At-Az
| ATARAXIA & AUTUNNA ET SA ROSE Odos eis Ouranon; La Via Verso Il Cielo (2005) |
| ATLAS Atlas (2008) |
| ATLAS Contra viento y marea (2010) |
| ATLAS Against All Odds (2010) |
| ATOMIC BITCHWAX, The 3 (2005) |
| AUDIOSLAVE Audioslave (2002) |
| AVALANCH Las Ruinas del Edén (2004) |
| AVALANCH Muerte y vida (2007) |
| AVALANCH El ladrón de sueños (2010) |
| AVANTASIA The Metal Opera (2001) |
| AVULSED Nullo (The Pleasure Of Self-Mutilation) (2009) |
| AWAITING FEAR Dead Inside (2009) |
| ÁZIDO SULFÚRICO Poemas malditos (2006) |
| AZRAEL Libre (2007) |
| AZRAEL Metal arena (2010) |
ATARAXIA & AUTUNNA ET SA ROSE “Odos eis Ouranon; La Via Verso Il Cielo” (2005)
La editora portuguesa equilibrium music ha reunido en este doble digipack, de nombre “Odos eis Ouranon; La Via Verso Il Cielo”, a dos talentosos proyectos de la escena medieval y neoclásica italiana: Ataraxia y Autunna et sa Rose, que hacen un repaso a sus composiciones de una manera novedosa.
El primer CD, de nombre “Strange Lights” (grabado en S. Rufino en febrero de 2005), nos muestra a unos Ataraxia que interpretan con un enfoque neoclásico y atmosférico diversos temas de su carrera. Así nos encontramos con particulares versiones de temas como ‘Shelmerdine’ y ‘Bonthrop’ del agotado EP “Orlando”, ‘Ophélie’, uno de los temas que más me han gustado y que pertenece al disco “La Malediction d’Ondine”, o ‘Veules Les Roses’, otro de los temas que he disfrutado y que está incluido en el EP “Des Paroles Blanches”. Además de composiciones previamente editadas, “Strange Lights” contiene dos temas inéditos, ‘Strange Lights’, que abre el CD y ‘Seas of the Moon’, otra composición a resaltar en mi opinión.
La música que contiene este CD, dicho por un desconocedor de estos sonidos como soy yo, es un compendio de temas neoclásicos muy intimistas, relajantes e inspiradores grabados con tan sólo piano (Giovanni Pagliari), guitarra clásica (Vittorio Vandelli), flauta y voz (Francesca Nicoli) y campanas, carillón y cascabeles (Ricardo Spaggiari) de acompañamiento. Mi único pero a “Strange Lights” viene por las partes vocales que no me terminan de convencer, con una Francesca Nicoli que en algunos casos no controla los tonos sopranos/agudos que intenta (como ejemplo podría mencionar el tema 6, ‘Faust in una Sala Maledetta’).
En el segundo CD de esta doble entrega ve la luz una interpretación de Autunna et sa Rose grabada en la iglesia de St. Michele en Rovigo (Italia) el 31 de mayo de 2003. Bajo el título “Logos”, el grupo interpreta temas de sus tres previos discos junto a tres composiciones inéditas de una manera más contemporánea y abstracta. Y digo interpretación en vez de concierto porque se trata más de un recital poético-artístico que de un concierto propiamente dicho de música. Once intimistas temas de gran melancolía y hermosura componen este CD. Cello (a cargo de Simone Montanari) y piano (tocado por Disorder, que es además el encargado de las composiciones) son los instrumentos principales, acompañados por la soprano Sonia Visentin que da un toque cálido a las sencillas melodías neoclásicas y contemporáneas. Además, se incluyen recitaciones a cargo de Disorder que dan un toque más teatral a la interpretación. Seguramente “Logos” daría mucho más de sí en forma de DVD que de CD musical.
En definitiva, “Odos eis Ouranon; La Via Verso Il Cielo” reúne a dos talentosos proyectos de la escena neoclásica y medieval, que dan una atractiva, particular y novedosa versión de su propia música. La presentación del digipack es de gran gusto como viene a ser costumbre en esta editora, conteniendo letras, fotos y comentarios de los artistas. Éste es un disco apto para aquellos que quieran adentrarse en sonidos completamente ajenos a las guitarras eléctricas ya sea bien por curiosidad, como necesidad higiénica auditiva necesaria de vez en cuando, o para los momentos en los que buscamos la relajación. Hasta podría demostrarse adictivo como lo ha sido en mi caso. Al fin y al cabo se trata de disfrutar la música sin meterla en sacos discriminatorios.
Para más información y para dar unas escuchas previas se puede visitar la página de Equilibrium Music: www.equilibriummusic.com ó www.odos.equilibriummusic.com.
Ramiro Morales “Motorhead”
ATLAS “Atlas” (2008)
Desde que se supo de la existencia de esta formación, sabíamos que estábamos ante algo grande. La unión de estos experimentados músicos, curtidos en mil batallas, era una garantía para que el resultado fuera más que atrayente. Todos conocemos las circunstancias que rodearon la salida de Ángel Arias y José Martos de Barón Rojo y a nadie le extrañó que su nuevo proyecto contara con Manolo Arias a la guitarra, conocida la sintonía tanto musical como personal que les une. La sombra de Niágara empezó a planear, aunque ellos siempre negaron su intención de recuperar aquel grupo que mereció mucho más a finales de los ’80.
Pronto supimos que Ignacio Prieto sería el encargado de ponerle voz a este nuevo proyecto. A pesar de su efímero paso como colaborador en los últimos estertores de Niágara, y su estancia en Eden Lost y Reina de Corazones, Ignacio era un desconocido para la mayoría del público rockero. Afortunadamente, bastó la escucha de las primeras demos y, sobre todo, el excelente concierto de presentación de la banda en la sala Caracol de Madrid, para que nos diéramos cuenta de que su elección había sido todo un acierto.
Con todos estos antecedentes, estábamos deseando tener el disco en nuestras manos. Una vez escuchado el CD con detenimiento, podemos decir que las mejores expectativas han sido colmadas. Atlas ha conseguido sacar el mayor partido al talento de cada uno de sus componentes, libres ahora del corsé de pertenecer a un grupo ajeno. Tampoco se han complicado la vida buscando un camino nuevo en el cual innovar. Su edad y su pedigrí han hecho que el disco suene ochentero por los cuatro costados, Hard Rock potente y melódico a la vez, con cuidados coros y la chispa necesaria para que este disco destaque entre los lanzamientos del Rock nacional.
La voz de Ignacio Prieto es todo un descubrimiento. Potente y voluntariamente rasgada, su voz es capaz de modularse con igual acierto en los temas cañeros que en los más tranquilos. El resto de la banda suena compacta y poderosa, tantos años de tocar juntos han logrado que el sonido de Atlas no tenga ninguna fisura. La base rítmica formada por Ángel Arias y José Martos es un muro que da la consistencia necesaria para que nadie les pueda tachar de “blandos”, y además consiguen espacio para su lucimiento personal, y Manolo Arias ha conseguido en este disco una de las mejores interpretaciones que le recordamos, tanto en la contundencia de sus riffs como en el lucimiento de cada solo.
Quisiera hablar también de los defectos del disco, pero la verdad es que me cuesta encontrarlos. El sonido es muy bueno, fruto del empeño (y el dinero) invertido en la grabación, salido del bolsillo del propio grupo. Quizás, el hecho de que la portada no sea muy atractiva, mostrando únicamente el logo del grupo, o que el libreto sea algo escaso en los tiempos que corren, en los que muchos grupos optan por una presentación más lujosa (y más cara). Pero nada más, el disco suena como un cañón, cada uno de los músicos da lo mejor de sí mismos con un resultado casi inmejorable.
Una breve Intro da paso a “Unidos”, en la que ya podemos disfrutar de la energía desplegada por el grupo, algo que se mantiene en todo el disco, con las excepciones de “Demasiado bueno para durar”, un medio tiempo maravilloso que está entre mis temas favoritos del disco, y la preciosa balada final “Quien no ha sido un perdedor”. El resto del CD nos muestra la mejor cara del Hard Rock cantado en español: energía, buenos estribillos, variedad y ese punto de comercialidad bien entendida que hace necesarias pocas escuchas para que las canciones se nos queden en la cabeza. Temas como “Generación sin miedo a vivir” o “No necesito a nadie” están entre las mejores coplas de Rock melódico que hemos oído últimamente, y no desentonan al lado de temas más duros como “Nosotros somos la revolución”, la contundente “El imperio de la ley” o las rápidas “2040” y “Adicto a la carretera”. Realmente podríamos destacar cada tema del disco, ya que es muy completo, brillando por su ausencia los habituales temas de relleno que lamentablemente nos encontramos en otros discos.
Hace tiempo que pienso que, a pesar de que la escena española contenga buenos grupos, es necesario que uno de ellos sea la punta de lanza que rompa el ostracismo en el que llevamos metidos tantos años. La música de Atlas, con una adecuada campaña de promoción, podría sonar sin problemas en medios masivos no-rockeros, y ayudar con ello a un nuevo resurgir del Rock español. Sé que es soñar despierto, y menos sin el apoyo económico de una gran Compañía. Pero por calidad y méritos, Atlas debería dar el salto al podio del Rock nacional. En lo que a mi respecta, ya me tienen ganado.
ATLAS “Contra viento y marea” (2010)
Después de la excelente sensación de su disco debut, la espera hasta tener entre las manos este segundo trabajo ha sido larga y excitante. Considerados de forma casi unánime por la crítica especializada y buena parte del público entendido como el grupo de Rock con más talento de la actualidad, Atlas se tuvo que enfrentar a la creación de su segundo disco como un reto, ya que la buena acogida de su primer trabajo les había puesto el listón muy alto.
Lejos de amedrentarse con ello, “Contra viento y marea” mantiene esa calidad que se les supone a músicos de este talento y experiencia. Si el primer disco supuso la sorpresa de una banda recién reunida, aunque con gran trayectoria a sus espaldas, ahora cuentan con el rodaje de dos años en conjunto en el que los halagos (justificados) no les han hecho dormirse en los laureles.
Por tanto, la creación de “Contra viento y marea” ha sido más elaborada y el proceso compositivo ha tenido la pausa necesaria para tener convicción plena en cada paso dado. Afortunadamente, esta circunstancia no ha restado frescura al trabajo, que nos trae 12 temas entre los que es difícil dejar uno atrás, ya que todos ellos tienen su aquel.
Porque todos tienen calidad sobrada para satisfacer al oyente más exquisito. Tenemos dos temazos al alcance de muy pocos, como son “Oveja negra” y “Da igual”, que por sí solos ya merecen la compra del disco. También hay un bonito medio tiempo, “Viviré”, del cual han grabado un excelente videoclip, el blues poderoso de “Si me faltas tú” o la emocionante “En el nombre de Dios”, con una emotiva letra dedicada al atentado del 11M y un riff de raíces arábigas muy adecuado para la ocasión. Otra gran letra la encontramos en “De una vez por todas”, que afronta el tema de la violencia sobre las personas sobre una base musical contundente.
No os voy a aburrir de nuevo con el curriculum de estos cuatro músicos. Son de sobra conocidos en la escena del Hard Rock española (y quien quiera recordarlo, que acuda a la reseña del primer disco), pero sí quiero hacer hincapié en que se encuentran en el mejor momento de su carrera. Esta segunda juventud les confiere experiencia y madurez a la vez que no han perdido la frescura que este tipo de música exige. Cada uno de ellos, por su lado, podría competir con los mejores en su instrumento, y a lo largo del disco podemos apreciar los mejores solos de la carrera de Manolo Arias (inconmensurable en todo el disco), el huracán que sigue siendo José Martos a la batería, haciendo tándem rítmico con Ángel Arias, más imaginativo que nunca con líneas de bajo penetrantes, básicas o complicadas según lo requiera el momento. Y sobre ellos, Ignacio Prieto demuestra que es uno de los cantantes más en forma de este país, con una gran voz que utiliza siempre en beneficio de la canción sin caer en la fácil tentación de buscar el despliegue de facultades en busca de lucimiento personal.
Atlas muestra en este disco todo su potencial, sin esconder sus influencias. En sus temas podemos reconocer el olorcillo a AC/DC, Whitesnake, Bad Company o incluso Led Zeppelin, como muestra el tema que cierra el disco, “Odisea”, donde José Martos hace un homenaje a la figura de John Bonham, cuidando los detalles hasta el extremo de utilizar la misma caja y parche que usó el propio Bonham en la grabación del primer disco de Led Zeppelin.
Para terminar de redondear las virtudes del disco, el sonido conseguido es sobresaliente, responsabilidad de Manolo Arias como productor, contando de nuevo con la experta mano de Mika Jussila en la masterización. El resultado es un sonido brillante y contundente. Si en el primer disco la voz de Ignacio Prieto había quedado algo baja en la mezcla, en esta ocasión no se le puede poner ningún pero al resultado obtenido.
Ya desde su primer disco, Atlas se encaramó a la cabeza de los grupos españoles. “Contra viento y marea” afianza este sentimiento. Ojalá este liderazgo ayude a reverdecer los laureles de una escena que lleva en crisis demasiado tiempo, y consiga que el Hard Rock en España levante la cabeza de nuevo. Calidad y potencial les sobran para ello.
Sea como fuere, no dejes pasar la oportunidad de tener entre las manos este disco. Lo mejor del año, sin duda.
ATLAS “Against All Odds” (2010)
El fichaje de Atlas por la discográfica Avispa ha traído varias consecuencias, al menos por el momento todas buenas. Una de ellas es que la Compañía ha visto en Atlas un grupo con mucha proyección internacional, y los contactos que Avispa tiene en otros países podría permitir un lanzamiento del grupo fuera de nuestras fronteras, esperemos que a un nivel aceptable.
Con esa intención Avispa ha querido lanzar al mercado una versión en inglés del segundo disco del combo madrileño, “Contra viento y marea”, con vistas a su entrada en el mercado europeo y, por qué no, satisfacer también a sus fans más allegados. Nosotros conocíamos la existencia de este proyecto desde hace tiempo, tal y como nos adelantaron los hermanos Arias en nuestra última entrevista, pero aún así al tenerlo en las manos ha constituido una agradable sorpresa.
Y digo sorpresa porque en esta versión en inglés de “Contra viento y marea” se ha cambiado todo lo que se puede cambiar. Normalmente, las dobles versiones se limitan a sustituir las pistas de voz, pero en este caso Atlas ha ido mucho más allá.
Por supuesto, esa es la razón de ser del disco, y han puesto en ello todo su empeño. Para la adaptación al inglés se han apoyado en Patricia Lafuente, una bella amiga del grupo que les ha prestado todos sus conocimientos en el idioma de la pérfida Albión para, en unos casos, traducir casi literalmente la letra original, como “Odissey” (“Odisea”) o “Kill Or Be Killed” (“Matar o morir”), y en otros casos cambiar el sentido del texto, como en “Open Your Eyes” (“Abre los ojos”) o “Hand On Heart” (“Basta ya”).
El cambio de idioma, aún manteniendo intactas las pistas instrumentales, le da un aire nuevo a la música, permitiéndonos redescubrir unos temas que ya nos habían encantado en la versión inicial en castellano. Además, también se ha variado el orden de los temas en el disco, con lo que las primeras escuchas de esta versión son toda una sorpresa.
El esfuerzo de Compañía y grupo por ofrecer un nuevo producto es evidente, como lo demuestra el hecho de que se haya cambiado por completo tanto la portada como el libreto interior, ahora en tonos marrones en contraposición al gris azulado del disco en castellano, y sin repetir ninguna de las fotos que adornaban el libreto original. Como detalle, han actualizado la lista de dedicatorias incluyendo en ella a Ronnie James Dio y Steve Lee, recientemente fallecidos, este último conocido por Atlas al haber compartido escenario en la última gira de Gotthard por nuestro país.
Pero, para los que ya teníamos en nuestro poder el disco en castellano, el mayor aliciente de este nuevo disco es la inclusión de un tema extra, bastante sorprendente: “Don’t Wanna Talk” es la adaptación de aquel “Nada que hablar” que cantó Ángel Arias en el último disco que grabó con Barón Rojo, “Ultimasmentes”. El cambio sufrido por el tema es grande, no sólo por la traducción al inglés, sino porque ahora es Ignacio Prieto quien se encarga de ponerle voz, y la base instrumental de Atlas difiere bastante de la interpretada por los hermanos De Castro en su día. Como curiosidad, si al escuchar este tema extra os entran ganas de repetir, no hay problema: un fallo de fabricación ha hecho que aparezca dos veces en la misma pista (la última) del disco, así que Atlas ha inventado el 2x1 en tema extra, como el salchichón de Carrefour.
A priori, “Againts All Odds” puede ser una buena oportunidad para abrir fronteras y que Atlas pueda labrarse un nombre más allá de los Pirineos. Ojalá sea así, porque calidad les sobra. Si en su día “Contra viento y marea” mereció el mayor de nuestro reconocimiento, “Againts All Odds” no se queda atrás.
THE ATOMIC BITCHWAX “3” (2005)
Una escucha al disco me hizo falta para ponerme a investigar sobre esta banda hasta ahora desconocida por mis altavoces. Y me entero de que no es su primer trabajo, tienen ya cuatro discos (contando éste) en el mercado y, joder, pedazo de discos. Y es que ya se sabe, salen como churros y a menudo se nos escapa cada joya que no veas.
El caso es que “3” poco tiene que ver con sus anteriores redondos, “The Atomic Bitchwax” de 1999 (reeditado este año), “2” del 2001, y con una recopilación de caras B, experimentos varios y alguna versión (de AC/DC) en “Spit Blood” que sacaron en el 2002; cargadísimos de riffs a cargo del fiera de Ed Mundell (Monster Magnet), con jams de quince minutos donde se lucen, y de qué manera, cada uno de los músicos de la banda, formada por el citado Ed Mundell (voz, guitarra), el ex-Goodspit Chris Kosnik (voz, bajo) y Keith Ackerman (batería). Una mezcla entre Jazz, Stoner Rock, Doom, Groove y Boggie, todo muy retro y psicodélico, que todavía me da escalofríos de lo bueno que es.
A lo que iba, este “3” se aleja de esas demostraciones de virtuosismo por parte del power-trio estadounidense y de los cortes infinitos, parece ser el trabajo más accesible al gran público. Además, Ed Mundell ya no forma parte de la banda ya que prefiere centrarse en Monster Magnet, siendo substituido por el cantante y guitarra de Core, Finn Ryan, que le da un nuevo aire a la banda, eso sí, los riffs setenteros y la voz asesina de Mundell siguen ahí, ahora más directos y como digo, más accesibles. Pasan de la mayoría de cortes instrumentales en sus anteriores trabajos a sólo contar con uno, “Force Field”, y bastante cortito, de unos dos minutos y poco de gloria.
Repartidos entre diez temas tenemos treinta y nueve minutos de buena música que se me hacen tremendamente cortos, es la pega más gorda que le encuentro al disco, y bueno, más que una pega, es una flor que les echo.
La batería pateándonos el culo es lo que nos encontramos al comenzar el primer corte, “The Destroyer”, ya te digo, destroyer total. El estribillo aparece a los pocos segundos, un tema muy rápido y directo con incontables riffs “wah-wah”, un tiro de tema, destacando el trabajo de Ackerman. Debo señalar la tremenda chapuza a cargo de la producción ya que el tema acaba cuatro segundos después de entrar el segundo corte; manda huevos…
Se te quedará grabada en la mollera “You Oughta Know”, un tema muy pegadizo repleto de coros, muy parecida a “You Can’t Win”, con un Finn cómodo en terrenos más melódicos sin bajar el tempo del resto del disco.
Con “Dark Chi” siguen los riffs punzantes de Finn y las dobles voces, una batería machacona que no te da respiro y algo de la sombra de Deep Purple se puede percibir, es quizás un pelo previsible.
Hablando de Deep Purple… “Maybe I’m A Leo”, versión que no aporta nada a la original, excepto la diferencia en la voz, cojonuda en cualquier caso. Le sigue el mentado instrumental “Force Field”, donde te hacen saber lo que son capaces de hacer con sus instrumentos, los de tocar, o sea, joder… ya me entendéis.
El tema más psicodélico “Going Guido”, tiene un poquito de todo, solos de guitarra, una base súper sólida, mucha distorsión y sonidos espaciales muy bien desperdigados, se hace corta.
¿Os acordáis del reciente éxito de la mujer de goma?, sí, hombre, la Cher, aquel tema donde le distorsionan la voz. Pues esa misma distorsión sufre Finn en “Passenger”, otra de las pegadizas, con mucha pegada, caña de principio a fin. Al igual que “If I Had A Gun”, es el tema que más me gusta y que encajaría perfectamente como single, es la más apta para las masas y debe ser una auténtica gozada en directo, Finn se luce, me viene a la cabeza Freak Kitchen al escucharla.
Cerrando el disco, “Half As Much”, con una intro/taladrada robótica y de vuelta sonidos espaciales y psicodélicos. Batiburrillo de instrumentos sonando a la vez, incluidas trompetas, y un tema dentro de otro tema sonando de fondo; rara, rara, rarrha.
Como ya he dicho antes, “3” se hace corto, te deja con ganas de más. A los amantes del Stoner, entre los que me incluyo, no les va a defraudar en absoluto, todo lo contrario, y a los que gustaban de sus anteriores trabajos, pues tampoco ya que esos tremendos riffs siguen ahí, con menos estructuras y más caña, dándole más cancha a las voces, en definitiva un disco más comercial. Muy recomendable.
La banda acaba de poner a la venta un nuevo EP plagado de extras, titulado “Box Riff”, preludio del nuevo trabajo que se espera a finales de Enero del próximo año. Habrá que estar al quite.
Web THE ATOMIC BITCHWAX - Web Meteor City Records
Didac
Bello “Crucificado”
AUDIOSLAVE “Audioslave” (2002)
Cuantos meses hemos esperado para escuchar esto... Por fin podemos decir que el nuevo proyecto de Chris Cornell y los miembros de Rage Against the Machine es una realidad. No es para menos. Dos de los pesos pesados de la pasada década unen sus esfuerzos de cara a afrontar el nuevo milenio.
La situación en la que se encontraban ambas partes antes de iniciar esta andadura era similar. Soundgarden decidieron que era hora de zanjar una carrera ascendente que con cada paso marcaba un nuevo techo a superar. Como los grandes, abandonaron en la cumbre y dieron muerte orgánica a la banda con una dignidad de la que podrían aprender otros. El fin de RATM no fue tal hasta que Morello, Commerford y Wilk, de mutuo acuerdo con Cornell, optaron por emprender un proyecto totalmente nuevo. Carecía de sentido buscar recambio para un Zack De La Rocha que imprimía la personalidad y el carácter reivindicativo del grupo. Pero las proclamas políticas se habían quedado desfasadas y la evolución musical se limitaba a las genialidades de Morello. Pese al éxito de “The battle of Los Angeles” y la gira apoteósica consiguiente, estos factores desgastaron mucho al cuarteto y el replanteamiento de su continuidad fue la opción más prudente y lógica. Así, nació Audioslave.
Creo que puedo generalizar al decir que intentar imaginarse lo que podía salir de este encuentro era toda una incógnita. Cómo fusionar dos concepciones del rock tan diferentes, un cantante de corte clásico y letras simbólicas con unos músicos que construían la base sobre la que rapear consignas revolucionarias. Era la pregunta del millón. Pues bien, a pesar de que en la práctica los más allegados al legado RATM echen pestes de este proyecto o los acérrimos seguidores de Soundgarden queden estupefactos ante la dirección filosósico-religiosa que han tomado los escritos de Cornell, la fórmula funciona pero que muy bien.
“Cochise” no se hace mucho de rogar. Lo primero que se advierte es el tamiz rasgado que adopta la garganta de Cornell. Cual Robert Plant, dibuja unas líneas vocales sobre el riff de Tom Morello que me hace pensar que estoy ante el “Whole lotta love” de la “década cero”. “Show me how to live” confirma el buen comienzo: más de lo mismo, rock clásico revisado a fondo, redefinido con los criterios que esta superbanda impone y con Chris Cornell entregado en cuerpo y alma al papel que se le presupone. Éste sí es él. La voz de los noventa para no pocos precisamente ya nos tiene a sus pies al cántico existencial de 'you gave me life / now show me how to live'.
Seguro que la inclusión de una cantidad ingente de medios tiempos muy sui generis dejará boquiabierto a más de uno. ¿La base rítmica de Rage Against The Machine siguiéndole el juego a los líricos números intimistas del ex - Soundgarden? Basta con echarse al oído “What you are” y “Shadow on the sun” para corroborarlo. Y decir que “I am the highway” o “Like a stone” cuadran dentro de las latitudes en las que se encuentra el último álbum de los Peppers no parece un disparate a tenor del producto obtenido. Más muestras de sosiego... La bluesera “Getaway car” y “Last remaining light” dan por clausurado “Audioslave” emulando las coordenadas que trazaron las composiciones de “Euphoria morning”, el primer trabajo de Cornell en solitario: calidad por los cuatro costados, el vocalista literalmente volando con los tonos, elegancia en exceso y distante del rock explosivo que inicia este álbum. La nota discordante la pone una “Bring'em back alive” retorcida y cruda, pero sin tanto encanto como el resto del repertorio.
Por su parte, Morello cumple con las expectativas y no decepcionará a quien le creyera incompatible con el antiguo compañero de Kim Thayil. Su tendencia a experimentar es parte fundamental de canciones como “Light my way” (con unos efectos que traen a la mente “Great big white world ” de Manson), “Hypnotize” (que parece guardar a Moby en la recámara) o “Gasoline”. El primer minuto de “Set it off” sirven de demostración de cómo usar pedales de mil formas distintas, pero luego se transforma en un clásico que David Coverdale podría mostrar orgulloso en su historial. Es curioso que, con un vocalista de una naturaleza absolutamente opuesta a la de De La Rocha, los riffs incendiarios del guitarrista suenen tan legítimamente rockeros. No ocurre lo mismo con los solos, por supuesto, que siguen innovadores y bizarros en manos de este pionero. “Exploder” ejemplifica esta fusión, uniendo conservadurismo y modernidad a partes iguales.
¿El
veredicto? Se puede afirmar que Cornell vuelve a pisar el terreno que le es
natural: el del rock vitalista y lleno de matices. Por su parte, Morello &
Co. han recuperado la frescura que iban perdiendo poco a poco bajo las
directrices que marcaba RATM. Por tanto, no pueden más que congratularse por
el trabajo realizado y, sobre todo, por una primera mitad del álbum sublime.
Honestamente, no esperaba que este experimento llegase a tan buen puerto. Pero
debo reconocer el error. Aquí no hay lugar para escepticismos ni suspicacias.
J. A. Puerta
AVALANCH “Las Ruinas del Edén” (2004)
La trayectoria de Avalanch es bien conocida. Los sucesivos cambios de formación en el seno del grupo han ido cambiando la concepción del mismo hasta un punto tal que entre la idea original y el estado actual en que se encuentran, podríamos hablar tranquilamente de dos grupos diferentes.
Su líder indiscutible, Alberto Rionda, es plenamente consciente de ello, y con esa base ha decidido editar este disco, regrabando un buen puñado de temas con diferentes arreglos, adaptados a la línea actual del grupo y especialmente al modo diferente de cantar de Ramón Lage con respecto a sus antecesores.
Este intento de re-escribir la historia causa, como es lógico, opiniones encontradas, ya que los fans que han seguido al grupo desde sus inicios se encontrarán con sus queridas canciones demasiado cambiadas, y ya se sabe que es muy difícil luchar contra los sentimientos de quienes adoran las versiones originales de esos temas.
Avalanch suena ahora mucho menos Power Metal, un camino que habían iniciado ya con “Los Poetas Han Muerto”. Los temas suenan más melódicos y la voz de Ramón Lage, prácticamente incompatible con la vieja concepción de los temas, suena ahora mucho más desahogada, ya que su más pausado timbre de voz se encuentra mucho más cómodo con estos nuevos arreglos, demostrando que es un gran cantante y callando muchas bocas que buscaban en él un clon de sus antecesores, más amantes de los agudos propios del Power Metal.
La selección de los temas, como en todo disco recopilatorio, queda abierta a discrepancias. Cada cual echará en falta algún clásico de la banda (por ejemplo “Torquemada”), aunque no hay duda que aunque no están todos los que son, sí que son todos los que están. Llama poderosamente la atención el predominio de temas rescatados de “El Ángel Caído”, 7 en total (más de medio disco) en detrimento de los discos anteriores: “La llama eterna” (1 tema) y “Llanto de un Héroe” (3 temas). Y algo que no se explica muy bien es la inclusión de 2 temas de “Los Poetas Han Muerto”, no porque no lo merezcan, sino porque chocan frontalmente con la idea de que este disco surgió para adaptar las canciones a la voz de Ramón Lage.
El sonido es superior al de cualquier disco anterior del grupo, aunque hay algo que nunca terminará de gustarme, y es esa batería con sonido “marca Windows” que pierde en sentimiento y feeling lo que gana de perfecto metrónomo informático. Su presencia en la mezcla es predominante, lo que acentúa ese sentimiento artificial.
Si nos desnudamos de sentimientos nostálgicos, la parte artística del disco, es decir, los nuevos arreglos y la forma de interpretarlos, es muy buena. Los temas suenan muy bien y la mayor parte de los nuevos arreglos se muestran acertados, visto desde la nueva perspectiva de la banda. Juntos conforman un disco compacto y de muy alto nivel,
“Juego Cruel”, “Antojo de un Dios” y “Las Ruinas del Edén” suenan mucho mejor con estos nuevos arreglos y la nueva línea vocal, y el resto de los temas mantienen una alta línea, (“Lucero”, “Corazón Negro”...)
¿Este disco supone un carpetazo con la etapa anterior? Tiene toda la pinta, aunque nunca se sabe lo que deparará el futuro. A mi me ha dejado buen sabor de boca.
AVALANCH “Muerte y vida” (2007)
Paso a paso, Avalanch se ha ido consolidando como una de las bandas más serias y competentes del panorama nacional. Tras los conocidos cambios habidos en el grupo, tanto en su formación como estilísticos, el grupo de Alberto Rionda ha logrado una estabilidad largo tiempo deseada, con la compañía de Marco Álvarez (batería), Roberto Junquera (teclados), Dany León (guitarras y coros), Fran Fidalgo (bajo) y Ramón Lage (voz). Esta formación, inalterada desde 2003, confiere al grupo un sonido compacto y atronador, responsabilidad de su líder, Alberto Rionda, quien una vez más se hace cargo de la producción y la composición de todos los temas, además de su brillante labor como guitarrista.
“Muerte y vida” es el décimo disco de Avalanch, en el que se pone de manifiesto la madurez de la banda. Su cada vez más dilatada experiencia, que incluye giras por Estados Unidos y Centroamérica, se plasma en este CD, lleno de temas con una calidad fuera de dudas, y en los que combinan la dureza instrumental, basada en unas guitarras poderosas y una contundente base rítmica, con la melódica voz de Ramón Lage. No cabe duda de que Alberto Rionda ha sabido ir diseñando Avalanch según su criterio, dirigiendo la nave en la dirección deseada. “Muerte y vida” es una demostración de que ese camino es acertado, ya que el disco suena poderoso y atractivo.
Afortunadamente, el viejo debate sobre la idoneidad de la inclusión en la banda de Ramón Lage como cantante ha quedado trasnochado. Lage es el lugarteniente ideal sobre el cual Rionda ha modelado Avalanch en torno a su gusto, y todos hemos salido ganando con ello. Ahora, Avalanch son mucho más versátiles y sus canciones tiene más detalles que escudriñar, poseen una riqueza que hacen de Avalanch ser uno de los grupos punteros del rock patrio. De hecho, Ramón Lage es uno de los triunfadores del disco, cuya voz poderosa, dulce o melódica según lo requiera el tema, se muestra extraordinaria y muy atractiva.
El disco contiene 11 temas, una hora de música en la cual muestran la evolución sufrida en el grupo en estos últimos años. Los temas suenan a metal más moderno, sobre todo en lo concerniente a las guitarras, pero siempre queda un poso que identifica a los Avalanch de la última época. Tenemos grandísimos temas como “Pies de barro”, en nuestra opinión lo mejor del disco, talonado con otras grandes composiciones como “Muerto en vida”, con un logrado cambio de ritmo, algo que se repite con éxito en “Otra vida”, que contiene además un gran solo de guitarra, de los mejores del disco junto al incluido en “Quien soy”, y que ponen de manifiesto que Alberto Rionda sigue siendo uno de los hachas con más talento de nuestro país.
También tenemos un par de baladas, “Aprendiendo a perder” y “Bajo las flores”, que aprovechan al máximo la voz elegante y melodiosa de Ramón Lage, al tiempo que instrumentalmente contienen una gran carga emocional. El punto más flojo del disco se encuentra en “La prisión de marfil”, un tema que no encaja con el resto del disco, con doble bombo a toda velocidad e inclusión de voz gutural en gran parte del tema, y que se sale de la línea homogénea trazada en el resto del disco.
Resumiendo, “Muerte y vida” es un paso adelante en la carrera de Avalanch, un gran disco que les consolida, si no lo estaban ya, como uno de los grupos punteros que podemos disfrutar en nuestro país.
AVALANCH “El ladrón de sueños” (2010)
Sin duda, Avalanch ha conseguido ser uno de los grupos más estables y longevos del panorama rockero nacional. Son muy pocas las bandas que pueden presumir de tener una docena de discos editados, contando además con una fiel legión de fans que les permite tener un status tan prestigioso como merecido.
Su último disco de estudio, “Muerte y vida”, data de 2007 y tras él el grupo asturiano editó un interesante disco-libro-DVD en directo llamado “Caminar sobre el agua” (2008). Ahora retoman la actualidad con este “El ladrón de sueños” en el que dan un paso adelante más en su carrera.
El disco ahonda en el estilo claramente definido en los últimos tiempos en Avalanch, basado en la combinación de dos tendencias supuestamente alejadas entre sí, pero que se armonizan de forma perfecta. De un lado una base musical contundente, liderada por la guitarra de Alberto Rionda y apoyada por el resto del grupo (Chez García –teclados-, Marco Álvarez -batería-, Francisco Fidalgo –bajo- y Dany León –guitarra-). Y por otro, Ramón Lage, sin lugar a dudas la voz más elegante del Rock español. Melódico y lleno de sentimiento, no duda en mostrar momentos de fiereza cuando el tema lo exige.
Esta combinación da buenos frutos, consiguiendo que Avalanch haya conseguido definir un inconfundible estilo propio, una vez que han conseguido estabilizar la formación y, sobre todo, han construido un grupo compacto apoyado en dos pilares fundamentales como son Rionda y Lage.
La producción es muy elaborada, con mucha riqueza y multitud de matices que invitan a escuchar el disco detenidamente, disfrutando de todos los matices y adornos que nos ofrece. Riff muy “llenos” y contundentes y un Alberto Rionda que demuestra su gran clase con pequeñas dosis, con solos cortos pero llenos de duende. Y sobre ellos la majestuosa y melodiosa voz de Ramón Lage es la delicada perla que enriquece este caparazón musical.
El disco contiene 11 cortes entre los que destacan por su calidad “Nunca es tarde” y, sobre todo, “Mil motivos”, un tema que lo tiene todo para hacerse un hueco entre la buena colección de clásicos que la banda atesora en su extensa discografía. En ambos temas la dupla Rionda – Lage brilla al más alto nivel, demostrando que este tándem tiene aún mucho que ofrecer en el futuro. El resto del disco mantiene un excelente nivel, ya sea derivando en cortes más melódicos (“Cuatro canciones”) o cuando hay que apretar los puños y descargar más agresividad (“Sin rumbo”).
El disco se cierra con dos temas que sorprenden por lo inusuales: “Where The River Flows” es el único tema cantado en inglés del disco, una bonita balada en el que la banda muestra su lado más tierno. Y el tema que pone fin al disco es “Melodía incompleta”, un corte instrumental en que el piano de Chez García es protagonista en su mayor parte, dejando la parte central para un impulso más vigoroso del resto del grupo.
Cuando un grupo tiene la longevidad de Avalanch, el factor sorpresa es algo muy difícil de mantener. Por ello, no se les puede pedir que hagan el disco de su vida cada vez que editan un nuevo trabajo. Sin embargo, “El ladrón de sueños” no desmerece en absoluto su buena trayectoria anterior, sobre todo desde la llegada de Ramón Lage a la banda, y demuestra que seguimos teniendo ante nosotros a una banda a tener en cuenta.
AVANTASIA “The Metal Opera” (2001)
El inquieto de Tobias Sammet, alma mater de los metaleros Edguy, nos obsequia de nuevo con una entrega discográfica, esta vez como proyecto paralelo a su banda y rodeado de un elenco de músicos que, de entrada, garantizan que el producto en cuestión merece la pena, y es que nombres como Kai Hansen (Gamma Ray), David DeFeis (Virgin Steele), André Matos (ex-Angra) o Markus Grosskopf (Helloween), algunos de los partícipes en el proyecto, son sinónimo de calidad. Una de las colaboraciones más gratas (al menos para mí) es la del desaparecido Michael Kiske (ex-Helloween), rebautizado para el proyecto con el pseudónimo Ernie (¿hasta tal punto reniega del Heavy Metal que tiene que camuflarse en un apodo?), el cual aparece en la práctica totalidad del disco (se nota que ha sido una influencia muy importante en la escueta aunque fructífera carrera de Tobias).
En cuanto al contenido del disco, supongo que huelga decir que se trata de una obra 100% Heavy Metal; tenemos temas ultrapegadizos a lo “Reach Out For The Light” o “Breaking Away”, temas más relajados como el épico “Farewell” (con la estupenda voz de Sharon Den Adel como colaboración) o la balada “Inside” (a medias entre Kai y André), himnos como el cañero “The Glory Of Rome” o la coral “Avantasia” y temas más complejos como “Sign Of The Cross” (¿de qué me suena a mi esto?) o el extenso final con “The Tower”. En cuanto al sonido decir que, inevitablemente, suena a una especie de cocktail de las bandas de sus colaboradores, es decir, un poco de Helloween por aquí, otro poco de Gamma Ray por allá, una pizca de Stratovarius (también colabora Timo Tolkki, el que hiciera de ‘padrino’ en la opera prima de Edguy “Vain Glory Opera”, aunque sólo como voz en off) y un poco (bastante) de Edguy, para darle el gusto final.
En síntesis, si eres degustador de las bandas citadas y del Heavy Metal melódico en general debes hacerte con este trabajo, pues despunta claramente entre las entregas discográficas más recientes. Esperemos que no se quede en un proyecto aislado y Tobias nos deleite en un futuro no muy lejano con otra entrega de similares características. Y a ver si lo supera!
David Fernández “Bubba”
AVULSED “Nullo (The Pleasure Of Self-Mutilation)” (2009)
Te puede gustar o no un grupo, pero decir que no gusta por uno de sus componentes, sin valorar lo estrictamente musical (como he oído y leído), lo encuentro algo absurdo, y más si ese componente es el alma máter de la banda y el que ha luchado por ella desde el comienzo, sin tenerle que deber nada a nadie (bueno sí, a los seguidores del grupo año tras año). Hablo del vocalista Dave “Rotten” al que recuerdo desde el comienzo de los 90 intentando dar a conocer a Avulsed en revistas como la añorada y gran Metali-K.O. Incluso después escribiendo en ella de infinidad de bandas underground que más tarde algunas fueron, y son, reconocidas y famosas. Sin olvidarnos, cual prensa rosa metálica, de las disputas en dicho medio entre “Rotten” y, si mal no recuerdo, gente como Juan “Obeja” de El Kaso Urkijo o Jorge de los madrileños The Natal Pride.
El próximo año 2011 Avulsed cumplirá ni más ni menos que 20 años en activo. Habiendo editado hasta el día de hoy cinco discos (incluyendo el que nos ocupa), además de sus primeras maquetas, recopilatorios, mini-CDs, DVDs… Tocando a lo largo de su historia por toda la geografía nacional y realizando bastantes giras en el extranjero: Europa, América, Japón… compartiendo cartel con infinidad de bandas nacionales e internacionales.
Cuatro años pasaron desde la edición de “Gorespattered Suicide” (Metal Age Productions, 2005) y “Nullo (The Pleasure Of Self-Mutilation)” (Xtreem Music, 2009). Editando entre medias el recopilatorio “Reanimations” (Xtreem Music, 2006) y el DVD “Reanimating Russia 2007” (Coyote Records). Cuatro años que sinceramente han merecido muchísimo la pena, porque quizás “Nullo (The Pleasure Of Self-Mutilation)” sea el mejor álbum y el más completo de toda la discografía de los madrileños.
Fue grabado y mezclado en “Room 101 Studio” de Madrid entre noviembre de 2008 y abril de 2009. Produciéndolo el grupo y Javier Fernández (The Heretic, Nexus 6), quien también ejerció de ingeniero. Las baterías fueron grabadas en los estudios VRS en octubre de 2008, siendo el ingeniero Samu. Aunque la post-producción de éstas se realizaron en “Room 101 Studio” por obra de Javier Fernández. Masterización por Javier y por Dave “Rotten” en mayo de 2009. Resultado de todo el proceso: ¡¡¡excelente y arrasador sonido en todo!!!
Avulsed marca las diferencias respecto a bastantes grupos de su mismo estilo, tanto nacionales como internacionales, porque, aunque su música es 100% Death Metal, en ella incluyen influencias y toques del Thrash Metal e incluso del Heavy Metal, pero sin resquebrajar esas bases y estructuras totalmente del puro Death Metal. Consiguiendo con ello unos temas que no pierden nada de brutalidad pero que resultan más atrayentes por sus grandiosos cambios de ritmo, riffs, melodías y solos guitarreros, sin caer en la monotonía, pesadez y brutalidad por brutalidad y por narices que caracteriza a muchas bandas del estilo. Siendo la inmensa voz de Dave “Rotten” un sello de distinción del grupo, recordándose en el interior del disco que no se utilizan efectos de distorsión para la voz.
La temática de las letras sigue siendo totalmente Gore, macabra y algunas veces con su toque de humor negro, con impactantes títulos y letras como “Breaking Hymens”, “Killing After Death”, “Voracious Backpacker”, el tema-título, “Nazino (Cannibal Hell)”, “Chestblood”…
El compañero de “Rotten” en Putrevore: Roger “Rogga” Johansson (Paganizer, Ribspreader...) firma, como en el anterior trabajo, en un par de letras: “Maggotfilled” y “Fair Flesh Obsession”.
Incluyen, como es costumbre, una canción con letra en castellano, aunque si no agudizas el oído ni te das cuenta que Dave “Rotten” canta en nuestro idioma materno. “Penectomía” cuenta una historia de una fémina que se dedica a coleccionar como trofeos miembros viriles.
Riky (ejemplar tras los tambores) pone su granito de arena compositivo con la corta “Infernal Haemorrhoids (Pt.2)”, continuando, pero de manera distinta, con lo comenzado en “Gorespattered Suicide”.
La intensidad se mantiene plenamente y satisfactoriamente durante los cuarenta y tantos minutos de duración del CD, desde el primer tema, “Breaking Hymens”, hasta el último, la tremebunda e inmensa “She´s Hot Tonight (In My Oven)”.
Rematan el enorme disco con la bestial portada de Mike Hrubovcak (vocalista de Monstrosity, Vile, Divine Rapture…) quien ha trabajado en portadas de Grave, Sinister, Monstrosity, Mortician, Cattle Decapitation... como puedes ver aquí.
“Nullo (The Pleasure Of Self-Mutilation)” es un gran álbum de un grupo que como he podido comprobar varias veces remata su gran clase en directo, dando memorables conciertos, incluso cuando condiciones externas se ponen en su contra, como pude ver, y te conté, el pasado agosto en el “I A Day Of Darkness Festival” en Almería. Esperemos que el vocalista Dave “Rotten” (Putrevore, Golgotha, Christ Denied…), los guitarristas Juancar (ex–Sacrophobia) y José María “Cabra” (ex–Bestial Lust; aunque no sabemos si éste sigue en la banda o no, puesto que los últimos directos y giras los está realizando Ricardo Moreno de Keys To Eternity, ex–Knell Odyssey, Nostradamus, Bestial Lust), el bajista Antonio “Tana” (ex–Mistress) y el batería Ricardo “Riky” (ex–Dark Erial, Rigor Mortis, La Víbora Lagarta) consigan llegar al 20º aniversario de Avulsed como hasta ahora y sigan por muchos años repartiendo Death Metal de calidad hasta que el cuerpo y los oídos aguanten.
AWAITING FEAR “Dead Inside” (2009)
Chico conoce chica durante la descarga de Slayer en el festival serbio Exit en julio de 2005. Dos meses más tarde Igor Lončar y Alisa Cerić se casaban. Ella cantaba (ex-Ormus, Kursk) y él tocaba la guitarra (Follower, ex–Kramp), desembocando su pasión por el Death Metal en el nacimiento del grupo Awaiting Fear en verano de 2007, uniéndose al matrimonio el guitarrista solista Filip Stojanović (Azazel), el bajista Nikola Milenković (Punished) y el batería Dejan Nikolić “Shvaba”.
El debut en directo de Awaiting Fear tuvo lugar en el “Samhaim Festival” el 1 de noviembre de 2007 en el club SKC de la capital Serbia. Después siguieron tocando por diversos garitos de Belgrado, para ampliar su radio de acción hacia otros lugares de los Balcanes, como las ciudades serbias de Novi Sad, Mol y Senta, en Sarajevo y Tuzla de Bosnia-Herzegovina…
Su primera demo fue “Engraved Memories” (2008), ya ocupándose del bajo y voces de apoyo Lazar Rapajić “Satan”, editada después por el Sello de Belgrado Dark Revolution / Insurrection como un E.P. También esa grabación se editó por L.H.D.L.B. Records en verano de 2008 en un compartido en cassette junto a los colombianos Elegia, bajo el título de “Deadly Path Entrance”.
El quinteto volvía a entrar al estudio en febrero de 2009. Y a principios de abril ya tenían su disco de debut listo, el cual en otoño de 2009 era editado por NoiseHead Records, la misma Discográfica que publicaba meses antes el segundo de sus paisanos Draconic, de los cuales ya te dimos cuentas por aquí.
Los de Belgrado citan entre sus influencias a grandes y conocidas formaciones como Bolt Thrower, Cannibal Corpse, Napalm Death, Obituary, Deicide, Vader, Behemoth, etc., y por ahí van los derroteros.
Nueve canciones con bases y estructuras del Death Metal más clásico, con los potentes gruñidos guturales esputados por la bestial Alisa, apoyados por una voz rasgada y rabiosa, de estilo Black Metal, por obra del bajista Lazar, no llegando éste a convencerme en sus intervenciones vocales. Echando en falta durante el disco más cuerpo y contundencia en las guitarras de Igor y Filip, y aún más en la batería de Dejan Nikolić “Shvaba”.
Ritmos marcados y pesados de la vieja escuela del Death Metal con algo de velocidad Thrash Metal, e incluso Punk, hay en piezas como “Funeral Throne”, y más rapidez en “Decomposed” y “Dead Inside”, ésta con melodías guitarreras, y habiendo filmado para el tema-título un videoclip.
La alternancia de voces de la vocalista Alisa y el bajista “Satan” se suceden durante “Globalistic Culture”. Voz, la de Lazar, que sirve para quedarnos mejor con el simple estribillo de “Rotten Meat Factory”, pero realmente cuando la escucho me gusta bien poco ese registro.
Otros temas que completan el debut son “Black Soul Vomit”, “Obsessed” y “Concrete Prison”. Pasando el primero, como la casi totalidad de las anteriores composiciones, por mis oídos con más pena que gloria. Salvando quizá del más absoluto olvido los otros dos, “Obsessed” y “Concrete Prison”, junto al tema que da nombre al trabajo.
El disco lo cierran con la canción “Engraved Memories”, volviendo a grabar el tema-titulo de su demo o E.P. Aunque hay una edición que incluye como última pista una versión al clásico “Cenotaph” de Bolt Thrower.
Sinceramente, el Death Metal de los de la capital de Serbia me ha parecido bastante normal y corriente, tirando a mediocre, estando en la misma línea que la fea portada del álbum. Un disco que no pasará a la historia, siendo uno más de los muchísimos que se pueden encontrar dentro de su estilo.
Hubo cambio de personal en la banda serbia, dejando sus filas el batería Dejan (tras su actuación en el “Exit Festival” de 2010) y el guitarrista Filip (a finales de 2010), siendo sustituidos por Veljko Lukić (Kramp, ex–All My Sins, Stormageddon) y Stefan Srejic, respectivamente.
Web AWAITING FEAR - Myspace AWAITING FEAR
ÁZIDO SULFURICO “Poemas malditos” (2006)
Ázido Sulfúrico son un grupo de Ahigal (Cáceres) que hacen una especie de punk-rock con mucha influencia de Extremoduro, tanto en la música como en las letras. Lo componen Rubén Galindo (voz y guitarra), Roberto Mateos (guitarra), Vidal Alcón (guitarra), Diego Alcón (batería) y Rubén Batuecas (bajo).
Ellos mismos se definen como punkis, anarquistas, borrachos, drogadictos, delincuentes y malos bichos (“Tierradura”), supongo que si ellos lo dicen será verdad, en cualquier caso “Poemas malditos” es su tercer disco (contando como tales las grabaciones “Suena la truena” de 2000 e “Hijos de...” de 2002), que cuenta con la colaboración del autor placentino Manolo Chinato recitando su poema “Poeta de pelo de estropajo” en el tema “Redentor”.
Su música es muy básica, justo lo que necesitan para decir lo que dicen, no hay que darle más vueltas. Sin embargo no termino de ver la necesidad de copiar tan descaradamente el estilo de Robe y los suyos. Es cierto que cada uno hace la música que le parece para pasárselo bien, pero que una discográfica crea que puede hacer negocio con clones tan descarados es no apostar por la originalidad, ni la innovación, ni la calidad musical, y sí por el filón abierto por los originales. “Si funciona la fórmula repetimos” puede que sea buena política empresarial, pero la aportación al mundo musical es prácticamente nula.
En cuanto al contenido, los temas van todos en la misma onda, muy similares, de buenas letras pero con una producción muy plana, lo que le añade un plus de aburrimiento al ya de por sí monótono disco. Sin embargo estoy seguro de que han sacado petróleo de una materia prima a la que la queda mucho todavía por trabajar.
Si os gustan los poemas musicados estilo Robe, y no sois demasiado exigentes con lo que entra por vuestras orejas, estos mis paisanos os harán pasar un buen rato.
Más información en www.azidosulfurico.com. Suerte.
AZRAEL “Libre” (2007)
Azrael vuelve tras cinco años de separación con un interesante disco publicado el pasado 18 de mayo bajo su propio sello, “Azrael Records”, quinto de su discografía, que viene a iniciar una nueva etapa en la vida del grupo, aparte de por la decisión de prescindir de su anterior discográfica, por la incorporación del joven cantante sevillano Miguel Carneiro, procedente de grupos locales como Hybernia y La Dama de Hierro.
“Libre” es un disco de heavy metal del de toda la vida, pero con un amplio espectro de matices que, sin salirse de los patrones clásicos, le da una riqueza que no tenían sus anteriores trabajos. Hay temas más hard-rockeros como “Todo o nada” y “Tan solo libre”, otros de corte más moderno como “Acción” y “Sin mirar atrás”, los hay clásicos como “Sigues ahí”, power metaleros como “El fugitivo”, y hasta una magnífica instrumental en la que pasan de “la tarara” a un revival del rock andaluz de finales de los setenta, ligan con una polka y rematan como empezaron, todo con unos buenos solos de guitarra por medio.
En general son composiciones más trabajadas que en sus discos anteriores, con la personalidad del grupo plasmada en su más reconocible sonido. Si queréis darle una vuelta a los temas, en el apartado de descargas de su web se puede escuchar completa “Tan solo libre”, y también fragmentos largos del resto.
Azrael son, además del mencionado Miguel Carneiro, cantante con gran futuro, Mario Gutiérrez y Enrique Rosales en las guitarras y voces, J.M. Salas en el bajo y Manuel ‘Maolo’ Arquellada a la batería.
Su mejor disco con diferencia.
AZRAEL “Metal arena” (2010)
El tiempo pasa sin remisión, y parece que fue ayer cuando servidor compraba en el desaparecido pub metalero granadino Orgasmatron la primera maqueta (en cassette de ordenador de la marca Socimag) de Azrael grabada en 1993. De aquella grabación continuaron, y continúan, en la banda el guitarra Enrique J. Rosales, el bajista Juan Manuel Salas y el batería Manuel Arquellada “Maolo” (si exceptuamos el corto período que estuvo Tino Torres tras los tambores). Después vino una segunda maqueta “Peor que animales” (1994), y cuatro discos: “Nada por nadie” (Producciones Peligrosas, 1996; más tarde reeditado por Locomotive Music con diferente portada), “Futuro” (Ámbar Producciones, 1998; distribuido por Locomotive Music), “Mafia” (Locomotive Music, 2000) y “Dimensión IV” (Locomotive Music, 2002)… además de recopilatorios, discos tributo (Iron Maiden, Barón Rojo, y Ñu)… muchísimos conciertos y festivales a lo largo del territorio hispano… y el parón de actividad durante unos cuantos años.
Los granadinos se reunían y retomaron la actividad con “Libre” (Azrael Records, 2007) –por ahí anda el comentario al mismo realizado por Alvar de Flack-, con la formación clásica inalterable más el sevillano Miguel Carneiro a la voz.
Con “Metal arena” (A New Label Records), ya su sexto álbum, estrenan de nuevo vocalista: Marc Riera, procedente de los ibicencos Dark Elf, y compañero de “Maolo” y J.M. Salas en Absolom (banda que surgía a comienzos del s. XXI antes de la ruptura de Azrael); e incluyen a un sexto componente, el teclista Javier Saavedra (Flying Dicks). Hay que recordar que Miguel Hernández (alma máter de Canker), desempeñó la función de teclista en directo a finales de la década de los 90 y comienzos del presente siglo.
Entre septiembre de 2009 y marzo de 2010 grabaron “Metal arena” en los estudios “Climbo”, como el título dado al primer disco en solitario del guitarrista Mario Gutiérrez, siendo precisamente éste, al igual que en el disco anterior, quien se encargó de las labores de producción (ayudado por Jaime Pérez de Sevilla en el tema “Soledad”), mezcla y masterización. Repitiendo también con Fernando Navarro “Nanderas_HM” a la hora de realizar el trabajo artístico y diseño gráfico del disco.
En “Libre” los granadinos se incursionaron en terrenos más hard rockeros, que en discos anteriores, sin olvidar el Heavy Metal. Ahora, con “Metal arena” digamos que retoman a composiciones más metaleras, pero sin dejar de lado el Hard Rock y otros estilos cosechados en el pasado, como el Power Metal europeo. Así, del primer bloque tenemos: “Decirte adiós” (precedida de la introducción instrumental “Metal arena”) con toques de Metal Neoclásico; “El precio de todo” tiene detalles de un sonido más moderno y progresivo, como continúan en el comienzo y en partes de “Para bien o para mal”, uno de los temas que más me han cautivado del disco y en el que participa en los coros Helena González, quien también ayudó creativamente en el anterior tema, y en diversas letras; “Momentos bajos” está dotada de un rápido ritmo; y durante “Vendetta” me traen a la cabeza recuerdos de los Saratoga de Leo Jiménez. Con aires más de Hard Rock hallamos: la un tanto relajante “Soledad” (compuesta entre el guitarrista Enrique y el bajista Salas, al igual que “El umbral”); “Aire nuevo”, tiene una letra bastante buena y realista; como realista también es, “Rock Star”, donde ponen los pies en el suelo, y es que en nuestro país hacer música, y más en concreto Rock y Metal, trae más quebraderos de cabeza y pérdidas económicas que otra cosa; y la floja “El umbral”.
Ponen de manera ejemplar la guinda en el cierre con la extensa (prácticamente ocho minutos) instrumental “El guitarrista sobre el tejado”, una gran composición del seis cuerdas Mario Gutiérrez (Flying Dicks, Physycal, Supernova…) con armonías tradicionales del folclore ruso inspirada en la banda sonora de la clásica película “El violinista en el tejado”, donde el bajo fue grabado por Benjamín Díaz “Benji” (Tortura, Canker), y que se encuentra también en el segundo disco en solitario de Mario Gutiérrez, “Subatomic Energy” (2010). Hay que volver a decir y resaltar que Mr. Mario Gutiérrez es un excelente guitarrista y compositor, que quizá no es debidamente tenido en cuenta en el panorama metalero hispano, marcando la diferencia sobre algunos más reconocidos, haciendo que Azrael no sea una banda más del montón, y es que para servidor sin él los granadinos perderían bastante, sin desmerecer en absoluto a sus compañeros, donde quizá el más flojo para servidor siempre ha sido el carismático, y conocido personalmente y apreciado, batería Maolo.
Si pensé que el fichaje de Miguel Carneiro fue un acierto para la banda (lo siento, pero con el timbre de voz del vocalista Manuel Moral no podía ni en disco, y mucho menos en directo), ahora han vuelto a dar en el clavo con la entrada de Marc Riera, aunque pienso que aún puede mejorar su labor y sorprendernos más en un futuro.
Un par de discos en esta nueva etapa de Azrael, con dos cantantes diferentes, y dos discos que me han gustado, consiguiendo que los granadinos se mantengan como una de las formaciones ya veteranas de nuestro país a un buen nivel y recomendados en directo.
Dentro de poco Azrael, con mucho esfuerzo y arrojo, comienzan el “Metal Forces United Tour” por el país, junto a los italianos Arthemis y otros granadinos, los extremos Sexton´s Orchids. Las inminentes fechas en octubre de 2011 son: el jueves 20 en la sala Metalarium (Badajoz), viernes 21 en la sala El Tren (Granada), sábado 22 en la sala Rock City (Valencia), y domingo 23 en sala Stereo (Murcia).