto). Lo ha hecho Mr. Di Anno unos años más tarde. Para cerrar el CD tenía que haber tocado “Futureal” (es por joder).
Agustín Galiana “Aguskill”