Horroroso Malo Regular Bueno Brillante Excepcional
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LYNCH MOB “Smoke And Mirrors” (2009)
El guitarrista George Lynch, tras intentar sin fortuna entrar en la banda de Ozzy Osbourne en dos ocasiones, se dio a conocer y alcanzó el éxito con Dokken entre 1980 y 1989. Grabando cuatro discos de estudio (“Breaking The Chains”, “Tooth And Nail”, “Under Lock And Key” y “Back For The Attack”) y un directo (“Beast From The East”).
Después de la ruptura de Dokken a comienzos de 1989, el guitarrista no tardó en reunir una banda con el vocalista Oni Logan (ex-Ferrari, Defiance), el bajista Anthony Esposito (ex–Tall Stories, Beggars And Thieves…) y su compañero en Dokken Mick Brown a la batería, debutando como Lynch Mob con el disco “Wicked Sensation” (1990). Esa formación no duró mucho, puesto que tras girar por Europa, Japón y USA, Oni Logan dejaba la banda y después se unía al guitarrista Rowan Robertson (ex–Dio) en el proyecto Violet´s Demise.
Con Robert Mason (ex–Magnum (USA), Adrian Dodz, The Pact) a la voz grabaron el segundo disco, “Lynch Mob” (1992). Pero al no conseguir la misma aceptación que el primer álbum, Lynch decidía disolver el grupo y editaba bajo su propio nombre “Sacred Groove” (1993) con distintos vocalistas (Ray Gillen, Glenn Hughes…) y músicos.
Dokken volvían a reunirse en 1994 con su formación clásica (Don Dokken, Jeff Pilson, Mick Brown y George Lynch) grabando “Dysfunctional” (1995), el acústico en directo “One Live Night” (1996) y “Shadowlife” (1997). Regresaron las luchas de egos y peleas entre el vocalista Don Dokken y Lynch, volviendo éste a dejar el grupo.
La primera formación de Lynch Mob se juntó de nuevo, y dio como resultado el E.P. “Syzygy” (1998). Esa reunión fue un abrir y cerrar de ojos, porque en 1999 se editaba el tercer larga duración de Lynch Mob: “Smoke This”, acompañando al guitarrista: Kirk Harper (voz, ex-Oil), Gabe Rosales (bajo), Clancy McCarthy (batería, ex-Oil) y Paul Pesco (teclados). Después de la gira Lynch Mob quedaba aparcado durante una temporada, aunque hubo una fugaz gira a finales de 2000 con Oni Logan de nuevo, el bajista Sean MacNabb (Great White, ex-Quiet Riot, Rough Cutt) y el batería Jimmy D´Anda (ex-Bulletboys).
Tras varios proyectos y discos en solitario del guitarrista, la formación del segundo trabajo (George Lynch, Robert Mason, Anthony Esposito y Mick Brown) grababa “Evil: Live” (2003) y con Michael Frowein (Jet Red) a la batería “REvolution” (2003), donde se le daba un sonido más moderno a antiguos temas de Lynch Mob y Dokken (cantando éstos su compañero en Dokken el bajista Jeff Pilson). El directo “REvolution Live!” se editaba en 2005.
Oni Logan publicaba su disco en solitario, “Stranger In A Foreign Land”, en 2006. Y sorpresivamente en 2008 Lynch Mob regresaba con Logan y Lynch acompañados por el bajista Marco Mendoza (ex-Thin Lizzy, Whitesnake, Ted Nugent…) y el batería Tommy Aldridge (Thin Lizzy, ex-Whitesnake, Ted Nugent, Ozzy Osbourne, Pat Travers…), aunque éste fue suplido por Fred Coury (Cinderella) en directo durante la gira veraniega por USA.
Para afianzar el reencuentro y la magia entre Oni Logan y George Lynch grabaron “Smoke And Mirrors”, con Marco Mendoza al bajo y a la batería Scott Coogan (Ace Frehley, ex–Brides Of Destruction). Editando el disco Frontiers Records.
El guitarrista comenta que “Smoke And Mirrors” es la continuación a “Wicked Sensation”, y efectivamente, tras años de bandazos y devaneos, tanto con discos posteriores de Lynch Mob, como en solitario y con proyectos, se puede decir que este nuevo disco nos evoca las buenas sensaciones que comunicaba ese debut.
El dúo Logan / Lynch funciona perfectamente como en los comienzos, o como la buena época de Dokken, respaldados por una gran base rítmica. Lo podemos apreciar en la inspiración de los temas hard rockeros, donde se mezcla de muy buenas maneras el sonido clásico con otro más fresco y actual, como la inicial “21st Century Man”, “Time Keepers” (donde Lynch se sale, teniendo un riff inicial, y más adelante, donde me trae a la mente a Dokken), “Let The Music Be Your Master” (como si uniéramos un poco de Alice In Chains y otro poco de Black Sabbath), “The Phacist”, “Where Do You Sleep At Night?” (el espíritu de Hendrix planeando)… con la buena labor de Oni Logan, comunicándonos con su voz cálida mucho más que otros cantantes que tiran de agudos y falsetes.
El Southern-Rock de “Smoke And Mirrors” nos puede recordar a Badlands o a unos Allman Brothers, aunque hay una parte instrumental antes del solo de guitarra de sabor Funk. Más aires de ese estilo mezclados con Hard Rock se escuchan en “My Kind Of Healer” y “Revolution Hero”.
La más suave “Lucky Man” con sus coros es ideal para ser un single y surcar las ondas hertzianas. George Lynch sigue dando muestras de su gran clase a las seis cuerdas tanto en los temas más duros como en esta ocasión.
El genuino Glam-Rock inglés asoma la cabeza en “Madly Backwards”. Y me sorprenden con “We Will Remain” deudora del sonido Rainbow / Yngwie Malmsteen era Turner.
“Before I Close My Eyes” me suena bastante a Bon Jovi en su estribillo, y junto a “Lucky Man” son los temas más blandos y asequibles para el gran público.
Incluyen un tema extra: “Mansions In The Sky”, donde Logan por momentos me recuerda al malogrado Phil Lynott y otras a Coverdale.
Se ha vuelto a demostrar con este disco claramente. Si George Lynch piensa editar más trabajos bajo el nombre de Lynch Mob debería hacerlo con la compañía de Oni Logan. Si algo funciona perfectamente, ¿para qué cambiarlo?
AVULSED “Nullo (The Pleasure Of Self-Mutilation)” (2009)
Te puede gustar o no un grupo, pero decir que no gusta por uno de sus componentes, sin valorar lo estrictamente musical (como he oído y leído), lo encuentro algo absurdo, y más si ese componente es el alma máter de la banda y el que ha luchado por ella desde el comienzo, sin tenerle que deber nada a nadie (bueno sí, a los seguidores del grupo año tras año). Hablo del vocalista Dave “Rotten” al que recuerdo desde el comienzo de los 90 intentando dar a conocer a Avulsed en revistas como la añorada y gran Metali-K.O. Incluso después escribiendo en ella de infinidad de bandas underground que más tarde algunas fueron, y son, reconocidas y famosas. Sin olvidarnos, cual prensa rosa metálica, de las disputas en dicho medio entre “Rotten” y, si mal no recuerdo, gente como Juan “Obeja” de El Kaso Urkijo o Jorge de los madrileños The Natal Pride.
El próximo año 2011 Avulsed cumplirá ni más ni menos que 20 años en activo. Habiendo editado hasta el día de hoy cinco discos (incluyendo el que nos ocupa), además de sus primeras maquetas, recopilatorios, mini-CDs, DVDs… Tocando a lo largo de su historia por toda la geografía nacional y realizando bastantes giras en el extranjero: Europa, América, Japón… compartiendo cartel con infinidad de bandas nacionales e internacionales.
Cuatro años pasaron desde la edición de “Gorespattered Suicide” (Metal Age Productions, 2005) y “Nullo (The Pleasure Of Self-Mutilation)” (Xtreem Music, 2009). Editando entre medias el recopilatorio “Reanimations” (Xtreem Music, 2006) y el DVD “Reanimating Russia 2007” (Coyote Records). Cuatro años que sinceramente han merecido muchísimo la pena, porque quizás “Nullo (The Pleasure Of Self-Mutilation)” sea el mejor álbum y el más completo de toda la discografía de los madrileños.
Fue grabado y mezclado en “Room 101 Studio” de Madrid entre noviembre de 2008 y abril de 2009. Produciéndolo el grupo y Javier Fernández (The Heretic, Nexus 6), quien también ejerció de ingeniero. Las baterías fueron grabadas en los estudios VRS en octubre de 2008, siendo el ingeniero Samu. Aunque la post-producción de éstas se realizaron en “Room 101 Studio” por obra de Javier Fernández. Masterización por Javier y por Dave “Rotten” en mayo de 2009. Resultado de todo el proceso: ¡¡¡excelente y arrasador sonido en todo!!!
Avulsed marca las diferencias respecto a bastantes grupos de su mismo estilo, tanto nacionales como internacionales, porque, aunque su música es 100% Death Metal, en ella incluyen influencias y toques del Thrash Metal e incluso del Heavy Metal, pero sin resquebrajar esas bases y estructuras totalmente del puro Death Metal. Consiguiendo con ello unos temas que no pierden nada de brutalidad pero que resultan más atrayentes por sus grandiosos cambios de ritmo, riffs, melodías y solos guitarreros, sin caer en la monotonía, pesadez y brutalidad por brutalidad y por narices que caracteriza a muchas bandas del estilo. Siendo la inmensa voz de Dave “Rotten” un sello de distinción del grupo, recordándose en el interior del disco que no se utilizan efectos de distorsión para la voz.
La temática de las letras sigue siendo totalmente Gore, macabra y algunas veces con su toque de humor negro, con impactantes títulos y letras como “Breaking Hymens”, “Killing After Death”, “Voracious Backpacker”, el tema-título, “Nazino (Cannibal Hell)”, “Chestblood”…
El compañero de “Rotten” en Putrevore: Roger “Rogga” Johansson (Paganizer, Ribspreader...) firma, como en el anterior trabajo, en un par de letras: “Maggotfilled” y “Fair Flesh Obsession”.
Incluyen, como es costumbre, una canción con letra en castellano, aunque si no agudizas el oído ni te das cuenta que Dave “Rotten” canta en nuestro idioma materno. “Penectomía” cuenta una historia de una fémina que se dedica a coleccionar como trofeos miembros viriles.
Riky (ejemplar tras los tambores) pone su granito de arena compositivo con la corta “Infernal Haemorrhoids (Pt.2)”, continuando, pero de manera distinta, con lo comenzado en “Gorespattered Suicide”.
La intensidad se mantiene plenamente y satisfactoriamente durante los cuarenta y tantos minutos de duración del CD, desde el primer tema, “Breaking Hymens”, hasta el último, la tremebunda e inmensa “She´s Hot Tonight (In My Oven)”.
Rematan el enorme disco con la bestial portada de Mike Hrubovcak (vocalista de Monstrosity, Vile, Divine Rapture…) quien ha trabajado en portadas de Grave, Sinister, Monstrosity, Mortician, Cattle Decapitation... como puedes ver aquí.
“Nullo (The Pleasure Of Self-Mutilation)” es un gran álbum de un grupo que como he podido comprobar varias veces remata su gran clase en directo, dando memorables conciertos, incluso cuando condiciones externas se ponen en su contra, como pude ver, y te conté, el pasado agosto en el “I A Day Of Darkness Festival” en Almería. Esperemos que el vocalista Dave “Rotten” (Putrevore, Golgotha, Christ Denied…), los guitarristas Juancar (ex–Sacrophobia) y José María “Cabra” (ex–Bestial Lust; aunque no sabemos si éste sigue en la banda o no, puesto que los últimos directos y giras los está realizando Ricardo Moreno de Keys To Eternity, ex–Knell Odyssey, Nostradamus, Bestial Lust), el bajista Antonio “Tana” (ex–Mistress) y el batería Ricardo “Riky” (ex–Dark Erial, Rigor Mortis, La Víbora Lagarta) consigan llegar al 20º aniversario de Avulsed como hasta ahora y sigan por muchos años repartiendo Death Metal de calidad hasta que el cuerpo y los oídos aguanten.
ALAE NOCTIS “Alae Noctis” (2009)
La simple pero, para servidor, atractiva portada puede formar una idea de que este disco es de tendencias oscuras. Pero la contraportada puede despistar al verse a dos componentes con sus caras pintadas cual banda de Black Metal y otros dos miembros con máscaras antigás de las que se usan en el Electro Dark. Alae Noctis, o “Las Alas de la Noche” traducido al castellano, dotan a sus composiciones de un halo oscuro y gótico, habiendo bastante variedad en las canciones que componen su primer disco, pudiendo clasificarlos dentro del Dark Wave.
La idea de formar una banda surge en 1997 en Cartagena (Murcia), pero esa idea se consolida definitivamente a finales de 1998 cuando unos jovencísimos Daniel (batería) y Diego (guitarra) quedaban para tocar y ahí empieza a nacer el grupo. Después de la marcha del primer bajista entran Guillermo a la guitarra y José Luis al bajo.
Tras el paso de los años y de un buen número de componentes (en el libreto del disco se agradece a siete nombres de los Alae Noctis “originales”) a finales de 2004 entra Ángel “Shock” como guitarra, quedándose Alae Noctis como cuarteto, no buscándose reemplazo para el último teclista que pasó por la banda, “Keeper”, que abandonaba a mediados de 2006.
Así la formación más estable estuvo compuesta por: Diego “Dandy Dark” (cantante y guitarra sintetizada), Daniel (batería electrónica), Guillermo “Khein” (cantante y bajo sintetizado) y Ángel “Shock” (guitarra sintetizada). Decidiendo finalmente el nombre de Alae Noctis, tras haberse llamado antes de distintas maneras: Andrómeda, Nostalgia, Imperator… En verano de 2006 grababan con un ordenador portátil su primera maqueta, “Grabaciones caseras 2006”, compuesta por doce canciones que luego volverían a grabar para su álbum debut.
En junio de 2007 Alae Noctis entraban por primera vez a unos estudios profesionales para registrar su primer disco. Los estudios elegidos fueron los Mirage, de su población, Cartagena. Produciendo el grupo, junto a Javier Cabrera, los doce temas. Una producción que aunque no es mala, podría haber sonado bastante mejor, especialmente la batería, que quedó con un sonido demasiado apagado y pobre.
Los componentes que vienen en el libreto, y que supongo que fueron los que grabaron el disco, son: Diego “Dandy Dark” (voces y guitarra sintetizada), Álvaro “Pollo” (guitarra sintetizada y sustituto de Ángel “Shock” que dejó el grupo en abril de 2007), Guillermo “Khein” (bajo sintetizado y voces) y Dani (batería electrónica).
Diversidad de estilos en el trabajo y en las canciones, pero siempre con ambientes oscuros, tenebrosos… “Night-owl Young” es la primera toma de contacto con el grupo. Buen tema de inicio, rockero y gótico, con cierta semejanza sonora a Héroes del Silencio, pudiendo mejorarse el inglés de Diego.
La grabación vira para ser dominada por sonidos electrónicos, ideales para danzar en plena oscuridad, en “Dark Crystal Dreams” (desconozco por qué no viene la letra en el libreto) y “Shockwave” (de letra escueta pero de sonoridad concisa y techno). La apocalíptica y futurista “The End Of The World” nos trae la locura y contundencia de unos Ministry, acompañada con efecto en la voz, siendo ésta un constante hilo o susurro en todo el tema.
“Dreams Maker” es una de las joyas del disco, una suave composición (balada) acompañada por unas excelentes notas de piano (¿quién tocará las teclas a lo largo del disco?, por ninguna parte del libreto se informa) y unas guitarras realizando magníficas melodías.
Los cartageneros nos trasladan a las películas de miedo y terror de serie B y a los 80 con “Fiesta en el cementerio”, alternándose dos voces y de claras influencias After Punk. “Espectros” es totalmente de ambiente oscuro y gótico y podría perfectamente formar parte en alguna banda sonora de película de Tim Burton.
El disco para mi gusto desciende con “Scorpio´s Moon” (otra composición baladística), “El peregrino del Hades”, un tema instrumental de sonidos y ambientes tenebrosos y terroríficos que sirve como introducción (haciéndose pesado al alcanzar un poco más de seis minutos) para “Trance”, donde Diego más que cantar recita.
Después de ese bajón con los tres anteriores cortes, vuelven a buen nivel con “Leyenda visigoda” (tercer y último tema que escuchamos en el disco cantado en castellano), donde sorprenden con sonidos Folk y temática de leyenda.
Concluyen el CD con otra canción normal de electrónica, techno y gótica: “Spells Of Love”, donde volvemos a echar en falta un mejor inglés.
Aunque el disco fue autoproducido, y en el librero consta el año 2008, el Sello Mutant-e Records lo publicó en 2009.
Un buen debut que me ha sorprendido para bien por sus canciones variadas y de diversos estilos que abrazan la oscuridad. Atraerá a gente que le guste lo oscuro y siniestro, sin cerrarse en ninguna etiqueta.
Según leo ha habido novedades en el seno del grupo, entrando como bajista “Suso” y pasando “Khein” a la guitarra sintetizada, siguiendo Álvaro “Pollo” a la guitarra sintetizada, y Diego “Dandy Dark” a la voz y guitarra sintetizada. Utilizando caja de ritmos para las baterías.
JERIKÓ “Covers” (2009)
Sabía de la existencia de Jerikó, pero por unas cosas u otras nunca los había escuchado. Lucia Chiarenza, de la promotora argentina Pure Evil, paliaba mi desconocimiento enviándonos el último disco de los argentinos. Un álbum que no es el idóneo para conocer en profundidad a la banda, puesto que en su mayoría está compuesto de versiones a clásicos del Heavy Metal internacional. Aunque también hay material propio: una nueva canción y tres vídeos en directo. Pero antes de desgranar el contenido del disco, informemos un poco sobre la historia de la formación que lleva más de 15 años al pie del cañón.
Jerikó comenzó a gestarse en octubre de 1992 después de la disolución de las bandas Heinkel y Retrosatán. Walter Meza (voz), Javier Cuevas (guitarra) y Diego Blanco (batería), procedentes de Heinkel, se unieron a Claudio Duliba (guitarra) y Marcelo Bracalante (bajo), viniendo ambos de Retrosatán. “Bajo mi ley”, grabada en verano de 1993, fue su primera maqueta. Giraron por toda Argentina, compartiendo conciertos con Hermética, Lethal, Logos, Rata Blanca…
En 1995 abren para los brasileños Angra, y publican “En vivo”, su segunda maqueta, con un tema en estudio y tres en directo. En esa época hubo cambios de componentes, siendo las novedades en la voz Juan Soto (Humanimal, ex-Magika) y a la batería Marcelo Bertolocci.
Después de abrir para Malón en el microestadio de Ferrocarril Oeste, editan independientemente su primer disco: “Tierra violada” (1997), grabando la batería Gustavo Cutri, quien al poco tiempo fue sustituido por Jorge Perini (Magika, ex–Renacer, Adrián Barilari). El disco debut les lleva a presentarlo en directo por diferentes zonas de la geografía de Argentina, llegando a abrir para Yngwie Malmsteen, y realizando su primer concierto fuera de su país, en la ciudad paraguaya de Encarnación.
“Tensiones” (1999) es el segundo larga duración del quinteto, incluyéndose una versión al clásico tema “Resistiré” de nuestros Barón Rojo.
En el 2001 siguen tocando en directo acompañados a la voz por Christian Bertoncelli (Imperio, Renacer, ex-Horcas). En junio de ese año tocaban por primera vez en Uruguay (en su capital, Montevideo) junto a los locales Sigma Sentinel (luego Sigma y hoy en día Sighmä). Y en agosto entraba a la batería Germán Rodríguez, y grababan con el vocalista Daniel Medina “Agord la bruja”, para el tributo a Rata Blanca.
El tercer disco de estudio, “En la sangre” (KBCI, 2003), cuenta con la voz de Darío Iván Sención (Watchmen, ex-Humanimal, Hipnosis, Arkanus).
En 2004 se publicaba “Jerikó” (2M Producciones), un CD integrado por material inédito perteneciente a demos grabadas con su primer vocalista, Walter Meza (Horcas, ex-Heinkel…), en 1995.
“XII En Vivo” (Blackstar C.P., 2005), supone el primer directo del quinteto, con temas grabados de tres conciertos dados en septiembre de 2005.
El disco de estudio “Instinto” (Blackstar C.P., 2007) les lleva a editar el DVD “Vivo 15 años, 1993 – 2008” (Hurlingmetal / Prisa, 2008), filmado en el concierto dado en Súper Rock en junio de 2008.
Hasta ahora el tema más reciente grabado en estudio por Jerikó es el primer corte de “Covers”, con un título supongo que provisional: “Nuevo tema Jerikó” (o quizás sólo se llame como el grupo), nos muestra a una banda que suena muy bien, muy compacta, con guitarras (Javier Cuevas y Claudio Duliba) de escuela Tipton / Downing, una sólida y presente base rítmica (Marcelo Bracalante y Germán Rodríguez) que me encanta como atrona, y la voz de Darío Iván Sención que es ideal para el sonido del Heavy Metal más clásico que realiza el grupo.
Después de esa novedosa canción hay cinco versiones a temas clásicos y más que reconocidos del Heavy Metal. Y aunque he visto por la Red un cartel publicitando que en el disco están todos los “covers” de la carrera de Jerikó no es del todo cierto, porque faltaría el “Resistiré” de Barón Rojo, aparecido en “Tensiones”, y también “The Clairvoyant” de Iron Maiden, añadido como extra (junto a dos temas más en directo), en la re-edición de dicho disco en 2007.
“The Green Manalishi (With The Two Pronged-Crown)”, el tema original de los ingleses Fleetwood Mac y versioneado y hecho suyo por sus compatriotas Judas Priest, es la primera versión que escuchamos. No hay ninguna pega que ponerle a la ejecución de los argentinos.
La siguiente en el disco es el clásico “Flight Of Icarus”, que apareció por primera vez como tema escondido en “Instinto”. Al igual que la anterior, calcan el tema de La Doncella de Hierro.
Jerikó integró el álbum “Muerte al falso Metal – Tributo argentino a Manowar” (2004), y de ahí está sacada “Fighting The World”. Vuelven a hacerlo de manera casi fidedigna.
Otro disco en el cual participaron fue “Hangar Of Souls – A Tribute To Megadeth” (2005), en el que también estaban los, hoy ya desaparecidos, riojanos Red Wine con “In My Darkest Hour”. Incluyeron dos temas, que son los que también escuchamos en “Covers”: “Peace Sells” y “Symphony Of Destruction”. Se informa que en las dos versiones de los de Dave Mustaine canta con el grupo el vocalista Paul Di´Anno pero estaré muy sordo, porque no percibo en absoluto la voz del ex–Iron Maiden en “Peace Sells”, sólo escucho a Iván, eso sí, doblándose. En cambio en “Symphony Of Destruction” sí, Di´Anno canta con su voz rota y metiendo algunos tonos cuasiguturales. La relación con el vocalista inglés viene de antaño, cuando Paul eligió a los instrumentistas de Jerikó como banda para respaldarle en vivo en sus conciertos por Argentina en marzo de 2001. Volviendo a hacerlo en 2004 en otra gira por Argentina y Sudamérica. Incluso preparando, con mucha parsimonia, un disco junto al británico.
“Covers” se completa con tres vídeos en directo filmados el 15 de junio de 2008 en su concierto en Súper Rock (Buenos Aires) ante más de 500 personas: “Libre otra vez”, “En penumbras” y “Oscuro ser”, los cuales formaron parte del DVD “Vivo 15 años, 1993 – 2008”.
Un trabajo que está simplemente bien, sin más, aunque en las versiones fueron a lo que ya tenían hecho, temas más que conocidos y sin variaciones, excepto algo en la realizada con Paul Di´Anno. Hubiera preferido canciones menos manidas de las bandas versioneadas, o incluso mucho mejor, que hubieran hecho versiones a clásicos del Metal y Rock argentino, sudamericano e incluso español, para servidor hubiera sido mucho más atractivo.
CESSATION OF LIFE “Path Of Totality” (2008)
Las huestes de Chris Violence y Ron Ostlund aparecen de nuevo en The Sentinel con motivo de su tercer disco de larga duración. Los conocí con el segundo, “Kill You Again” (2002), seguido del E.P. “The Glory Of The World Is Passing” (2005), ambos comentados en esta casa.
Después de la edición del E.P. Travis Anderberg dejó la formación y fue sustituido por Marty Mostad, siendo la primera grabación del guitarrista con Cessation Of Life este “Path Of Totality” donde ya en el primer corte, “Murder In The Pit”, Marty desde el inicio deja su impronta a las seis cuerdas, dotando a la potentísima y poderosa canción de bastante técnica guitarrera.
Durante “Waiting For The End” nos siguen apabullando sónicamente con la voz de Chris Violence, unas veces más agresiva que otras, el excelente trabajo tras la batería de Ron Ostlund… y el muro de guitarras y destreza de Marty Mostad.
“Admitting” es una corta pieza, con ruido de puertas, suaves guitarras, voces… que sirve de introducción a “Life In Camarillo”, basada en un ya desaparecido psiquiátrico que había en su localidad, Camarillo (California, USA). La banda continúa demostrando la calidad de obras anteriores y del inicio del presente disco, dejando escucharse más el bajo.
“Necropolis” es otra demostración de la gran pegada de Ron con su batería, teniendo el tema partes que pueden recordar a Slayer.
De ritmo más pausado, bajando revoluciones, es “Reason To Live”, pero no por ello desciende el nivel del disco, al revés, se erige como uno de los temas más carismáticos del álbum.
“Ignorance And Apathy”, con sonido de tormenta, sirve para el lucimiento del bajista Justin Harrison, dando paso a la fiereza de “Untranquil Seas”, la composición de mayor duración y cuya letra está basada en el libro “Islands, Oceans And Dreams” de Michael Slavaneshi.
El estribillo más “comercial” y pegadizo de todo el disco lo escuchamos en “Hot Rod Heaven”, un tema muy metalero dedicado al mundo de las competiciones de coches en USA.
“Into Pieces” no me llama tanto la atención como el resto de temas, aunque ni es malo ni sobra.
La voz de Chris Violence desata todo su potencial furioso y logra acongojar en “Everyone And Everything”.
“The World Today” posee un rápido ritmillo (acompañado por la voz más natural de Chris Violence) que me resulta algo gracioso al imaginar como se bailaría, mezclándolo con voz más grave, acercándose a la gutural, y más tralla musical.
El grupo desde que lo conozco ha ido sufriendo bajas en su formación, pero cuando quizás otras bandas se desvanecerían o perderían fuerza, a Cessation Of Life les ha servido para irse superando y crear mejores discos. “Kill You Again”, lleno de visceralidad y mala leche, me gustó bastante, pero con “Path Of Totality” además de lo mejor que tenía ese segundo álbum, está dotado de más variedad, sin perder la esencia del enérgico y puro Metal, y técnica, ganada con el estupendo trabajo a la guitarra de Marty Mostad.
En el mismo año de edición de “Path Of Totality”, publicaron ellos mismos, como es norma habitual desde su primer disco, el recopilatorio “1996 – 2006”, incluyendo un compendio de temas y rarezas en sus diez años como banda.
Como sucede en esta vida no hay nada eterno y Ron Ostlund, co-fundador de la banda, decidió dejar la batería a mediados de 2009. Una gran perdida para el sonido de Cessation Of Life, aunque si a lo largo de su existencia se han superado tras la marcha de músicos, seguro que con el nuevo batería, Mike Jacobs (que hizo su debut con el grupo el pasado 14 de agosto de 2009 en The Key Club de Hollywood), logran seguir creando grandes canciones y discos.
Si ya conocías a Cessation Of Life “Path Of Totality” no te va a defraudar en absoluto, si no, te recomiendo que escuches sus temas para disfrutar y que te vuelen la cabeza con su “High Velocity Speed Metal” (como ellos denominan su estilo).
Web CESSATION OF LIFE - Myspace CESSATION OF LIFE
ZARPA “Iberia” (2009)
Son el mejor ejemplo de perseverancia en el mundo del Rock. No en vano llevan luchando 30 años por hacerse un hueco en el difícil, y a veces cruel, panorama rockero español. Casi siempre ignorados y a veces hasta despreciados, Zarpa no ha cedido en su empeño de asentarse como uno de los grupos a los que hay que tener en cuenta.
Hace unos años, y ya que ningún sello español parecía dispuesto a apostar por la banda valenciana, la sorpresa vino de la mano de Karthago Records, una discográfica alemana que vio en Zarpa un potencial que muchos le negaban por aquí. Nadie es profeta en su tierra, que dicen. El caso es que su último trabajo, “El yunque contra el martillo”, cerró muchas bocas demostrando la calidad de la banda.
Dos años después, de nuevo de la mano de Karthago Records, Zarpa vuelve a la carga con “Iberia”, un trabajo en el que potencian aún más sus virtudes, ofreciéndonos una obra compacta y contundente, que vale mucho más que lo que cuesta. En él tenemos dos trabajos en uno: por un lado, el nuevo disco, en el cual demuestran que los años no les han restado ni un ápice de energía. Y por otro, un DVD con gran parte del concierto ofrecido en la Sala Fussion de Valencia el 7 de marzo de 2008 conmemorando su 30 aniversario, cuya crónica tenéis disponible en nuestra sección de Conciertos.
“Iberia” sigue, e incluso mejora, la línea de “El yunque contra el martillo”. El disco nos ofrece 13 nuevos temas en los que demuestran que el grupo está en un punto óptimo de su carrera. Vicente Feijóo sigue liderando el grupo con fe inquebrantable, bien escudado en Rafa Játiva y en la contundente base rítmica formada por Vicente Romero y Bienvenido Godoy, cada día más técnico y contundente a la batería.
El disco rebosa Heavy Metal cañero y contundente. La madurez de la experiencia se combina con una energía desbordante, apoyada por la contundencia comentada de la base rítmica, demoledora en temas como “Rosas y espinas” o “Tierras de hierro y de acero”. Únicamente levantan el pie en la balada “Siempre te recordaré”, algo previsible y que sirve para dar un respiro al disco. Sobre el buen nivel del disco, destacan temas como “Ángeles negros, demonios blancos”, en el que Vicente Feijóo se lamenta del ostracismo en el que siempre ha estado el grupo, “Mi gente del Rock”, la propia “Iberia” o “Reporteros del miedo”, en el que rinde homenaje a los siempre sufridos corresponsales de guerra.
El final del disco nos trae la repetición de 3 temas en versión inglesa, quizás fomentados por Karthago Records, sin duda orientados a introducir al grupo en el mercado europeo, donde ya ha hecho algunas incursiones.
Una bonita portada y un excelente sonido terminan de redondear un trabajo sólido en el que el DVD incluido es algo más que un regalo. En él está reflejado gran parte del concierto del 30ª aniversario, con buena imagen aunque con una realización mejorable, en las que podemos comprobar el estado de forma de la banda en directo. Con una duración de hora y cuarto, la mitad del concierto ha quedado fuera, dejándonos con las ganas de disfrutar de un DVD completo de la banda. Aún así, el repertorio rescatado sirve perfectamente para hacerse una idea casi exacta de lo acontecido aquella noche, y despertarnos las ganas de ver a la banda en directo. Al final del concierto podemos contemplar un emotivo momento: A mitad del tema más emblemático de la banda, “Herederos de un imperio”, se intercalan imágenes históricas del grupo interpretando el tema, superpuestas sobre las imágenes reales. Al tiempo, Zarpa invitó a subir al escenario a excomponentes del grupo, que subieron a saludar al tiempo que se recordaba su paso por la banda. Un bonito detalle, muy adecuado para celebrar el aniversario motivo del concierto.
“Iberia” demuestra que Zarpa no es un grupo que viva del pasado, sino que se mantiene como una excelente opción del presente. ¿Será esta la ocasión definitiva para demostrar su valía? Ojalá sea así.
Web Oficial ZARPA - MySpace ZARPA
SKYDANCER “Endorsed By Self-Destruction” (2009)
Segundo larga duración de esta banda viguesa que sobre una base de Heavy Metal componen canciones en las que podemos percibir Death Metal melódico, Thrash, Gothic Metal… todo ello con un halo de oscuridad.
Daniel F. Soengas y Jonathan Lago se conocieron al ser presentados por José Gonçalves en un concierto. En febrero de 2004 comenzaban a tocar versiones y a mediados de 2005 Dani decide el nombre de Skydancer. En aquella etapa el grupo estaba compuesto por José Gonçalves (voz), Dani y Jonathan a las guitarras y un batería que no duró mucho. Después José pasaba a tocar el bajo y Daniel, además de la guitarra, se encargaba de la voz.
Con composiciones propias, y sin batería, entran al estudio y graban la demo “L´Enfant Terrible” (2006). Después de la maqueta ocupaba el puesto de batería Alexandro, pero luego es sustituido por Diego Gómez y dan vida en los estudios Mix-Plus de Vigo a su primer disco, “Pozo de lágrimas” (2008), primero autoeditado y luego distribuido por Santo Grial. Tras la edición del álbum debut Bruno Pla pasaba a tocar la batería.
“Endorsed By Self-Destruction” fue grabado en la habitación de Daniel Soengas, “Bedroom studios”, durante noviembre de 2008. Corriendo el propio joven músico con la producción, mezcla y masterización, y aunque lógicamente el resultado es mejorable, es de halagar el buen sonido conseguido, mejor que el de muchos discos que son grabados en estudios profesionales. Si en la maqueta y el primer disco las letras eran en castellano, para esta ocasión han optado por el inglés, habiendo tan sólo dos canciones cantadas en castellano.
En algunos sitios se criticó el trabajo vocal de Dani en “Pozo de lágrimas”, no he tenido la oportunidad de escuchar el debut, pero en “Endorsed By Self-Destruction” la voz rasgada casa perfectamente con el tipo de música que hacen los gallegos, pudiendo recordarme en ocasiones a un Boni (Barricada) más duro, metálico y rabioso o en otras a Tom “Angelripper” (Sodom).
Los temas de apertura son “The Voice Of Misery” y “Her Ghost”, dos buenas y rápidas piezas metálicas donde mezclan el Death Metal melódico y el Speed / Thrash Metal. La letra de la primera supongo que va dirigida a la gente que criticó la labor vocal de Dani en el pasado. La segunda al principio se iba a llamar “Ghost Of Patrice” y tiene unos riffs que me traen muchos recuerdos a Jeff Waters y sus Annihilator.
“Stigia”, la primera canción en castellano y cuya primera aparición fue en la demo, tiene un cargado ambiente oscuro, con bajadas y subidas intensas de melancolía. Podríamos clasificarla dentro del Gothic Metal. Le sigue el segundo y último tema en el idioma de Cervantes, “Polvo de diamante”, una buena composición donde predomina el Dark Metal, aunque también hay Thrash, Power…
El siguiente tema está compuesto por el guitarrista Jonathan Lago “Jony” y es una instrumental con el simple título de “Jony´s Song” y donde interviene Blas Segura al bajo. Si a lo largo del disco las guitarras hacen una buena labor, aquí se despachan a gusto desprendiendo sentimiento.
“See You In My Hell”, trabajada a medias entre Soengas y Lago, precede a la rápida “Dead Man Broken” y a “(Rolling...!) Down The Church Of Self-Destruction”, también hecha a pachas entre los dos guitarristas que en ésta y en otras parecen guitar-heroes.
El buen trabajo de los gallegos concluye con una segunda instrumental (de inicio oscuro y misterioso), con el título del disco, “Endorsed By Self-Destruction”, teniendo dos partes, siendo la segunda (que suena transcurrido cerca de un minuto) más ambiental, paranoica y agobiante, al tener un sonido maquetero y con constantes pitidos de código Morse.
Este segundo disco es una buena muestra de que se pueden realizar las cosas en condiciones con pocos medios y por el amor a la música. Felicitar a Skydancer y su alma máter, Daniel Soengas, que además de cantar, tocar la guitarra, encargarse de los sintetizadores, ser letrista de los temas, responsable de toda la grabación… realizó el diseño gráfico y la oscura y simple portada.
Las más recientes noticias del cuarteto gallego son que Cristian Durán (ex–Neverside) se hizo cargo del bajo, transcurridos pocos meses de 2009 (cuando se editaba el disco comentado), tras la marcha de José, y que están a punto de editar un E.P. con el título “Way Of Departed” el próximo mes de febrero de 2010. Además han sido los primeros confirmados para el “Lusitania de Peso Metalfest IV” el sábado 6 de marzo de 2010 en la sala MetalPoint de Oporto (Portugal).
OUTLOUD “We´ll Rock You To Hell And Back Again!” (2009)
Excelente debut de este grupo compuesto de músicos que están repartidos por distintas ciudades del mundo (New York, Hamburgo, Londres y Atenas) y cuyos miembros más conocidos son el guitarrista y teclista Bob Katsionis (Firewind, ex–Nightfall…) y el batería Mark Cross (ya ex-Firewind, Winters Bane, Helloween, Metalium, Kingdome Come…).
El germen de Outloud comenzó cuando en el año 2004 Tony Kash recibía clases de guitarra de Bob Katsionis en Atenas (Grecia). Pronto comenzaron a confeccionar demos, pero les hacía falta un vocalista y Bob pensó en un cantante que había conocido en New York en el 2008 en una de las giras de Firewind por USA. Así que se puso en contacto con Chandler Mogel (ex-Talon, NYC Outlaws, Cities, Until Destiny), el cual había recibido clases de Tony Harnell (Starbreaker, ex-TNT), y pronto el norteamericano viajaba a Atenas para poner su voz en una demo grabada en el estudio de Bob. Aunque un problema en el ordenador hizo que se borraran todos los archivos grabados. En vez de abandonar, lo que hicieron fue que el proyecto pasara a ser un grupo.
A Tony Kash, Bob Katsionis y Chandler Mogel se les unió un amigo de Tony, el bajista Jason Mercury (Seliger Minuetum, Evil Intentions, Eternal Twilight…) y el batería Mark Cross (por aquel entonces compañero de Bob en Firewind). En septiembre de 2008 entraban en Basement Studio de Atenas y grabaron su primer álbum: “We´ll Rock You To Hell And Back Again!”. Bob se encargó de producir prácticamente todo el disco, y el toque final en mezcla y masterización fue realizado en Dinamarca por el reputado Tommy Hansen (TNT, Helloween, Pretty Maids...) en sus Jailhouse Studios. A finales de agosto de 2009 Frontiers Records ponía a la venta el disco en Europa, apareciendo semanas después en USA, y Japón (con el tema “Lovesigh” en versión eléctrica como extra).
Genial la elección del tema de apertura con “What I Need”, muy enérgico y el cual te pone las pilas en poco tiempo. Tiene un comienzo que me trae a la mente a Van Halen, y luego te puede recordar a Whitesnake, Riot… Sonando todo excelentemente, tanto las guitarras, batería… y la gran voz de Chandler, un cantante desconocido para servidor pero que tendré que tenerlo en cuenta en el futuro.
Pero el disco no sólo se queda en el tema impactante de inicio y lo demás baja el nivel, para nada, “We Run” (al que han hecho un videoclip, te hará que cantes el estribillo casi sin darte cuenta), “Tonight” (con unas teclas que me traen a la cabeza el primer disco de Bon Jovi) y “Search For The Truth” (de riff pegadizo y enorme estribillo con el vocalista bordándolo) mantienen un gran nivel de calidad.
La primera balada del disco, “This Broken Heart”, está bien, pero no me entusiasma, quizás siendo, junto a la otra balada que hay, “Lovesigh” (el décimo tema), los cortes que pondría los últimos de mi lista.
“Breathing Fire”, con el tema inicial y el final (“Out Loud”), es de las composiciones donde dan más cera. Caña y melodía al estilo de los mejores Riot (no te confundas, no me refiero a los del “Thundersteel”).
“Wild Life”, “Broken Sleep” y “Out In The Night” (gran trabajo a la batería de Mark Cross) siguen confirmándonos que estamos ante un gran grupo que esperemos que siga por muchos años con la inspiración que demuestran en este álbum debut.
Para rematar, el brillante disco tiene, para mi gusto, una buena portada, muy ochentera (el trabajo artístico y el diseño por Bob), apareciendo en ella la modelo y cantante griega, JB Sleazy de la banda Sex-Rated.
En noviembre de 2009 Sverd (Bare Infinity) sustituyó al bajo a Jason Mercury, y durante el pasado diciembre realizaron el tour “We Run All Over Greece” que les llevó por cinco ciudades griegas. Como en sus directos Outloud sean igual o mejor que en disco tiene que ser una gozada verlos en vivo.
LA PERRA PARDA Y LA CAMADA LECHOSA “PornoMetal” (2008)
De primeras el nombre de esta banda llama la atención, aunque por el nombre algunos confundirán el estilo que hacen. Servidor de primeras creía que era un grupo de los muchos que abundan en nuestro territorio de Punk-Rock, pero al saber del título del disco, “PornoMetal”, uno ya variaba y se imaginaba una banda de Metal con letras al estilo Juampa y La Raja, “El Chivi”… o los primeros Lujuria. Ciertamente, de porno hay poquísimo en el disco, por no decir nada, si acaso las fotos de cada componente acompañado y unas pocas letras de canciones (“Te vas a quemar”, “Es lo que hay”, “Muévete”, “Rock And Roll” y “Que la fuerza te acompañe”). ¿El estilo?, pues yo diría clásico Heavy-Rock muy básico, trillado y simple.
El grupo surge a finales del invierno de 2003 en Palma de Mallorca por el guitarrista Tomeu Serra “Tomsons” y el batería Bart Vaquer “Lord Bartimor”. Pronto entra la vocalista Marisia Miró “Malizia”. La banda quedaba completada con el guitarrista Miquel Cloquell “Maikels” y el bajista Arnau Mulet. Sus primeros conciertos tienen lugar a comienzos de 2004, destacando el Marrocktxí en el Festival Park en Marratxí (Mallorca).
Por una promoción del Consell Insular de Mallorca, en agosto de 2004 grababan su primera maqueta: “Dragones & Mazmorras”. Consiguiendo en el 2005 tocar por diferentes lugares de Mallorca y participar en concursos de formaciones locales (KardsVerdstaken, Pop-Rock d’Alaró…).
Su primer concierto fuera de la isla tuvo lugar en 2006, participando en el “IV Game Over Festival” en Reus (Barcelona), compartiendo escenario con BandelPalo, Berri Txarrak… A finales de 2006, gracias a otra promoción del Consell, graban su segunda maqueta: “Muévete”.
“PornoMetal” fue grabado (mezclado y masterizado), como sus dos anteriores maquetas, en los estudios de Carles Seguí en Bunyola (Mallorca), desde marzo a octubre de 2007. Produciendo el propio grupo el disco.
Azrael Records se encargó durante el 2009 de promocionar el autoeditado disco de los mallorquines. Sonando demasiado pretencioso al decir en la hoja de promoción que acompañaba el disco: “...destaca la impresionante voz de Marisia Miró, sin duda, la mejor vocalista de Metal de España.” ¡Menos mal que hace ya años dejamos de creernos a pie juntillas lo que dicen algunos medios, promotores…! De acuerdo que la vocalista es lo que más destaca de la formación, tiene potencial, estando su voz en un primer plano en la grabación, pero le falta trabajar y pulir más su voz. Lo malo del álbum es que la grabación y el sonido logrado es más de maqueta que de disco (hay muchas maquetas que nos llegan con mejor calidad sonora que este trabajo), además que los instrumentistas tampoco es que mejoren el resultado final con sus dotes.
Emplean para abrir el disco uno de sus temas más heavies, “Dragones y mazmorras”, con unos coros épicos simples pero la mar de efectivos y que seguro harán una buena labor para ser acompañados por la peña en sus conciertos, el defecto es que los alargan hasta la extenuación repitiéndolos y repitiéndolos (el final es bastante operístico), consiguiendo que la canción llegue a casi los ocho minutos de duración.
En “Te vas a quemar” (también con coros operísticos), los niveles de sonido cambian respecto a la anterior (algo que sucede en según que tema), escuchándose más altos los instrumentos y tomando cierto protagonismo el bajo de Arnau. Participa Pep Vaquer a la voz. Habiendo más participaciones vocales a lo largo del disco, como en el medio tiempo “Es lo que hay”, que cuenta con los coros de María Mayol, y teclas, sonando éstas también más adelante, desconociendo quien se hizo cargo de ellas.
De entre la quema del disco salvaría “Muévete”, aunque no me gusten nada como suenan las guitarras aquí y en todo el álbum (unas veces bajas, otras altas, o molestamente chirriantes y agudas), composición de Heavy-Rock con la letra más subida de tono de todas las líricas, desde un punto de vista femenino. Y otro tema a destacar es la siguiente, “Rock And Roll”.
Desde ahí hasta el final con “Las apariencias engañan”, “Dark Day”, tema en inglés junto a “No T.T.” (con coros de Francis y Kony), “Déjame en paz”, “El poder del Metal” (curiosamente un tema tan típico falto de fuerza y con la constante de la grabación de sonar horribles las guitarras y batería), “Que la fuerza te acompañe” y “El grillo cruel” pasan con más pena que gloria por mis oídos.
Para los que han disfrutado del disco se sentirán contentos de que haya tres temas extras (¡para servidor no!): otro en inglés “Do It”, “El Infierno” y el titulado “Himno”, siendo una adaptación en castellano a uno de los primeros temas más pegadizos de una banda teutona con personal y original vocalista chiquito, y que mi amigo Juanjo cantaba la tira de años como “¡Ay mis huevos!”.
Desconozco la aceptación que habrá tenido “PornoMetal”, pero muchas cosas deben cambiar en La Perra Parda… para que mi opinión, tras escuchar repetidas veces los quince cortes, mejore sobre ella y ellos de un grupo más que básico, simplón y muy muy regular que se ha precipitado en grabar su primer disco, y más con un sonido tan nefasto.
Durante 2009 el quinteto tocó en el primer día (viernes 23 de enero) del “Battlefield Metal Fest” en la sala Durango (Meliana, Valencia), compartiendo tablas con Obscure, Minotaur, ADX, Crystal Viper, Redimoni y Visceral Damage; y en mayo en Granada en el “I Festival de Cultura Urbana De Albolote Solidario”. Dejando el grupo el bajista Arnau, siendo su sustituto Pedrilord.
También han grabado una versión al tema “Dame amor” de Ángeles del Infierno que integra “Unidos por el Rock - Tributo Internacional a Ángeles del Infierno” y que edita el Sello mexicano Carpe Diem Records.
Myspace LA PERRA PARDA Y LA CAMADA LECHOSA
SISTER MOON “Sister Moon” (2008)
En España muy habitualmente los grupos de Rock y Metal han compuesto su música basándose en formaciones foráneas. Muchas han sido las que han intentado emular, con mayor o menor acierto, el sonido de dos grandes de la música Hard Rock y Heavy Metal: Black Sabbath e Iron Maiden. Pero no es tan habitual que en nuestro territorio un grupo diga que su sonido e influencias lo basan en las dos citadas históricas bandas, en la N.W.O.B.H.M. y en otras grandes formaciones oscuras como Mercyful Fate, Saint Vitus, Cirith Ungol… Quizás para algunos no le resulte nada atrayente, pero a servidor con sólo leer eso le pareció que Sister Moon ya tenían algo ganado a su favor. Aunque después habría que empaparse auditivamente de la música de los gallegos a ver si esa atrayente mezcla resultaba convincente y buena.
La historia de Sister Moon se inició en mayo de 1998 en La Coruña. Es en ese mismo año cuando surge su primera maqueta, “Sister Moon”, grabada por Kaine (voz y piano eléctrico), Pablo Fernández (guitarra), Álex Díaz (bajo) y Carlos “Trueno” Posada (batería). La segunda maqueta, “Moon Over The Seven Daughters Of Lilith”, ve la luz en el 2000, con cambio de guitarrista: Tito Calviño.
El año 2001 trajo la incorporación de un segundo guitarrista, “Chino” Rodríguez, y el registro en directo (¡tan sólo en seis horas!), de su tercera maqueta, “III”, en los estudios Treboada.
Tito Calviño abandonaba la formación en 2002, siendo Dis su sustituto.
Seis años tardaron en volver a grabar, apareciendo la cuarta maqueta, “Time To Kill”, en 2007. Esta grabación fue el preámbulo o adelanto a su primer álbum, grabado y producido por el grupo en su propio estudio (Moon Cave) y en los estudios Treboada, mezclándose y masterizándose ahí por Paco Liaño en 2007.
Si te gustan grupos de la New Wave Of British Heavy Metal y el Hard Rock & Heavy Metal más genuino, clásico y puro, con una aureola siniestra y oscura, Sister Moon será un grupo que te llegue muy dentro, como me ha sucedido a mí cuando escuché este primer álbum autoeditado. Te transportan a aquella época de los 70 y 80, pero aunque en sus composiciones hay muchísimo de grandes bandas de aquellos años, no suenan añejas, ni caducadas, ni son meras copias… han conseguido grabar ocho grandes canciones que van desde el heredado sonido de la N.W.O.B.H.M. de los dos buenísimos temas de apertura: “Right Now!” (genial comienzo introductorio con melodías de guitarras) unida a “Better Off Dead”, hasta las influencias de los mejores Iron Maiden en “I´ll Walk Alone” y la épica de “Time To Kill”, entre medias el genuino Hard Rock setentero de “Foolish Laughter” y la sabbathica “Roots Of Evil”, y entre esas dos “Oblivion”, que tiene un comienzo hard rockero para después ser una canción que se acerca al Thrash Metal. La guinda a tan magna obra la coronan con la extensa y estupenda “Marriage” (aparecida por primera vez en su tercera maqueta), de inicio totalmente deudor del sonido de los cuatro locos, oscuros y grandes de Birmingham.
Auténtica y personal es la voz de Kaine, variándola como quiere con agudos (final de “Better Off Dead”, “Foolish Laughter”, “Roots Of Evil”…), y hasta un poco de gutural en “Marriage” (como suele hacer el vocalista en la formación que no hace mucho te presentábamos por aquí: Traboute).
Los músicos aunque no son grandes virtuosos, y ni falta absoluta que hace, salen victoriosos ante cada composición. La pareja de guitarras (“Chino” y Dis) nos colman de excelentes riffs, solos, melodías, dobles melodías…; y el bajo de Álex y la batería de “Trueno” construyen una base rítmica que realiza su papel con perfección, solidez y empaque.
Para el que suscribe, la primera obra de los gallegos es un discazo, incluyendo servidor en esa palabra la simple pero, para mi gusto, estupenda portada con el conseguido logo. Incluso el dibujo de la doble luna (obra de Nor Prego) que aparece en el libreto (con sus letras) y en el CD son una obra de arte.
Después de diez años en el grupo (1998 – 2008), el bajista Álex cedía su puesto a Carlos “Cadáver” Dopico (ex–Machetazo, Demented, Cenotaph…), pero en la actualidad el bajo corre a cargo de Álex Mella (Bloodhunter…).
Muchas veces digo que el panorama metalero y rockero de nuestro país requiere de grupos que innoven y no se estanquen en lo mismo de siempre, pero si también hay bandas que asientan sus pilares y estructuras en el “pasado” componiendo y ejecutando de la manera en que lo hacen los gallegos, pues enormemente bienvenidos sean.
Sister Moon, un grupo muy grande que requiere que sea más conocido en nuestro país y con la suficiente clase y calidad para llegar a otros países del mundo.
NECROPSY “Deathprayer” (2009)
A lo largo de la historia del Death Metal ha habido y hay un buen número de bandas con el nombre de Necropsy repartidas por todo el planeta Tierra. Sin traspasar nuestras fronteras, en la década de los 90 existieron los catalanes Necropsy.
Los Necropsy que nos ocupan están ubicados en Nuremberg (Alemania) y se formaron en 2001 por Jörg Schönsteiner (guitarra; Donnergroll), Marco (bajo) y Martin (batería). El vocalista Robert Janßen entraba en 2002, grabando la primera demo “Demon” en 2003.
En el 2004 aparece su segunda demo, “The Chosen One”, incorporándose en el mismo año como segundo guitarra Lars Lüttge y poco después el bajista Lutz Lohmann reemplazando a Marco. En 2006 el batería Martin deja su puesto y un año después, 2007, el vocalista Robert abandonaba la banda, con lo cual de la primera formación quedaba sólo el guitarra Jörg. Pero habiendo ya encontrado vocalista, Christoph Dietrich “Chriggy”, y batería, Sascha Pratnekar (Deathronation), y dispuestos a grabar el primer álbum, Jörg por problemas de tendinitis deja el grupo.
Así que como cuarteto (Lars, Lutz, Sascha y “Chriggy”) deciden entrar a grabar su primer álbum en Rebound Studios. Los diez temas de los que consta “Deathprayer” (algunos ya aparecidos en sus demos, como el caso de “Blood On Me”, “Hostage Of War”, “The Chosen One”…) son registrados en julio de 2008 con el productor Simon Hammer. Siendo en septiembre cuando se mezclan y masterizan. A finales de 2008 contactan con NoiseHead Records y el Sello austriaco finalmente editaba la primera obra de los alemanes en marzo de 2009.
Apropiado título para el disco, en castellano “Oración de Muerte”, donde escuchamos puro y típico Death Metal, influenciado por el más clásico Death Metal europeo y norteamericano. Sonando muy potentes, oscuros, mórbidos, funerarios… en ocasiones casi acercándose al Doom Metal, pero que en los cerca de cuarenta y cuatro minutos que duran los diez cortes muchas veces da la impresión de estar escuchando el mismo tema alargado, con apenas leves variaciones entre canción y canción, teniendo el vocalista “Chriggy” un buen vozarrón grave y gutural pero que no varía, haciéndose monótono tras la sucesión de los temas.
Predominan los tempos pesados, marcados y lentos asentados sobre gruesos muros de riffs (escasos solos de guitarra), aunque también en algunos temas los mezclan con más velocidad en determinados momentos (“Blood On Me”, “The Chosen One”, “Preaching Insanity”…). “Deathprayer”, “Last Revenge” “My Tormentor” y “Empty Words” poseen un poco más de variedad y técnica respecto a las otras, más simples y básicas: “All The Grief”, “Hate”, “Hostage Of War”… que si las escuchas individualmente no están mal, pero en conjunto el debut de los germanos se me hace bastante plomizo.
Necropsy a lo largo de su historia ha compartido escenario con Suffocation, Dying Fetus, Deranged, Fleshless… y tocó en el segundo escenario del festival Metalcamp 2008 (Eslovenia) como premio por ser los ganadores del concurso de la banda más votada.
A comienzos de diciembre de 2009 se anunciaba la noticia negativa de la marcha del bajista Lutz Lohmann, buscándose sustituto en estos momentos. Pero por otro lado, el guitarrista Jörg Schönsteiner, recuperado de su tendinitis regresaba a Necropsy. Por lo pronto volverán a tocar como quinteto junto a los grupos Inzane, Bastard y Chaos Leaving Storm el 30 de enero de 2010 en Rodalben (Alemania).
KOSTO AND FULL “A.D.I.C.T.O.M.I.A.” (2008)
Vuelven a aparecer los barceloneses Kosto And Full en The Sentinel con motivo de su segundo disco. Un disco que al igual que su primera obra, “Esparciendo el veneno” (2004), comentada por Alvar de Flack, es autoeditada.
“Esparciendo el veneno” lo presentaron en directo, además de en conciertos y festivales por tierras catalanas, en Córdoba (“Festival Metal Lords 2005” y “Festival Califa Rock 2006”) y Zaragoza (en la sala Utopía en 2006). Tocando junto a grupos como Blitzkrieg + Skyclad + Koorpiklaani… (en el “Festival MartoHell Horns Up 2007”), Gauntlet, Barbarian, Killem + Legen Beltza (en “Festival Thrashcelona 2007”)…
Para registrar “A.D.I.C.T.O.M.I.A.” regresaron a los Feel Back Studios (“Thrashcelona”) bajo los mandos, otra vez, de César J. Cisneros entre julio y septiembre de 2007. Grabándolo en veintiséis días. Masterizándolo en Mastersound Studios (Alemania) Alex Krull (Atrocity) en noviembre de 2007.
Los componentes de este segundo disco fueron los mismos que grabaron el primero: Raúl Casales (voces), Antonio Muñoz (guitarra y voz), Josep Lluis Huerva (guitarra), Luis Bernal (bajo y voces) y Alberto Muñoz (batería).
Había leído sobre Kosto And Full que era un grupo de Thrash Metal a secas y escuchando las diez canciones que componen “A.D.I.C.T.O.M.I.A.” (con su mascota Cruggy en portada) yo no catalogaría al quinteto catalán sólo con ese estilo. Se podrían asemejar a grupos como Ktulu, Brutal Thin´, Flitter… bandas que tienen, o tenían, influencias del Thrash Metal en sus composiciones, pero mezclándolas con otras diversas, pudiendo catalogarse como Crossover. Es cierto que en variadas ocasiones los riffs de las guitarras son propios del Thrash Metal, pero también en las canciones hay cambios y partes que diremos que son Metal en sentido amplio, quedando en la mayoría de los casos composiciones que no llegan a redondear plenamente y están poco definidas. No agradándome tampoco del todo la voz de Raúl, aunque se esfuerza en variar de registro, incluso utilizando a veces uno menos agresivo y melódico (“Sin salida”, “Sabor amargo”, “Escaparé”, “1000 noches”…), pero que no queda bien del todo para mi gusto.
Positivamente diré que destaca el trabajo de los guitarristas Antonio y Josep en riffs y en solos (aunque abusen de las notas más agudas y chirriantes y en ocasiones les falte más fuerza), al igual que la labor de la base rítmica de Luis y Alberto, también podría haber quedado mejor el sonido conseguido de la batería del último.
“Nada nuevo” es el tema de arranque del CD y para servidor mi favorito, con diferencia, de todo el disco, dotado de buenos riffs guitarreros y momentos Thrash. Otros que no están mal son “A.D.I.C.T.O.M.I.A.” (hubiera quitado esa voz melódica de Raúl que hace contraste con la agresiva, pero que no me cuaja), la parte guitarrera de los solos con la base rítmica de “Charcos de hambre” (porque el tema se lo cargan esos horrorosos tarareados de “ná-ná-ná-ná…”), “Fanático loco” y “De testigo el Cielo”.
El grupo con el disco grabado tuvo que ir atrasando su presentación (¡vio la luz en diciembre de 2008!, en una edición limitada en CD de 500 copias) porque se le fueron acumulando problemas. Hubo dos bajas en su formación: el vocalista Raúl Casales se centró más en su vida familiar y laboral y dejó la banda a finales de 2007; y el bajista Luis Bernal (uno de los que comenzaron a darle vida a Kosto And Full en 1996 junto a los hermanos Muñoz; y también antiguo forero de esta casa) abandonaba a comienzos de 2008, trasladándose a vivir a Madrid y después a Canarias. Por otro lado Brais, su técnico de sonido durante más de dos año, se marchó a vivir a Galicia. Y para colmo, la banda se quedó sin local para ensayar.
Encontraron local y pronto nuevo bajista, Marcos Ródenas, y después tras probar a ocho vocalistas se quedó Ricardo Magaña, aunque no duró mucho tiempo (desde parte de 2008 hasta parte de 2009), regresando Raúl para echarles una mano, mejor digamos voz, en directo hasta octubre de 2009. Haciéndose finalmente con el puesto de vocalista Charlie (ex–Torquemada, Horizonte Vertical, Rango, Hotz, Adder…) a finales de 2009.
Como últimas noticias, según leo en su Myspace, andan buscando batería. Encontrándose ya componiendo nuevos temas para su tercer disco. Esperemos que sea el definitivo para consolidarse.
Mientras componen, graban y editan su tercer trabajo, y si no conoces a Kosto And Full, puedes entrar en su página web o Myspace y escuchar algunos temas o bien bajarte gratuitamente “A.D.I.C.T.O.M.I.A.” y juzgar por ti mismo lo que te parecen. Aunque también venden su discografía y camisetas a buenos precios.
Web KOSTO AND FULL - Myspace KOSTO AND FULL
JUDAS PRIEST “A Touch Of Evil” (2009)
Absurdo disco en directo de un grupo que vive de las rentas desde hace ya bastante tiempo. A menos que se trate de lavar la cara diciendo con él algo así como “hemos publicado una castaña en estudio pero tranquilos, que en directo seguimos siendo Judas Priest”, no tiene sentido publicar un disco en directo cuando ya se tienen varios, mucho más completos, de los últimos años. Es que ni siquiera se trata del disco de una gira, sino que está grabado en diferentes actuaciones entre 2005 y 2008, como si se tratara de material aprovechable de otros proyectos en directo desechados, o algo así (no lo sé, sólo lo intuyo).
Otra posibilidad es que usen este disco en directo para demostrar que los nuevos temas incluidos en “Nostradamus” suenan muy bien en directo. Tampoco lo sé, es una suposición, pero si fuera así tampoco consiguen nada incluyendo un tostón del calibre de “Messenger Of Death” y una mediocridad como “Prophecy” que, a la sazón, es de lo poco salvable de su último disco en estudio. Y no lo consiguen porque, aunque el disco en general tiene buen sonido, ya no hay quien se crea que eso que está sonando son ellos en directo. Es como el cuento de la zorra y las uvas. En cualquier caso, son los dos momentos más bajos de un disco en directo totalmente prescindible.
El resto del relleno son clásicos como “Riding On The Wind”, “Painkiller”, “Eat Me Alive” o “A Touch Of Evil”, además de otros de los menos comunes en sus conciertos, como “Between The Hammer And The Anvil”, “Beyond The Realms Of Death”, “Dissident Agressor” y “Hellrider”. También incluyen “Judas Rising” que usan para abrir el disco a modo de grito de guerra tras la debacle de “Nostradamus”.
Los temas suenan bien, ya digo, y están empalmados como si fuera una sola actuación y, claro, lo escuchas y es Judas Priest, especialmente cuando los clásicos hacen olvidar los nuevos. Por supuesto que siempre es bueno escuchar a un grupo en directo (¡¡¡pero en directo!!!) pero esto no es lo que podría ser. Creo que hubiera sido preferible un disco en directo que plasmara lo que te puedes encontrar en cualquier concierto de la gira de un grupo que ‘defiende’ su grabación en estudio, porque de esta forma es como un coitus interruptus que, salvo para curiosos, completistas y amantes de los discos en directo, como el abajo firmante, no tiene demasiado aliciente.
JORGE CALVO “El navegante del tiempo” (2008)
De primeras he de decir que todo lo concerniente al mundo y al universo del grupo comandado por José Carlos Molina, Ñu, me suele interesar bastante, tanto en tiempos pasados, como en el presente y el futuro.
Jorge Calvo Rodrigálvarez en 1997, mientras acababa la licenciatura en Historia y Arqueología, entró en Ñu como teclista y flautista de apoyo en la preparación de la gira acústica de lo que luego fue el disco “La taberna encantada”. Acompañando a José Carlos Molina y sus huestes, tanto en directo como en estudio, estuvo unos diez años, permaneciendo casi sin faltar hasta el 2007.
“Tres
cantigas para un rey” (Vaso Music, 2002) supuso el primer disco bajo el
nombre de Jorge Calvo. En el álbum se podían encontrar siete temas del
propio Jorge y cinco antiguas e históricas composiciones tradicionales, de
Juan del Encina y Alfonso X El
Sabio (todas con adaptaciones del propio
Jorge, e incluyendo una adaptación de temas y melodías de Ñu junto a J.C.
Molina). Canciones donde se mezclaban el Folk con el Rock, rezumando aires
medievales y del Renacimiento. En esa grabación Jorge se hizo acompañar por
unos cuantos músicos del universo Ñu: Pedro Vela (guitarras), Ramón Álvarez
(bajo) y José Carlos Molina (que puso la voz, coros y risas en “Behetría”);
además de Mar Cabello (voz y coros en “No quiero ser monja”, “Tres cantigas
para un rey” y “¿Si habrá en este baldrés?”) y Miguel Ángel Olmeda (voz en
“¿Si habrá en este baldrés?” y “Tres cantigas para un rey”). El multi-instrumentista
Jorge grabó diversas teclas (piano, órgano Hammond…), instrumentos de viento
(flautas, whistle…), programación… y puso su voz en “Huestes hacia el fin”.
“El navegante del tiempo” fue auto-editado, grabándose y mezclándose en los estudios del Navegante del tiempo (Madrid) y, como su primera obra, fue producido por el propio Jorge Calvo.
Para su segundo disco en solitario Jorge se rodeó de más músicos que en su anterior trabajo. Volvió a contar con instrumentistas que habían pasado o estaban en Ñu: el bajista Gorka Alegre y los guitarristas Juan Freire y Pedro Vela; además de esos, otras guitarras eléctricas las registraron Antonio Herrero (también bouzuki, mandolina, bajo, guitarra clásica y whistle), Juan Gorospe y César García Forero (más acústica); y también Iris Valero (guitarras acústicas) y Ángel Ortiz (bajo).
En este álbum hay más temas cantados que en el primero. Ocho canciones repartidas en las voces de Juan Olmos (quien también masterizó el disco), Mar Cabello, Rául Galván y Jorge Calvo, que en esta ocasión, además de hacer sonar todo lo que había tocado en el anterior disco (y más), se encargó de cantar en algunas canciones.
El comienzo del CD nos transporta a pasadas épocas medievales con la corta instrumental “Ad urbe condita”.
A lo largo del disco la música y legado de Ñu vienen a la cabeza con frecuencia (incluyendo la batería programada), y es que hay numerosas influencias en la música de Jorge Calvo del grupo de los cuernos, incluso cuando Jorge canta tiene bastante deje a la forma de cantar del genio Molina. Así los temas con la voz principal de Jorge: “Alabanza”, “En un jardín de palacio danzaba un oso” (pieza tradicional y de Valeriano Moreno, con el toque de Jorge, y que ya incluyeron Ñu en su disco “La taberna encantada”), “Gloria” y “Retorno a Gigia”; además de “Las velas de tu entierro” (obra de Jorge y Mar Cabello con la grandiosa voz y coros, puro feeling, del cantante Juan Olmos), “El astrólogo” (con Raúl Galván poniendo la voz y coros a una composición tradicional con adaptación de Jorge) y “Caballero arrogante” (otro tema tradicional adaptado y con las voces de Juan Olmos y Jorge Calvo), no desentonarían nada en un álbum de Ñu.
Si en “Tres cantigas para un rey” se incluía el villancico tradicional “¿Si habrá en este baldrés?”, para este disco también hay otro villancico tradicional: “Rodrigo Martínez”, con la voz y coros de Mar Cabello y Jorge.
Después del primer corte instrumental y siete canciones cantadas, hay seguidos dos temas instrumentales. Por un lado tenemos “Danza judía en la taberna encantada”, compuesto por J.C. Molina, y que no es otro que una revisión al tema “La taberna encantada” de Ñu. Y por otro “El navegante del tiempo”, una pieza cargada de buen sinfonismo en las teclas, escuchándose pinceladas sinfónicas también en “Caballero arrogante”, “Gloria” y “Retorno a Gigia”.
Los dos últimos temas son la versión acústica de “Alabanza” (consiguiéndola aún más juglaresca) y la versión instrumental de “En un jardín de palacio danzaba un oso”.
Tanto “El navegante del tiempo” como “Tres cantigas para un rey” son obras que deberían tener todos los seguidores de de Ñu, o concretando más, a los que también les gustan los Ñu más Folk y medievales.
A falta en los últimos años de una continuidad discográfica en Ñu, escuchar a menudo los dos discos de Jorge Calvo hace que la espera no se haga tan larga.
Las últimas noticias que sé de Jorge Calvo es que había comenzado un proyecto bajo el nombre de Mágica con el guitarrista Enrique Bertrán de Lis (ex–Ñu) y con el vocalista Juan Carlos García “Chimo” (Sinestress, ex–Abu Simbel). Desconozco como marcha Mágica, pero espero que Jorge vuelva a grabar más discos con su nombre y hacerse acompañar de tan buenos músicos y vocalistas.
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KISS “Sonic Boom” (2009)
Vaya por delante que los Kiss con maquillaje nunca han sido santo de mi devoción. Me quedo con su etapa sin disfrazar y discos como “Creatures Of The Night” (estertores del maquillaje), “Lick It Up” o “Animalize”, incluso los que vinieron después hasta que recuperaron su manía de no enseñar el rostro. Pero, dicho esto, tengo que admitir que han vuelto a centrarse en la música más que en el espectáculo retro a que nos tenían acostumbrados en los últimos años, lo cual personalmente agradezco.
Sé que, para muchos, Kiss (léase el dúo Stanley/Simmons) viene a ser una religión, una especie de Dios intocable a quien hay que admitirle pestiños del calibre de, por ejemplo, “I Was Made For Lovin’ You” o todas las chorradas que sueltan por la boca cuando tienen un micro delante. Ser Estrella del Rock (obsérvese la mayúscula del término) tiene esas cosas, o los amas o los odias. Yo no estoy ni en un extremo ni en otro, pero he sentido vergüenza ajena con la inmensa mayoría de sus declaraciones, y otras veces no he podido evitar poner una y otra vez algunos de sus discos.
Bien, pues dicho esto tengo que admitir que “Sonic Boom” me gusta sin entusiasmarme, y eso que tiene un cierto regusto a “Rock And Roll Over” (incluso la portada). Será porque como músicos son un grupo más que maduro y han conseguido un disco que suena tremendo. Alguien dirá que “si Kiss no lo consiguen, a ver quien…”. Ya, pero hay que ponerse, hacer que suene y mezclarlo para que salga como ha salido.
Desde mi punto de vista, el track-list no está a la altura de muchos de su discografía. Quizá haya tenido que ver el empeño en sonar a los Kiss de los setenta treinta y tantos años después, pero entra bien sin necesidad de forzar, quizá sea precisamente por lo que comentaba antes, por el sonido, que es lo más destacable del álbum junto con la buena labor de Eric Singer en la batería.
Mención aparte merece el disco al que han titulado “Kiss Klassics” (segundo CD en la versión DeLuxe) que no es otra cosa que temas clásicos regrabados por la actual banda, algo que se ha puesto de moda de unos años a esta parte. A mí me parece una buena idea, y creo que las bandas clásicas están poniendo en marcha la idea con mucho acierto (Saxon, Uriah Heep, Journey etc.). En este caso también han tenido un resultado muy bueno, y hacen que temas antiguos suenen muy pero que muy bien, y ojo, que no estoy comparando, que los originales y su entorno son los originales y su entorno.
Es inevitable asociar a Kiss con espectáculo visual, y “Sonic Boom” tiene mucho de eso. Seguro que sus shows en directo presentándolo van a hacer retroceder 35 años a más de uno.
TRABOUTE “Zuna” (2008)
Traboute es una banda compuesta por músicos que han formado en variados y diversos grupos metaleros del underground gallego. “Zuna” (rabia en castellano) es su debut discográfico, pudiendo clasificar su música grosso modo en un interesante Death Metal Progresivo.
El guitarrista José Ramón Sánchez (ex-Trevider, Dark Embrace, Brokenflow) en mayo de 2007 iniciaba el proyecto bajo el nombre de Traboute en Carballo (La Coruña), acompañándole el batería Carlos Pensado (Glut!, Distilling Pain, Pharmaco, Hellgate, I´m Drunk, ex-Demented, Kelanse). Al mes se les unió el vocalista Kaine (Sister Moon) y grababan en los estudios Treboada (La Coruña) de Paco Liaño en julio de 2007 una demo de un sólo tema: “Inapelable”.
A finales del 2007 pasan a cuarteto con la entrada como bajista de Marcos Pérez (Rotten Animals). Decidiendo registrar su primer álbum en los ya conocidos estudios Treboada, grabándolo en tan sólo cinco días entre marzo y septiembre de 2008. El disco, compuesto por nueve canciones, lo autoeditaban con la ayuda de Silent Tree Productions.
Realmente la portada, la cual me parece que está bien, no siendo típica, no da ninguna idea de la música que se puede encontrar cuando nos disponemos al ritual de escuchar el CD (por desgracia, cada vez menos común ese ritual en las nuevas generaciones). Como dije anteriormente, la música de los gallegos, en sentido amplio, se puede decir que es Death Metal Progresivo, pero podemos escuchar también en algunas canciones momentos que nos recuerdan al Thrash Metal de la época de los 90 (“Queila no día 2”, “Troca”, “Zuna”, “Clareeira”…), incluso en alguna ocasión algún pequeño ramalazo que me trae a la cabeza Black Metal (como por ejemplo en “Troca”)… Quizás a los puristas más exacerbados de estilos extremos no les atraiga lo más mínimo esa amalgama de influencias que hay en determinados temas, pero a mi me parece bastante interesante, ya que no es más de lo mismo, aunque tampoco es que sean originales ni hayan descubierto nada especial, pero las canciones suenan variadas, frescas y con los toques progresivos (nada largos, ni tediosos, ni malabarísticos…) ganan las composiciones, como se puede comprobar en “O condado dos embigos”, “Zuna”, “Féndesme”… Gustándome el trabajo y el sonido logrado (aunque mejorable) en la batería de Carlos, natural y sin nada de artificios como pecan muchas otras producciones de Metal Extremo.
“Pertenceume (por un intre)” y “O resorte” tienen en su base bastante carga del Death Metal más clásico.
El vocalista Kaine utiliza un tono gutural, pero también emplea tonos melódicos y limpios que la mayoría de veces para mi gusto no quedan del todo bien en las canciones. Así que bajo mi modesta opinión creo que debería trabajar más esas tonalidades o erradicarlas, pero aunque gusten o no, dotan a las canciones de más variedad.
¡Ah!, por si se te había pasado, aunque seguro que no, porque con el título de los temas está más que claro, las letras son en gallego, algo que quizá a algunos sorprenda, pero tampoco creo que sea demasiado trascendente porque realizando buena música el grupo que sea, qué más da el idioma en el que canten y se expresen.
El tema “Zuna” formó parte del primer recopilatorio digital “Metalicia.com”, integrado por diferentes bandas gallegas.
Tomé (Rotten Animals) entraba en diciembre de 2008 para reforzar las guitarras en directo. Y según veo en el Myspace del grupo, Abel Collazo ha sustituido en la batería a Carlos Pensado.
Espero que la interesante propuesta de Traboute no se quede simplemente en este trabajo y pronto vuelvan a grabar temas. Bandas como la gallega hacen bastante falta para dar un soplo de renovación en el panorama metalero del país.
CINDERELLA “Live at the Mohegan Sun” (2009)
Regreso de uno de los grupos importantes del Hard-Glam-Sleazy de los ‘80 y ‘90 con su formación clásica, Tom Keifer (guitarra y voz), Jeff LaBar (guitarra), Eric Brittingham (bajo) y Fred Coury (batería). Esta vez con la garantía de un sello que ofrece calidad como es Frontiers Records.
Cinderella se formaron en Filadelfia en 1983 y publicaron su primer y prometedor disco titulado “Night Songs” en 1986. El segundo, “Long Cold Winter” (1988) fue un éxito masivo, también en ventas (más de 3 millones a día de hoy) y el que les colocó en la primera división del Rock internacional. El siguiente “Heartbreak Station” (1990) mantuvo algo el tipo, pero con “Still Climbing” (1994) dieron el patinazo definitivo y en 1995 el grupo desapareció. En 1998 algún promotor intentó recuperarles y se dieron una vuelta por algunos países, grabando un sosísimo directo llamado “Live at the Key Club” durante ese año. Posteriormente volvieron a desaparecer para reaparecer de nuevo en el año 2000 durante unos meses. Volvieron a dejarlo y a reaparecer en 2002 y, de nuevo, a la sombra hasta 2006, año en el que hicieron algunos conciertos. Por lo tanto no sabemos si esta es la reaparición definitiva o no, pero el caso es que se han atrevido a grabar otro directo para inmortalizar el momento.
El disco en sí es un directo, como decía, grabado en Uncasville (Connecticut, USA) el 21 de julio de 2005, dentro de un programa de actuaciones que patrocinó la cadena televisiva VH1 a modo de festival y en cuyo cartel también estaban incluidos Ratt, Quiet Riot y Firehouse.
Se incluye un set-list bastante digno y representativo de lo que fue el grupo en su momento de máximo esplendor, pero el sonido no hace justicia, suena deslabazado y flojo. Estos chicos no tienen suerte con sus directos o, al menos, esa es mi impresión. La producción no permite disfrutar de un grupo compacto en escena, sino más bien de una banda tocando para un público frío o casi inexistente por la sensación de lejanía que aportan los gritos y aplausos, supuestamente del público asistente. Para que os hagáis una idea, es una cosa tan fría como aquel “Live and Loud” que publicó Ozzy Osbourne en 1993, o también puede servir como referencia el “Beast from the East – Live in Japan” (1988) de Dokken. Es decir, directos que pierden su atractivo no por el concierto en sí, sino por un mal resultado final del producto.
Está bien para completar la colección, y se puede escuchar de fondo, pero no aporta mucho ni a la discografía del grupo ni al maravilloso mundo de los discos en directo.
’77 “21st Century Rock” (2009)
Hace pocos meses os comentábamos el mini-LP debut de '77, una banda barcelonesa cuya única y evidente influencia es la primera etapa de AC/DC. Aquel trabajo nos traía 5 temas que parecían sacados de los primeros discos de la banda australiana, con similitudes tan exactas que era imposible abstraerse a ellas.
Menos de un año después nos llegó su primer CD completo, “21st Century Rock”, de tal forma que podemos considerar aquel mini-CD como un adelanto de este trabajo completo. La banda ha aprovechado 3 de aquellos temas (“Big Smoker Pig”, “Wicked Girl” Y “Less Talk (Let's Rock)”) y los ha completado con otros 7 de nueva factura para pergeñar este trabajo.
Todo depende de lo que le pidas a un grupo. Si es originalidad, personalidad o innovación, deberás buscar en otro sitio, porque ’77 se parecen a AC/DC más que la mayoría de sus grupos tributo. Cada músico es un clon de su homólogo australiano, en especial LG Valeta con el sonido y estilo calcado a Angus Young y la voz de Armand Valeta, reencarnación viva de Bon Scott, además de llevar la guitarra rítmica por los mismos caminos de Malcom Young. J.T. Dolphin (batería) y Raw (bajo) también ponen todo de su parte para que ’77 suene 100% a AC/DC y no haya lugar a equívocos.
Eso sí, los numerosos seguidores de la etapa setentera de AC/DC, entre los que me incluyo, vamos a disfrutar como enanos con este disco. Es como si aquella bifurcación, leve pero apreciable, que comenzó en “Highway To Hell” y se acentuó con la muerte de Bon y la llegada de Brian Johnson, nunca hubiera llegado. Que hubiéramos dado un salto en el tiempo, cayendo justo en ese año 1977 en el que salió a la venta “Let There Be Rock” y nos hubiéramos encontrado de bruces con un cofre lleno de descartes de ese disco, o tomas que quedaron fuera del siguiente, “Powerage”. Porque “21st Century Rock” hubiera sido una alternativa a todo eso. Los 30 años que separan estos discos desaparecen en un suspiro, aunque siempre hay que tener clara la diferencia entre el original y la copia.
El disco tiene, además, la misma vitalidad y espíritu de sus modelos, y viven el Rock and Roll de la misma manera desvergonzada. Para cualquier seguidor del Rock en general y AC/DC en particular, es imposible no mover los pies con “Wicked Girl” o “Let The Children”, cabezas de lanza de un disco que nos hace disfrutar. Como diría Unamuno… “que inventen otros”. Ahora que AC/DC parece que dan sus últimos (y enérgicos) coletazos, y con decenas de grupos tributo homenajeándoles, ’77 es una buena opción para disfrutar como… canguros.
OMENOMEJODAS “Intenso extremo” (2008)
Bajo el nombre Omenomejodas, o para que se entienda mejor: “Home, no me jodas”, hay una formación de Thrashcore cuyas raíces se remontan a la década de los 90.
Vastator (no confundir con la banda chilena) fue un cuarteto asturiano de Thrash Metal nacido en 1990 y que tuvo una historia fugaz, quedando como hecho más destacado en su corta carrera la participación en el festival Muros de Nalón, compartiendo escenario con Lying, Mosh-K, Cadáver… Curiosamente en 2008 Omenomejodas grabó una versión a un tema de Lying, tanto en castellano, “Esclavo animal”, como en inglés, “Slave Like An Animal”. Incluyéndose el del idioma de Cervantes como extra en el CD “Memorias del ayer” (2009) de los renacidos Lying.
En 1993, tres de los integrantes de los desaparecidos Vastator: José María (voz y guitarra solista), Xuaco (guitarra rítmica, antes bajista) y José (batería), junto a Carlos (bajista), daban vida a Omenomejodas. Integrando su repertorio temas de Vastator (“Enajenación mental (transitoria)”, “Cero a la izquierda”, “Thrash Metal (will blow up your fucking head)”, etc.), nuevas composiciones y versiones (principalmente de Metallica). En verano de 1994 queda abortada la que iba a ser la primera maqueta de la banda por problemas económicos, trayendo como consecuencia un parón en la banda.
Omenomejodas vuelve al tajo en 1995, pero como trío (Xuaco causó baja), grabando el tema “Omenomejodas” para la recopilación en cassette (+ fanzine) “Sombras de hormigón” (Norte Sur Records, 1996). Después de la actuación en directo en la presentación del recopilatorio del Sello avilesino, en la cual se filmó en vídeo un tema del grupo en vivo, y formar parte de un festival organizado por el ayuntamiento de Corvera, la banda se ve obligada a dejar su actividad.
Pero en el 2003, cuando se cumplía el décimo aniversario del grupo, Omenomejodas regresa y graba lo que supone el primer disco, “Insufrible ruido”, siendo publicado independientemente en septiembre de dicho año.
Para salir a presentar el disco en vivo en 2004 José María Heres (voz y guitarra), único miembro que queda y tira del carro, se acompaña del bajista Juan Carayol (guitarrista ex–Marvel) y del batería Fernando Argüelles (Vendaval, ex–Nörthwind). Realizando catorce conciertos por la zona de Asturias (entre mayo y noviembre), compartiendo cartel con Tierra Santa, entre otros.
Habiendo fichado por el Sello GOI Music, graban en 2005 su segundo álbum, “Mundo de locos”, pero finalmente se la juegan y el Sello no edita el disco. Cuando parecía que la grabación no vería la luz, los asturianos de La Bruja Producciones lo publican en 2006, distribuyéndolo Avispa. Entre las fechas en directo del año 2006 llevan al trío a su primer concierto fuera de Asturias, en el pub Lokura de Astorga (León), y a la despedida del bajista Juan en el concierto del pub Nuevo Savoy de Gijón a finales de año. En diciembre de 2006 Joel entraba como nuevo bajista.
Otra fecha importante en la historia de la banda es el 17 de mayo de 2007, cuando el trío abre el concierto de los alemanes Destruction en la sala Albéniz de Gijón (alguna instantánea de tan señalada fecha hay en el centro del libreto de “Intenso extremo”). Al poco tiempo, Joel deja la formación, siendo suplido por Andrés Flórez “Andy” (guitarrista en Vendaval).
Así José María, Fernando y la nueva incorporación de “Andy”, deciden grabar el tercer disco de Omenomejodas en terreno ya conocido en su segundo trabajo, los estudios Eclipse de Oviedo, y otra vez grabado y mezclado (en febrero de 2008) por Daniel Sevillano (ex-Darna, Edén…), aunque la masterización en esta ocasión fue por obra de Paul Abbot en Zen Mastering (San Diego, USA). La producción, como en “Mundo de locos”, corrió por cuenta del propio grupo y de Dani Sevillano.
Comparando “Intenso extremo” con sus anteriores obras: “Insufrible ruido” y “Mundo de locos”, se puede decir que a la tercera ha ido la vencida. De primeras este tercer trabajo suena mucho mejor, más compacto e intenso que los otros dos. También los temas son más homogéneos, estando algo más trabajados instrumentalmente y mejorada la voz de José María y los enérgicos coros (de Fernando, “Andy” y colaborando en “coros vikingos” el antiguo bajista Juan Carayol).
“Intenso extremo”, editado por Norte Sur Records, tiene once temas (más una final “Outintro”) de un cañero y directo Thrashcore que no te va a dejar parado ni indiferente durante cerca de cuarenta y cuatro minutos, pudiendo recordarte la propuesta de los primeros Soziedad Alkohólica, Barra Libre… y especialmente al escuchar las canciones me vienen muchos recuerdos a los desaparecidos Beer Mosh (la voz de José María tiene cierta semejanza con la de Iñaki).
En sus temas, sin pelos en la lengua y directamente, dan caña al Imperio del Tío Sam en la inicial “El peor enemigo” (tralla sin concesión con aplastante batería y potentes coros) seguida de “Dispara” (un poco de respiro en su comienzo para volver a aniquilar) y “La Muerte” (concisa, corta y la más hardcoreta).
Para el famoseo, la prensa rosa y bazofias de programas televisivos tienen cera a repartir en “Respeten a las familias” (con un más pesado y pausado ritmo, aunque lo rompen en el estribillo) y “Circo esperpento” (guitarreo melódico inicial y subir en intensidad para pasar a meter… ¡¡¡la directa!!!).
De deleznables casos aparecidos en la prensa y televisión tratan “38” (Thrashcore a saco), “C.E.A.E.D.D.” (Cerebros En Avanzado Estado De Descomposición, más Thrashcore a degüello) y “Ficción real” (acongojantes coros y solo de guitarra de Santiago Álvarez, que ya es habitual que deje su impronta a tema por disco).
Como otros grupos dejaron patente en alguna de sus canciones la jugarreta que le hicieron en el pasado algún Sello (ahora mismo me vienen a la cabeza Barón Rojo, Templario…), Omenomejodas compuso “Gaudium Omnia Imperat” (parte de ritmo cargante y parte final a saco) inspirada en este caso en GOI Music.
El título de “Raza humana, raza insana” (con un poco de calma en su parte instrumental) lo dice todo. En “Intenso extremo” dejan muy claro lo que fueron, son y serán Omenomejodas.
Recuerda, Omenomejodas desde Asturias: En un “Intenso extremo” “Mundo de locos” nuestro “Insufrible ruido” golpeará vuestras cabezas.
Web OMENOMEJODAS - Myspace OMENOMEJODAS
EKTHOMB “La gran plaga sapiens” (2009)
Hay veces en las que el estilo de un grupo es tan indefinido que se hace difícil su encasillamiento. Esta circunstancia suele ser una ventaja, ya que dota al grupo en cuestión de personalidad propia, al alejarse de los clichés habituales en un género que cuenta con miles de exponentes. Sin embargo, se corre el riesgo de que la música se vuelva tan personal que sea difícil conectar para el oyente externo al grupo.
Algo así pasa con Ekthomb. Hacen un Rock extraño, con pinceladas de Metal, a veces agresivas y a veces pesadas, con bastantes ramalazos Punk, con afinaciones graves y composiciones que nos dejan, cuanto menos, perplejos. Y lo siento, pero no termino de conectar con ello. El disco se me ha hecho eterno, con algunos temas en los que he debido de poner mi mejor intención para escucharlos hasta el final (“Todos los días igual”, por ejemplo).
La banda la componen Dani Moreno (voz y guitarra), Ubaldo Moreno (batería) y Jacobo Vallier (bajo y coros) y “La gran plaga sapiens” es su primer disco. Antes de su edición se preocuparon de grabar y publicar dos video-clips, sobre los dos temas que abren el disco, “Odio” y “Yo, razón”, algo que no es habitual en un grupo novel. Ambos temas son lo mejorcito del disco, en especial “Odio”, pero el prometedor comienzo del CD se va diluyendo, ya que a partir del tercer tema la cosa va en picado.
Las letras son importantes en el disco, en ellas la banda pretende, a veces irónicamente y a veces de forma más directa, volcar sus sentimientos y reivindicaciones. Esto no siempre se consigue de forma satisfactoria, ya que algunos de los textos quedan algo toscos.
En fin, siempre es bueno que nuevas bandas se asomen al panorama nacional, aunque en algunos casos, como el que nos ocupa, no satisfagan nuestro paladar.
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