Horroroso Malo Regular Bueno Brillante Excepcional
| PATRICIA TAPIA KHY Irrompible |
| ANKOR My Own Angel |
| HAMLET Amnesia |
| NECROBERUS Génesis |
| RANCOR Release The Rancor |
| DEF LEPPARD Mirror Ball (Live & More) |
| SKYDANCER Underground Alive |
| THE MURDER INDUSTRY Death Motivation |
| TXARRENA Azulejo frío |
| NOVA ORBIS Imago |
| DULCE NEUS Malabaristas del corazón |
| BARRA LIBRE Nación de bastardos |
| THE BLACK KEYS El camino |
| SPERANTHAS Más que nunca |
| BREATHLESS Thrashumancy |
| WISHBONE ASH Elegant Stealth |
| TEARS OF MARTYR Entrance |
| OFFTOPIC Impacto |
| ANNIHILATIONMANCER The Involution Philosophy |
| QUINTA ENMIENDA Ne Bis In Idem |
PATRICIA TAPIA KHY “Irrompible” (2011)
Patricia Tapia está considerada por muchos, entre los que me incluyo, como la mejor voz que tenemos en el panorama rockero nacional. La conocimos con Nexx, un excelente grupo de AOR que nos dejó dos grandes discos. Después saltó la barrera que separa el endogámico mundo del Hard Rock para darse a conocer de forma mucho más amplia al entrar a formar parte de Mago de Oz, con quien lleva varios años tomando un papel cada vez más relevante. Y además, en 2010 construyó su propio proyecto, con un disco de debut llamado “Volver a creer” en el que sorprendió con un estilo de Rock moderno y con ciertos elementos electrónicos.
Ahora vuelve a la carga con “Irrompible”, un nuevo trabajo con su proyecto KHY en el que ha vuelto a dar otro giro estilístico, ya que aunque conserva algunos elementos electrónicos, en líneas generales es un trabajo mucho más guitarrero, más contundente. Más rockero, en definitiva.
La formación que acompaña a Patricia en este segundo disco ha variado algo con respecto a “Volver a creer”. Si bien sigue acompañada por Jaime de la Aldea (guitarra), Juan Guadaño (teclados) y Óscar Pérez (batería), quien compagina su tiempo con su pertenencia en Atlas, se han caído de la formación el bajista Daniel Fraile. Tirando de contactos, el encargado de meter el bajo en este disco ha sido Peri, compañero de Patricia en Mago de Oz. Mónica Tapia, aunque había decidido ya su marcha de la banda, ha dejado como despedida sus coros y guitarra rítmica en el disco.
Otro compañero en Mago como Tony Menguiano ha metido coros también, así como Natalia (Casa de Fieras). Más compañeros de Patricia en Mago de Oz han colaborado también en el disco, como Txus (quien firma dos de las letras), Carlitos (solo de guitarra en “Mi tumba llora sin ti”) y Moha (solo de violín en “Sin ti”)
La presencia en el disco de Jaime de la Aldea es más notoria, debido al carácter más rockero del disco, con algunos solos realmente brillantes y una aportación general muy buena. También Óscar Pérez, compañero de Patricia desde los tiempos de Nexx, brilla con luz propia en todo el disco, con momentos de gran protagonismo como en “Vendiendo la fe”, además de firmar uno de los temas del disco, “Mi tumba llora sin ti”.
Pero sobre todo, y como no podría ser de otra forma, sobresale la voz de Patricia, inconmensurable en todo el disco, tanto en los momentos tiernos como en los más cañeros, demostrando una vez más tanto la calidad como la amplitud de su registro.
El disco ha sido compuesto casi en su totalidad por Patricia, excepto el comentado “Mi tumba llora sin ti” obra de Óscar Pérez y un par de letras de Txus. Quizás el mejor tema del disco sea “Vidas en ruinas”, elegido como single y del que se ha grabado un espectacular video-clip, obra de Mario Ruiz (Krea Film Producciones). En él se aúnan todas las virtudes del disco: energía, melodía, la calidad vocal de Patricia y la banda sonando como un cañón, con un final muy intenso con la voz de Patricia sobre un brillante solo de guitarra de Jaime de la Aldea.
Otro tema que destaca claramente es “Cuando se apague la luz”, una tierna balada sólo a piano y voz, muy emotiva y que junto a “Sin ti”, otro temazo en el que Patricia hace una exhibición de sentimiento, dan el contrapunto al resto del disco, mucho más enérgico. También llama la atención “En la inmensidad”, tanto por su calidad intrínseca como por la inclusión de un coro infantil, algo que si bien no es nuevo en el Rock (ya lo hicieron Europe y Meat Loaf, entre otros…), sí es bastante poco habitual.
2010 va a ser un año sabático para Mago de Oz. Esta circunstancia va a permitir a Patricia centrarse en su proyecto Khy, algo que esperamos permita que este “Irrompible” llegue a cuantos más lugares mejor. Calidad no le falta.
ANKOR “My Own Angel” (2011)
Debutaron en 2008 con “Al fin descansar”, disco que pasó bastante desapercibido pese a las buenas críticas recibidas en su momento. Tres años después vuelven a asomarse al mercado discográfico, tras haberse sometido a una metamorfosis total tras la cual han cambiado desde el estilo hasta la imagen, pasando por la evidente novedad que supone el cambio de idioma al inglés.
Ankor proviene de Tarragona y está formado por Rosa de la Cruz (voz), David Romeu (guitarra y voz), Fito Martínez (guitarra y coros), Julio A. López (bajo, gritos y coros), Javier Casanova “Rubio” (teclados) y Jordi Vidal (batería). Formados en 2003 cuando apenas tenían 14 años, son un ejemplo de crecimiento tanto personal como grupal, habiéndose convertido a estas alturas en una banda madura que puede codearse con otras formaciones ya consolidadas.
“My Own Angel” suena limpio, pulcro y compacto, un disco de Metal melódico en el que se vislumbran otro tipo de influencias, desde momentos de Metal progresivo en ciertas partes intrincadas de los temas que jalonan este trabajo hasta algunas voces guturales que son el contrapunto a la suave voz de Rosa, excelente en todo momento con una entonación y modulación siempre acertada. De hecho, su dulce y melódica voz es uno de los mayores alicientes del disco.
Con una acertada producción donde todo suena en su sitio, todos los integrantes del grupo brillan por si solos, y hacen que el conjunto raye a gran nivel. Desde la poderosa base rítmica formada por el bajo de Julio A. López y la trepidante batería de Jordi Vidal hasta el excelente trabajo de guitarras, siempre brillantes a lo largo del disco, pasando por la labor al teclado de Javier Casanova “Rubio”, que goza de varios momentos de lucimiento personal.
Pero como siempre, lo más importante en un disco son las canciones. Y en eso también han acertado, reuniendo una colección de temas atractivos con toda la banda lanzada, aunando la energía del Metal con la dulzura que proporciona la voz de Rosa. Entre ellos destaca la inicial “Remaining”, todo un trallazo que muestra bien a las claras lo que podemos encontrar en el disco. También me quedo con “It Would Be Easier”, en la que Rosa hace dueto con la voz de David que le da el contrapunto justo, la contundente “Pride” o “No Matter What”, que combina una parte casi AOR con uno de los pasajes más duros del disco, gozando además de un grandísimo trabajo de guitarra . Y por supuesto, la balada “My Own Angel”, en la que Rosa se luce sobremanera sobre un colchón de piano para que la banda vaya entrando dotando de fuerza creciente al tema.
Ankor son un gran descubrimiento que no hay que dejar pasar. Están en el buen camino y “My Own Angel” les servirá, seguro, para abrirse muchas puertas y ser tenidos en cuenta tanto en el presente como en el futuro. Enhorabuena.
HAMLET “Amnesia” (2011)
Más de veinticinco años en activo (nada de separarse y volver después anunciado a bombo y platillo que si tal o cual aniversario) contemplan al grupo Hamlet, con los pilares férreos y fijos del guitarrista Luis Tárraga (desde el comienzo en 1986), el vocalista J. Molly (entrando en 1987) y el batería Paco Sánchez (desde 1993), más las incorporaciones en los últimos años del bajista Álvaro Tenorio (entrando en 2004 reemplazando a Augusto Hernández) y el guitarrista Alberto Marín (desde 2008, sustituyendo a Pedro Sánchez). La banda madrileña, con su décimo álbum de estudio de larga duración, nos sorprenden con una de sus mejores obras discográficas. Reinventándose con gran acierto, cogiendo elementos de sus últimos discos (etapa Locomotive Records y Roadrunner Records) y mezclándolos magníficamente con la energía, potencia, furia y visceralidad de los primeros trabajos con los que empezaron a hacerse un nombre y ser cada vez más seguidos y reconocidos en el panorama del Metal en España: “Sanatorio de muñecos” (Romilar-D, 1994), “Revolución 12.111” (Zero Records, 1996), “Insomnio” (Zero Records, 1998)…
Su paso por el Sello internacional Roadrunner Records con “La Puta y el Diablo” (2009), les llevó, además de realizar conciertos y festivales por nuestro país, a tocar por Estados Unidos, y gira en abril de 2010 por parte de Europa (con Sepultura + Crowbar + Armed For Apocalypse).
“Amnesia” (editado por Kaiowas Records) fue registrado en los madrileños Sadman Studios, con producción de Carlos Santos, y mezclado y masterizado en los Fredman Studios (Gotemburgo, Suecia) por Fredik Norsdtröm (guitarrista de Dream Evil; y que ha estado tras los controles en trabajos de Arch Enemy, Dimmu Borgir, In Flames, Opeth, etc.) y Henrik Udd.
Lo primero que escuchamos en este “Amnesia” es una introducción, que no llega a los dos minutos, titulada “Origen”. Tranquila y ambiental en su inicio, pero que luego pasa a sonar un tanto oscura y densa, enlazando perfectamente a la primera canción “La fuerza del momento”, tema que se utilizó como adelanto del álbum, y donde ya las guitarras de Luis Tárraga y Alberto Marín comienzan a construir muros y muros pétreos y sin resquicios de potentísimos riffs, apoyados en la intensidad de la base rítmica de Paco y Álvaro, y con la voz de Molly que se muestra tremendo durante todo el disco con registros melódicos alternándolos con furiosos y agresivos. Y es que ese paso de líneas melodías al desgarro vocal Molly lo domina a la perfección, siendo un maestro (por ejemplo en “La sombra del pasado”, con un final que me pone los pelos como escarpias), frente a otras bandas que lo intentan pero por norma general se quedan en un quiero y no puedo, flaqueando en las partes melódicas o en las viscerales.
Brutales como suenan las guitarras a lo largo de todo el trabajo, como podemos escuchar entre el intenso, denso, y potentísimo mediotiempo “Entre la niebla”, las arrasadoras partes de “Mi soledad”… Alcanzando el disco una de sus cotas más altas, al menos para servidor, cuando llegamos al corte quinto con “Deja Vu”, dotada de un sonido Doom / Sludge Metal a la Down o Crowbar, con esas guitarras graves, gordísimas y mastodónticas.
“Despertar sin vida”, “Al tercer día”, o la final “Desesperación”, poseen ritmos para castigar cervicales intentando seguir sus ramalazos de intensidad y velocidad. Aunque también hay buenos momentos más ambientales e íntimos, como sucede en los demás temas del disco, caso de “Estado de fuga”, por ejemplo.
De la canción “Un mundo en pausa” han realizado un videoclip, siendo uno de los temas con temática social, como en sus primeros tiempos.
Además de editarse en formato CD y digitalmente, el disco ha tenido una edición en vinilo de 180 gramos.
¿Metal Alternativo, Nu Metal, Metalcore…?, de esa manera se ha catalogado a Hamlet a lo largo de los años. A uno, cada vez más las etiquetas se la traen pendular, e intento no tener prejuicios sobre estilos. Lo que se demuestra es que Hamlet han gestado uno de sus mejores discos, y no sólo en el estudio están en estado de gracia, en directo lo refrendan con creces, como pude comprobar en uno de los primeros conciertos de la gira de este “Amnesia”, en concreto en el que dieron en Almería el pasado mes de noviembre de 2011, como te contamos no hace mucho en esta casa. “Amnesia” es un disco muy recomendable, y si puedes no pierdas la oportunidad de ver a Hamlet en directo defender este gran álbum, no te defraudarán.
NECROBERUS “Génesis” (2010)
Todos sabemos que en la actualidad la mayoría de los grupos tienen un único camino: la autoedición de sus trabajos. Sin una Compañía detrás que apechugue con los gastos de grabación, fabricación y distribución de los discos, son los propios músicos quienes tienen que tirar de su propio bolsillo para poder ver plasmado su trabajo en un CD.
Como todo en esta vida, esta situación tiene sus ventajas y sus inconvenientes. Al no haber una Compañía detrás que decida quién graba y quién no, los discos se editan en el momento que los grupos deciden, con la única limitación de su presupuesto personal. Esta circunstancia hace que, en algunas ocasiones, un grupo que aún no está “maduro” para lanzarse a la aventura discográfica, se costee su primer disco, y debe competir con él en medio de una producción cada día más numerosa, ya que son cientos los discos nuevos que salen al mercado.
Este es el caso de Necroberus. Vienen de Guadalajara y “Génesis” es su ópera prima, en la que muestran bastantes carencias, fruto de una banda a la que aún le falta mucho trabajo por hacer. Su estilo cabalga entre influencias variadas de Metal, Hard Rock y un tufillo a Héroes del Silencio que se deja entrever con claridad en algunas ocasiones. Pero ese no es el problema, sino que la banda en sí está aún demasiado “verde” tanto a nivel individual como colectivo.
El grupo lo forman Sergio Amor (guitarra y voz), Javier Duro (batería), Pablo Montalvo (bajo) y Jorge Sanz (guitarra y coros), y a pesar de las ganas e ilusión con que sin duda han afrontado esta grabación, el resultado no refleja ese esfuerzo. El peor parado es Sergio, con muchos problemas para encontrar el tono adecuado y al que tampoco ayudan las melodías vocales, bastante previsibles y sin chispa. El resto de la banda no le va a la zaga, y únicamente en contadas ocasiones se vislumbra que este grupo es mucho más que lo que representa este disco. El sonido, casi de maqueta, es otro elemento que lastra el resultado final de forma definitiva.
Entre los temas, me quedo con “Desierto de cristal”, el más inspirado y mejor estructurado a nivel compositivo, mostrando el camino por el que la banda debería seguir.
Realmente me duele dejar una mala opinión sobre una banda novel. Conozco las limitaciones, esfuerzos e ilusión con que los grupos se lanzan a grabar su disco de debut. Pero las palmaditas en la espalda, halagos inmerecidos y loas de los amigos del grupo muchas veces enmascaran la realidad, y una opinión externa debería abrirles los ojos. Desde aquí me gustaría enviarles el ánimo necesario para que sigan trabajando duro, esto sólo es el primer paso y seguro que el esfuerzo que sin duda estarán haciendo desde que se editó este disco les convertirá en un grupo mejor. Ojalá sea así y ojalá podamos en un futuro cantar las alabanzas de un grupo que, a día de hoy, tiene un enorme margen de mejora.
RANCOR “Release The Rancor” (2010)
Cuando el Thrash Metal aún no volvía a “estar de moda” en España. Cuando muchos de los grupos de Thrash Metal que ahora pululan por nuestro país no existían. Y cuando algunos que se consideran thrasher aún no eran ni “thrashers de mp3” (como cataloga despectivamente a algunos niñatos el amigo Chema), estos madrileños ya empezaban a dar tralla en 1998. Por ese hecho merecen un mínimo de respeto y consideración, pero aún más me congratula y satisface comprobar la progresión y desarrollo de aquel grupo que veía por primera vez en directo a comienzos de diciembre de 2004 en la madrileña sala Ritmo y Compás, acompañando a los vascos Legen Beltza (reseña que puedes leer en los archivos de la sección Conciertos).
Cuatro años después de la auto-edición de su EP “Death Is Everywhere” (2006) -comentado también por estos lares- lanzaban su primer álbum, “Release The Rancor”, distribuyéndolo Santo Grial Records. Y si comparamos este primer disco, con sus grabaciones pasadas el salto cualitativo ha sido bastante importante. Todos los defectos o cosas que echaba en falta comentando su anterior grabación las han pulido, superado y mejorado, encontrándonos con un disco con diez canciones en las cuales, como en toda banda, se perciben influencias, pero dotadas de su buen sello personal, sin llegar a sonar a refrito de refrito o con falta de inspiración, como otros compañeros suyos de esta nueva andanada del Thrash Metal padecen.
“Release The Rancor” fue registrado en los estudios Bonus Track (Soto del Real, Madrid) en diciembre de 2009. Estando tras los controles Dan Díez (guitarrista de Barra Libre, ex–Red Wine) y Rubén Villanueva (ex-Ebony Ark). Siendo el primero el productor, junto a la banda, además de realizar las mezclas. La masterización se efectuó en Mastertips por Juan Hidalgo.
Y uno se alegra que Rancor, ese grupo seguido por servidor desde la distancia antes de verlos en directo, con este disco ya pueda tratar perfectamente de tú a tú a cualquier banda con más apoyo y mejores medios de nuestro país y a muchas del extranjero. Si cuando los veía en directo y en el EP comentaba que al vocalista Daniel López “DarthDani” le faltaba cantar con más agresividad y potencia, al escuchar los temas de “Release The Rancor”, se nota que ya sí consigue cantar perfectamente de esa manera; si echaba en falta más garra en las guitarras de Ricardo Porras “Ricky” y Vasco Durán (los dos que comenzaron el grupo) en “Death Is Everywhere”, aquí se escuchan muy bien, haciendo una gran labor en riffs y solos (por nombrar sólo un tema, “Violent Dreams”, donde la velocidad y juego guitarrero puede recordar a Exodus); el sonido de la batería no me gustaba en su anterior grabación, pues ahora suena en condiciones, grabando por primera vez con ellos Jorge Sáez (ex–Nagasaki, Ebony Ark, Dreamaker, Dark Moor…); incluso el bajo de Jorge Serrano “Serra” se deja notar con maestría en algunos temas, como en “Soul Chamber” (una espléndida y trabajada composición que tiende más al Heavy / Power Metal que al Thrash Metal en sí) y en el comienzo de “Twist The Knife”.
Otra estupenda característica a destacar son los potentes coros que hay en las canciones, por obra de los “Rancorettes”, así han llamado al equipo de voces formado por lo cinco componentes de la banda más Tiner, Óscar, Goyo, Muñones y Rubén. Podemos comprobarlos perfectamente en temas como el inicial “Wounded Wolf” (una composición mezcla de Anthrax y OverKill, y donde Dani llega a llevar por momentos su voz a terrenos guturales, algo que hace en otros temas puntualmente), “From Warrior To God”, “Programmed Lives” (canción que tiene más melodía, gracias a los coros, que otras, y que desde hace ya años venían tocando en directo), el arrasador “Rancor” (tema sin respiro con ciertos aires a Slayer), etc.
Otras canciones como “Drag You To Hell” (la composición más extensa, acercándose a los seis minutos y medio) e “Incompetent” (donde la voz rabiosa de Dani llega a recordarme hacia el final a la de John Connelly de Nuclear Assault, asemejándose la mayoría de veces a una mezcla de Bobby “Blitz” Ellsworth de OverKill y Joey Belladonna de Anthrax) siguen haciendo que el disco merezca la pena escucharlo y escucharlo seguido sin flaquear ni bajar el listón en ningún momento.
“Zombie War!” tiene una letra cachonda y de declaración de principios de unos zombies metaleros, incluyéndose referencias a clásicos temas de grandes bandas del Heavy & Thrash Metal en sus párrafos. En el libreto a cada tema le acompaña un dibujo o foto referente a la letra (también en el collage de la portada), pues en ésta última hay una buena foto con los componentes de la banda y amistades (¡esos Nigromante!) caracterizados de zombies.
Me alegra poder decir que “Release The Rancor” es la mejor grabación y trabajo de los madrileños Rancor hasta la fecha, muy por encima de su EP y sus dos anteriores maquetas.
La inminente actualidad del quinteto madrileño en directo está este próximo sábado 21 de enero de 2012 en la sala Audio Rock (Vallecas, Madrid), donde en un festival organizado por el club Pounding Metal Union, se podrá disfrutar plenamente de una noche de Thrash Metal, con los gallegos Raze, Rancor, y los catalanes Aggression, antes de la descarga por primera vez en España de los suecos Tyranex. También Rancor, junto con los madrileños Agresiva y los valencianos Exodia, acompañarán a los ingleses Evile en una de las cuatro fechas de su próxima gira por nuestro país, en concreto el jueves 12 de abril en la madrileña sala Ritmo y Compás.
DEF LEPPARD “Mirror Ball (Live & More)” (2011)
Nacidos al amparo de la NWOBHM, Def Leppard pronto se desmarcó para elegir un camino más melódico, más elaborado, algo que ya se dejaba ver en “High'n'dry” (1981), más cuidado y menos visceral que su debut “On through the night” (1980). Pero fue con su tercer trabajo cuando pegaron el petardazo: “Pyromania” (1983) se convirtió en número 1 mundial y catapultó a Def Leppard a lo más alto. La entrada en la banda del guitarrista Phil Collen (ex Girl) sustituyendo al fundador Pete Willis (despedido por su afición a la bebida) y la producción de Robert John “Mutt” Lange (que ya había producido el disco anterior) fueron claves en la explosión del nuevo sonido de Def Leppard.
En la cima de su éxito, un desgraciado accidente en el día de año nuevo de 1985 se ceba en el batería Rick Allen, a consecuencia del cual le deben amputar el brazo izquierdo a la altura del hombro. De forma sorprendente, en vez de buscar un remplazo, la banda espera pacientemente a que Allen se recupere y aprenda a tocar la batería con un solo brazo, ayudado por un complejo sistema de batería electrónica que maneja con sus pies.
Sólo dos años después, Def Leppard presenta su nuevo disco, con Rick Allen tocando su nueva batería especial. Las expectativas creadas sobre si se podría repetir el éxito de “Pyromania” fueron sobradamente cumplidas, ya que “Hysteria” es la obra cumbre de Def Leppard, rompiendo todos los records en las listas para un grupo de Hard Rock.
En contraposición con el enorme éxito del grupo, la desgracia se vuelve a cebar en la banda. Su guitarrista Steve Clark muere en 1991 a consecuencia de su alcoholismo, en pleno proceso de grabación de su siguiente disco, “Adrenalize” (1992), cuyas guitarras fueron grabadas exclusivamente por Phil Collen. El disco tuvo buena aceptación, aunque quedó lejos de las cotas de “Pyromania” e “Hysteria”. Un año después vio la luz “Retro-Active”, un disco de caras B y descartes de otros discos, que fue recibido por el público con bastante frialdad.
Def Leppard necesitaba sustituir a Steve Clark, y la sorprendente elección fue Vivian Campbell, excelente guitarrista de gran prestigio que se había hecho un nombre en la banda de Dio, pasando posteriormente por las filas de Whitesnake. Con Campbell en la banda, Def Leppard da un giro en su estilo, volcándose más descaradamente en el AOR, e incluso Pop. El resultado fue “Slang”, un disco denostado por la mayoría de seguidores de la banda. Visto el error, “Euphoria” (1999) recuperó el estilo de siempre, aunque no logró con ello recuperar el éxito de la banda en los ’80.
“X” (2002) fue un disco descaradamente comercial que recuperó en parte ese éxito, pero la banda estaba muy lejos de sus mejores días. Un disco de versiones (“Yeah”) y un nuevo disco de estudio (“Songs from the Sparkle Lounge”) tampoco lograron recuperar el éxito masivo de su primera etapa.
¿Y qué hace una banda con extensa trayectoria que quiere reverdecer viejos laureles? Sacar un disco en directo. Y es lo que han hecho en “Mirror ball (Live & More)”, un disco en vivo grabado en su última gira, donde se hace un repaso a toda su trayectoria, haciendo acopio de muchas de sus grandes canciones a modo de recopilatorio, con el atractivo de escucharlas en directo. Este repaso es desigual, ya que como era de prever, sus dos discos de más éxito (“Pyromania” e “Hysteria”) aportan la mitad de las canciones del disco, mientras que se pasa totalmente por alto la etapa “Slang” – “Euphoria” – “X”, que al igual que su debut “On Through the Night”, no tienen representación en este directo.
Esta selección se revela acertada, ya que los temas de “Pyromania” e “Hysteria” son los que más enganchan, además de una emocionante “Bringin' On The Heartbreak”, rescatada de “High 'N' Dry”, que cuenta con la colaboración más notoria del público, y que se enlaza como es habitual con la instrumental “Switch 625”.
El resto del disco está plagado de clásicos de la banda británica como “Rocket”, “Animal”, “Foolin'”, “Two Steps Behind”, “Hysteria”, “Armageddon It”, “Pour Some Sugar On Me”, “Rock Of Ages”… y casi todos los temas emblemáticos que nos gustaría encontrar.
El rendimiento del grupo es muy bueno, sin tener apenas arreglos diferentes con respecto a las versiones de estudio, algo que se echa en falta, y por sacarle alguna pega, quizás el falsete de Joe Elliott esté algo forzado en algunas ocasiones, pero en general cumple con solvencia, al igual que el resto del grupo.
“Mirror Ball” es el nombre del disco, que lleva por subtítulo “Live & More”. Ese “More” son 3 nuevas canciones incluidas al final, grabadas en estudio, que muestran que la maquinaria Def Lep sigue funcionando. Ninguna de ellas sustituirá a los grandes clásicos de la banda, pero demuestran que Def Leppard sigue rodando y pensando en el futuro.
También se incluye un DVD con los temas “Rock! Rock! (Till You Drop)”, “Armageddon It”, “Pour Some Sugar On Me” e “Hysteria”, más los video-clips de “Nine Lives”, “C'Mon C'Mon”, pertenecientes a lo que hasta ahora es su último disco en estudio, “Songs from the Sparkle Lounge”.
Es evidente que la edición de este disco es un intento de revitalizar la carrera de Def Leppard, pero no por ello deja de ser interesante. No en vano es su primer disco en directo, si exceptuamos aquel “In The Round… In Your Face” que salió únicamente en formato visual. Sea como fuere, es una excelente ocasión de comprobar, quien no lo haya hecho, el rendimiento de la banda en directo.
Sólo por eso ya merece la pena. Y mucho.
SKYDANCER “Underground Alive” (2011)
Hace un tiempo -aunque no hace tanto, depende de cómo se mire- los grupos solían publicar un disco por año, e incluso algunos dos. Desde hace unos años para acá eso ya no es tan frecuente, pero aún hay bandas que si lo siguen haciendo, y un ejemplo lo tenemos en los gallegos Skydancer, comandados por el vocalista / guitarra Daniel Soengas. Después de la publicación de su primer disco, “Pozo de lágrimas” (Santo Grial Records, 2008), le siguió su segundo larga duración, el autoeditado “Endorsed By Self-Destruction” (2009), y a éste el EP de descarga gratuita “Way Of Departed” (2010). De uno de los conciertos presentando en directo ese EP, en concreto el dado en el Bar de Juan (Vigo) el 20 de noviembre de 2010, acompañados por los también gallegos Trashnos, sale este álbum registrado en crudo y pleno directo, según dicen sin ningún tipo de arreglo ni añadido especial. Y aunque el sonido no sea tan bueno, pulcro, y cuidado como otros muchos directos editados por otras formaciones, se agradece mucho más que sea así de natural antes que otro de los muchos álbumes en vivo retocados, y que al final son más de estudio que de verdadero directo.
En cerca de cuarenta y seis minutos dan un repaso en vivo a sus anteriores grabaciones, teniendo la mayor representación su segundo disco (con seis canciones), realizando del primero tres temas, y de la más reciente grabación que andaban presentando por esas fechas, “Way Of Departed”, sólo dos canciones (más la introducción instrumental “Inexistence”, donde ya empieza a escucharse el sonido de público y se pide a la gente que se acerque al escenario).
Comencemos por lo menos bueno, o lo que menos me atrae de los gallegos, en este directo, que son los temas que canta Daniel en castellano (“Retrato cadáver”, “Ladrón de sueños”, “Polvo de diamante”, y la última pista del CD, “Lleva mi cruz”). “Retrato cadáver” es la que diría que menos me gusta, y eso que la música está bastante bien, pero la manera de afrontar Daniel el tema en castellano no me agrada como queda y baja enteros en mi apreciación, quedando mucho mejor cuando canta en inglés, aunque también se note que podría mejorar más en la pronunciación, como lo escuchamos durante “Deathstyle”, “Meet The Ferryman”, “Dead Man Broken”, etc. En cambio para mí lo mejor de este disco en vivo es la labor de Dani y Jonathan a las guitarras, como ya realcé en el pasado cuando comenté por aquí sus dos anteriores grabaciones en estudio. Ejemplos de ese destacado trabajo podemos escuchar en sus intervenciones a lo largo de todo el disco, pero especialmente en: “Her Ghost”, “Down The Church” (presentando como su particular himno al botellón), las melodías guitarreras de “Ladrón de sueños” (con lanzamiento de camiseta y discos al final del corte), “Meet The Ferryman” y “Dead Man Broken” (incitando en su inicio al pogo).
Al público se le escucha, aunque tampoco en demasía. Quedando muy bajo el sonido de su intervención tarareando la melodía en “The Voice Of Misery”. Y no lo aseveraría rotundamente, pero diría que alguna vez se ha reforzado adicionalmente el sonido del público, para que se note con algo más de presencia.
Aquella noche Skydancer estuvo integrado por: Daniel Soengas (voz / guitarra en el canal izquierdo), Jonathan Lago (guitarra en el canal derecho), Bruno Plá (batería), y François Méndez (bajo; Freedom Xlave). Estando de asistente en la grabación Koldo Rivas (guitarrista de Freedom Xlave). Siendo Daniel Soengas el que produjo y mezcló el resultado final en sus Bedroom Studios.
Este disco en directo se puede adquirir digitalmente en algunos portales reconocidos de música en Internet, o descargar gratuitamente desde aquí. Aunque hubo una limitada edición en formato físico para los medios de comunicación. Agradeciéndoles que nos hicieran llegar una de esas reducidas unidades.
“Underground Alive” nos sirve para hacernos una idea sonora grosso modo de cómo se desenvuelven, o mejor dicho se desenvolvían, Skydancer en vivo, pero no lo colocaría entre los primeros puestos de sus trabajos.
Ahora con nuevos componentes en la formación, el cuarteto gallego editará digitalmente su tercer álbum de estudio, “Winterkiller”, el último día del presente mes de enero de 2012 .
THE MURDER INDUSTRY “Death Motivation” (2010)
Te los presentábamos por aquí con su primera maqueta, “Man Devour The Man” (2009), y poco después conocíamos más sobre la formación de Zamora con una entrevista realizada a sus cuatro componentes vía e-mail en verano de 2009.
El cuarteto no cejaba en su actividad, y en marzo de 2010 Xtreem Music editaba “Death Motivation”, el primer disco de The Murder Industry. Grabado en I & S Studios (Zamora) entre octubre de 2009 y enero de 2010. Siendo sus productores e ingenieros J. Vega y el batería Juanjo Fernández. Realizando la mezcla y masterización Erik Monsonís (quien ha trabajado con los thrashers Aggression, entre otros) en febrero de 2010 en Madrid.
Tras esa aterradora portada con un psicópata agarrando con las dos manos un gran cuchillo (y con más impactantes fotos de él en la bandeja de soporte del CD y en el libreto, especialmente en la que sale acabando con la vida del guitarrista José, y tremebunda, y muy conseguida, cuando está degollando al vocalista Roberto) nos encontramos ocho brutales, intensísimas, y demoledoras canciones de un Brutal Death Metal influenciado por bandas norteamericanas del género como Cannibal Corpse, Dying Fetus, Killing Addiction, Suffocation… Con la música creada por el guitarrista José, y las letras -basadas en históricos asesinos en serie- escritas por el pantagruélico vocalista Roberto.
Entran a degüello con la primera canción (¡¿para qué leches esperar con intros y parecidos?!), la que da título al álbum, “Death Motivation”, quedándonos pegados al asiento de la apabullante y machacante brutalidad, sus cambios… y del gran y aplastante sonido conseguido en el disco, nada comparable al de la maqueta. Pudiéndose notar perfectamente la gran mejoría sonora al volver a escuchar dos de las tres canciones que formaban aquella primera grabación: “Messenger Of Terror” y “Man Devour The Man”, ganando en esta entrega, sonando mucho más aniquiladoras y arrasadoras. Con las guitarras de José María Nieto lanzando un armazón sónico de veloces, graves, pesados, compactos, y contundentes riffs; la voz hiper-gutural de Roberto Ramos (¡a ver quién es el listo que puede seguir la letra de los temas!), la cual en el disco se percibe brutalísima; el demoledor, incesante, y potentísimo trabajo -pero también con su dosis técnica- tras la batería de Juanjo Fernández; siendo el bajo de Luis M. Nieto el instrumento que menos presencia tiene, aunque se deja notar más durante parte de “Man Devour The Man” y “Apology Of Cannibalism”.
Hasta el cuarto corte todo casi perfecto, pero me dejan aún más estupefacto y me vuelan la cabeza con los veloces, arrasadores, y variados ritmos que imprimen en “Mutilated Innocence”. Hoy por hoy mi favorita del disco.
“Temple Of Torment” y “Antropophagic Doctrine” siguen sin dar respiro ni tregua a su inmenso torrente de tremenda brutalidad death metalera, especialmente en la segunda, donde el trabajo tras los parches de Juanjo es digno de mención.
Pero no quieren despedirse como si nada, y para cerrar este bastante recomendable primer trabajo de los zamoranos, nos sueltan sin concesión, durante un poco más de ocho minutos, aplastantes riffs tras riffs en “Master Of All Assassins”, con destacado respaldo vocal, a la monstruosa garganta de Roberto, de Manu (Klanghor, Marius).
Tras la salida del disco brutalizaron durante 2010 / 2011 algunos escenarios de la geografía hispana: Zamora, Castellón, Zaragoza, El Puerto de Santa María (Cádiz), Lugo, Madrid, Guadalajara, Sevilla…. Anunciándose en septiembre de 2011 la búsqueda de batería tras la marcha de Juanjo Fernández, pero al poco de comenzar este año 2012 informaban del fichaje del gran y reconocido batería catalán Alfred Berengena (Olvido, Meltdown, Profundis Tenebrarum, Mistweaver, Scent Of Death, Baalphegor…), con el que publicarán en el presente año su segundo disco, el cual llevará por título “Taste Of Flesh”. Si alcanza las cotas de su debut, o las mejora, será otro recomendable trabajo para desahogarse de jodidos recortes, crisis… y demás ponzoña que tienen al ciudadano de a pie hasta las gónadas.
TXARRENA “Azulejo frío” (2011)
Cuando Barricada en la década de los 90 estaban alcanzando su cima más alta de éxito a nivel popular, Enrique Villareal “El Drogas” buscaba un hueco entre la activa carrera de los navarros y le daba tiempo a formar su proyecto Txarrena, editando su álbum homónimo “Txarrena” (Mercury, 1992), el cual llegó a vender más de 40.000 ejemplares. En aquel disco, hoy en día descatalogado, a uno de los músicos más feos del panorama rockero hispano, pero con más carisma desde hace ya muchos años, le respaldaban (además de invitados): Chema Arteta y Juanjo Ojeta (guitarras), Luis Chávez “El Piti” (bajo) y José Landa (batería), llegando a realizar tan sólo unos nueve conciertos bajo el nombre de Txarrena. Después vino otro proyecto de El Drogas, junto a Juanjo Ojeta y los músicos del grupo Konfusión, llamado La Venganza de la Abuela (con aquel único disco titulado como el proyecto, y editado por Gor Discos en 1999). Aunque antes hubo tiempo para Txarrada, en formación de trío, de nuevo con Juanjo Ojeta (guitarra) y José Landa (batería).
En el 10º Aniversario del Certamen de Pop-Rock de Villa de San Adrián 2005, El Drogas, acompañado por las guitarras de Alfredo Piedrafita (Barricada) e Iker Piedrafita (Dikers), Eugenio Arista “Flako” (La Lengua de Trapo) y con Brigi Duque (voz y guitarra de Koma) tras la batería, se dedicaron a hacer algunas versiones de Slade, The Clash, Sex Pistols, Ramones… y a la activa cabeza de El Drogas volvió la idea de resurgir Txarrena, pero en esta nueva etapa acompañado por Brigi (batería), Flako (bajo), y a la guitarra Txus Maraví (compañero de Flako en La Lengua de Trapo), a quien vio como invitado en un concierto de Martika, y allí mismo se le ocurrió contar con el buen seis cuerdas para esta nueva reencarnación de Txarrena.
Diecinueve años pasaron desde aquel “Txarrena” y la edición del segundo álbum del proyecto, “Azulejo frío”, editado el 8 de febrero de 2011 por Maldito Records. Un disco con quince canciones que fueron producidas por Harry Wrighy en Usurbil (Guipúzcoa) durante noviembre / diciembre de 2010, y masterizado en Strerling Sound (New York) por Steve Fallone. Un poco más de cincuenta minutos de duración tiene el álbum, donde se pueden escuchar canciones creadas por El Drogas hace ya bastantes años (“Con tu piel”, “Algunas cosas por terminar”, “Azulejo frío”, “Todos los gatos”…), algo más recientes en el tiempo (“Ella no para”, “Estos clavos”, “Dime cómo besas”, “Quiero que”, “Pelea de barro” y “Otro corazón”), y aún más novedosas (“Todo lo enamora”).
El comienzo del disco rezuma Rock and Roll clásico, ese que con entusiasmo te hace mover los pies a su compás y guitarrear imaginariamente, y es que “Salvaje mirar” y “Así”, son para servidor dos de las mejores composiciones que se pueden encontrar en este flojo “Azulejo frío”, puesto que después la mayoría de las canciones que continúan, aún sonando rockeras (con algunas influencias del más actual Rock británico, o incluso del llamado Indie o Alternativo), realmente no encuentro composiciones que me calen directamente, debiéndosele pedir a un músico como El Drogas algo más, y no conformarnos con cualquier cosa, sucediéndose de esa manera: “Todos los gatos”, “El fuego de la tarde”, “Con tu piel”, “En otros rincones” y la balada “Todo lo enamora”, donde a la voz de El Drogas le acompaña en el estribillo la de su hija, Araia Villareal.
La canción “Azulejo frío” ha sido elegida como single (realizándose un videoclip) y, junto a las dos primeras, además de “Algunas cosas por terminar”, y la final “Otro corazón” (donde se alterna tranquilidad acústica y arremetidas de energía) son los temas que más destacan para mi gusto en el disco. Siendo “Ella no para”, “Estos clavos”, “Dime cómo besas”, “Quiero que” y “Pelea de barro”, otras canciones que, como otras tantas citadas anteriormente, pasan con poca consistencia por mis oídos.
Tras la salida de “Azulejo frío”, el grupo se lanzó a presentarlo en los escenarios (en acústico y eléctrico, unas veces acompañados tras la batería por Brigi, y otras por Josu Erviti), dando como resultado la posterior edición en septiembre de 2011 del directo “Con nocturnidad y alevosía”, grabado (CD) y filmado (DVD) en el concierto que dieron en plenas fiestas de San Fermín en la Plaza de los Fueros de Pamplona el 10 de julio de 2011.
A comienzos de diciembre del pasado 2011 saltaba la sorpresiva noticia de la marcha / expulsión de El Drogas de Barricada. Así que a día de hoy el vocalista (nada de cuatro cuerdas ahora) se centra en Txarrena… con el tiempo seguro que vuelve al redil de los Barri como si no hubiera pasado nada, y la mayoría tan contentos. De momento este segundo disco en estudio de Txarrena a mi me ha dejado como el adjetivo de su título.
Web TXARRENA - Myspace TXARRENA
NOVA ORBIS “Imago” (2009)
Sexteto de la capital de Colombia, Bogotá, con este primer álbum que se editó hace un par de años, pero que aún continúa teniendo vigencia, ya que sigue siendo el único disco que tiene en su haber la banda colombiana. Sabiendo de ellos en Europa gracias a la campaña de promoción de Lugga Music Productions.
Nova Orbis se formaron en 2005 por: David Martínez (teclista), José David Barajas (guitarra / voces), Ana María Barajas (voz; ex-Highway), José Fernando Osorio (batería), Jorge Andrés Gutiérrez (guitarra / voces), y Rodolfo Cáliz (bajo). Grabando antes que su álbum de debut una maqueta, “Nova Orbis”, en el 2006. Descargando su música además de en su ciudad de origen, por otras ciudades y festivales colombianos, llegando a participar en el CaliGothic Festival en 2007 (sábado 17 de noviembre). Compartiendo escenario con los históricos Kraken (en el Tributo Acústico a Kraken y en el Progressive Rock 2007), Tom Abella, Introspección, Entropía, etc. Consiguiendo el segundo puesto en el Bogotá Ciudad Rock Festival 2007; y formando parte del Bogota Gothic Alliance, integrado por siete grupos de Metal Gótico, entre los cuales están Rhyme Of Tears e Impromtus Ad Mortem.
Las diez canciones de “Imago” fueron grabadas y mezcladas entre los meses de junio de 2008 y marzo de 2009 en los Buena Onda Studios de Bogotá. Siendo co-producido por Juan David García y la banda.
Entre sus influencias se citan formaciones extranjeras como Kamelot, Dream Theater, Nightwish, Opeth, Ayreon… consiguiendo en sus canciones una buena, convincente, y atractiva mezcla de Metal Gótico & Progresivo, incluso alguna ráfaga de Power Metal europeo sale a flote como se puede escuchar en la inicial “Castle Of Exile”, “Love Remains” o “Falling Of The Empire” (con participación de coral).
Los músicos realizan bastante bien su cometido, pero destacando principalmente la voz clara, melódica, y con personalidad, de la vocalista Ana Barajas (genial sus diversos registros vocales durante “Unstable Mind”, o su gran voz en “Love Remains”); junto a las teclas de David Martínez, las cuales dotan, y acentúan más, el toque sinfónico y progresivo de las canciones (citemos por ejemplo “Ancient Guardian”, “Sarah Deserves To Rest” o “Wisdom Hunter”). En el lado opuesto lo que menos me convence son las voces de los guitarristas, uno realizando una voz rasgada que cuando aparece no queda bien (“Castle Of Exile”, “Falling Of The Empire”, “Wisdom Hunter”), siendo la otra voz clara, pero que para mi tampoco llega a encajar del todo bien en las canciones (“Unstable Mind”, “Dark Delusion”, “Love Remains”), a excepción de cuando se escucha, junto a la de Ana, en “The Lamp”, una de las dos canciones (“Dark Delusion” la otra) que aparecieron en su demo de 2006.
Además de los sonidos e influencias góticas y progresivas que predominan en los temas, también se atreven a incluir instrumentos del folclore colombiano, como el tiple y la bandola en “Change”, tocados por Diego Saboya (Palos y Cuerdas).
En el mes de mayo de 2010 Nova Orbis realizaron sus primeros conciertos fuera de territorio colombiano, descargando en tres ciudades de Argentina (Córdoba, Altagracia y Buenos Aires). Y en el presente 2011, además de abrir el 5 de febrero el concierto de los holandeses Epica en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán de Bogotá, hicieron cuatro fechas por Perú y Bolivia (Lima, Cuzco, Puno y La Paz) a comienzos de diciembre.
DULCE NEUS “Malabaristas del corazón” (2011)
Hoy es navidad, 25 de diciembre. Me he levantado, le he dado al play y que esperaba, fun, fun, fun, noooooooo, Rock, Rock, Rock, y eso es lo que traen desde Ciudad Real, Dulce Neus. Con fémina al frente, nos presentan un Hard Rock enérgico y melódico a la vez, con unos guitarrazos de cuidado, y la voz de Nieves Luceron, en una onda parecida a la de Patricia Tapia, pero sin nada que envidiar a la fantástica vocalista madrileña.
Después de la secuela de la Nochebuena, un tema como “Nunca seremos estrellas del Rock and Roll” te vuelve a recargar como una descarga de 1.000 watios directa a tu cerebro. Y es que Nieves, Ricardo, José y Chevi son una apisonadora, suenan enérgicos, adrenalíticos, rebosantes de melodía pero sin caer en pasteleo innecesario.
La voz de Nieves es un auténtico descubrimiento, ha conseguido que no pueda sacármela de la cabeza. Temas como “Un buen día”, “Es solo un juego” o “Viejos sueños” van directos a tu oído, tu cabeza y el resto de tu cuerpo. 12 temas, bueno 13 con el bonus track, que es “Las olvidadas”, pero esta vez solo con cuerdas y voz, que merecen estar en la colección de cualquier amante del Hard Rock.
No olvidéis este nombre, Dulce Neus, porque bueno, sabemos cómo funciona este negocio, cómo muchas veces priman los favoritismos sobre otras cuestiones, y toda la alergia que los “entendidos” musicales de este país, que intentan salvar el Rock and Roll a golpe de ratón desde el anonimato de un teclado tienen muchas veces a nuestras bandas, pero “Malabaristas del corazón” merece estar sin duda en lo más alto de este año que nos abandona a pasos agigantados, porque Nieves, Ricardo, José y Chevi se han marcado un disco que haría palidecer al más pintado.
Web DULCE NEUS - MySpace DULCE NEUS
Carlos T.
BARRA LIBRE “Nación de bastardos” (2011)
Allá por los primeros años noventa darían sus primeros coletazos como banda los logroñeses Barra Libre, con Pepe (guitarra y voz), Juan (bajo) y “Jafo” (batería) como miembros fundadores. Desde aquel primer concierto de 1992 en las fiestas del barrio del Cortijo no pararon de mostrar su Thrashcore por toda La Rioja, llegando a compartir cartel con Beer Mosh, Legion, Flitter o S.A. entre otros. Así, en 1993, de la mano del productor riojano Alex Iglesias, grabarían su maqueta “Vida perdida” en los estudios Arion de Pamplona, con portada del dibujante Carlos Azagra de la publicación El Jueves, siendo en este mismo año banda revelación de revistas como Metali-K.O. o HeavyRock, entre otras. Permitiéndoles en varias ocasiones tocar por otras regiones de la península, junto a bandas como Unbounded Terror o Doomsday. Así, en 1995 deciden disolverse por diferencias musicales y no es hasta el 2006 donde se produce el esperado retorno de la banda, realizando conciertos puntuales por la zona con gran éxito.
Tras veinte años de existencia, es en este 2011, grabando entre los meses de junio y julio en los estudios Sonovisión Rock Lab de Logroño, cuando Barra Libre pone a la venta su primer CD “Nación de bastardos”. Actualmente la formación cuenta con dos de sus miembros fundadores, Pepe García (voz y guitarra) y Fran Gonzalo “Jafo” (batería), a los que se les unen David Estetxa (bajo), anteriormente en Trece Forajidos, y Dan Diez (guitarra), un tipo experimentado habiendo pertenecido a bandas como Red Wine o Marcalma, dándole al grupo ese toque de calidad guitarrero, encargándose a la vez de la producción del disco.
Un trabajo en el cual estos cuatro tipos descargan todo su potencial repartidos en 14 temas donde musicalmente despliegan su potente Thrashcore, como así se denominan, combinando con unas letras cargadas de mala leche, llenas de mensajes y vivencias callejeras con cierto toque de humor.
El disco comienza con la instrumental “Anonymous”, donde se puede apreciar el buen hacer instrumental de los cuatro miembros, para dar paso a un puñado de temas de los que destacaría “Allí va Blas y los 40” o “Clavo”, temas pegadizos con la peculiar voz de Pepe García.
“Nación de bastardos” va en una onda que te puede recordar a Grip Inc., y “Virus” con mensaje ecologista y unas palabras la Sra. Ana Botella, la esposa del ex-presidente José María Aznar, cerrando el tema.
También nos encontramos un par de temas que ya aparecieron en la maqueta “Vida perdida” como “Vejestory” o “Vida perdida”, gran acierto de recuperarlos para este “Nación de bastardos”.
Destacar también “Los pazos”, que tras un comienzo un poco Doom coge una velocidad endiablada, muy thrashera, y “Yo maté a Dios”, donde hay momentos en los que la batería de Fran Gonzalo “Jafo” sale disparada al infinito. Habiendo una gran labor de guitarras y batería en todo el disco.
En el arte gráfico tenemos a Víctor Zapata “Bicho”, diseñador tanto de la portada como del libreto. La contragalleta es obra de Carlos Azagra.
Un disco que sabe combinar el Thrashcore macarrero que hacían entonces con la calidad, precisión y potencia que han adquirido a día de hoy. ¡¡Barra Libre vuelven a la palestra!!
Rubén PG
THE BLACK KEYS “El Camino” (2011)
Este inicio de década que estamos acabando se nos presenta muy suculento. La calidad de los nuevos lanzamientos, tanto a nivel internacional como nacional, es incontestable y un signo de buena salud para el Rock. No es fácil, por lo tanto, destacar en un panorama cada vez más amplio en el que viejas glorias y nuevas promesas se disputan las ventas y el prestigio. Sin embargo, hay un grupo de bandas que tienen cierta ventaja: las que ni son nuevas promesas ni son veteranos, pero que tienen la oportunidad, con cada disco nuevo, de consagrarse. Esto es justamente lo que han hecho estos americanos.
El sonido de The Black Keys puede recordarnos a cosas tan distintas como The Clash, Queens of the Stone Age, White Stripes o los mismísimos Led Zeppelin. Practican un Rock directo, de temas cortos y aparentemente sencillos, pero con unos cuantos ases en la manga. Estos ases pueden ser unos coros soberbios, una guitarra acústica o un giro de 160 grados en medio de una canción. Se dejan entrever sus raíces de Rock de garaje, de Rockabilly o de Punk, pero a la vez hacen gala de una madurez y una elegancia que los coloca en una incómoda plaza, entre el Hard Rock de calidad y el Rock americano de tinte comercial. Claro que, a día de hoy, quizás esta sea la única vía para triunfar haciendo a la vez música digna.
“El Camino” juega con fuego sin quemarse; esta delgada línea entre el Rock, el Punk y el Country que consiguen cruzar con estilo seguramente sea un acierto de su padre adoptivo (musicalmente hablando), Danger Mouse, músico y productor en alza en los tiempos que corren. Pero la mayor parte del mérito, no obstante, recae en el dúo formado por Dan Auerbach (guitarra y voz) y Patrick Carney (batería).
Los temas son bastante homógenos, pero yo destacaría sin pensármelo dos veces “Lonely Boy”, “Little Back Submarines”, “Sister” o “Stop Stop” como los más representativos, y de hecho me extenderé un poco con ellos. En estos, el minimalismo en los medios no es impedimento para hacer un alarde de buen gusto y “savoir faire” envidiables. Ya veréis.
“Lonely Boy”, el tema que abre, tiene todos los números para convertirse en un éxito, dado su gancho y su ritmo. Los coros son excelentes y la guitarra muy efectiva pese a su simplicidad.
“Little Black Submarines” es el mejor tema del disco de largo. Empieza tranquilo, a modo de balada, pero rápidamente entra la distorsión y el desmadre, evocando aquel “II” de los zepelines que, como resulta patente, todavía extiende su influencia en los más jóvenes (y yo que me alegro).
“Sister” se abre con un sencillo riff y una base rítmica de aúpa para desembocar en un estribillo muy “bluesy”. Una delicia.
“Stop Stop” derrocha ingenio por los cuatro costados. Es un tema adulto, trabajado, sencillo a priori pero con un bagaje de influencias que pasan por el Country o el Soul.
En resumen, un disco ideal para pasar una buena tarde de domingo, y un firme candidato a disco del año. No os lo perdáis.
Web THE BLACK KEYS - MySpace THE BLACK KEYS
Jaume “MrBison”
SPERANTHAS “Más que nunca” (2009)
Estamos ante el primer álbum de esta banda argentina integrada por músicos con experiencia en otras formaciones de aquellas latitudes.
El vocalista Axel Sierra Bas (quien fuera teclista de Imperio), junto al guitarrista Pablo Dello Valle (Carnarium), emprenden a mitad de 2003 la historia de Speranthas. A los pocos meses se les une el guitarrista Erick Trotta, recomendando al bajista Martín Bruno, con quien había tocado en Caronte. Redondeándose la formación con el batería Gustavo Arambich (Carnarium), quien traía consigo al teclista Gerardo Abbenante (ex–Adagium), con el que había fundado en el pasado el grupo Padieland.
Llegados a 2004 el guitarrista Pablo opta por dejar la banda por falta de tiempo, supliéndole hasta 2006 Facundo Coral (Cronos, Stratuz, Tren Loco, Vector, ex-Gillman), participando en algunos conciertos con Speranthas y registrando su primera demo en 2004, compuesta tan sólo por dos canciones (“No mires atrás” y “Se acerca el final”). Grabando también con Facundo el tema “Ride The Dragon” que se incluyó en "Muerte al Falso Metal - Tributo Argentino a Manowar" (2004); y “Soy real” (con Pablo Dello Valle al bajo y José Montes a la batería), que formó parte del doble disco “Tributo Internacional a Kraken” (2007), donde participaron, entre otras bandas de Argentina, Chile, México, Venezuela, Colombia, Uruguay, Bolivia, Perú y Ecuador, nuestros Trashnos, Tálesien y Vendaval.
La “Demo 2006” es el preámbulo a la grabación del disco “Más que nunca”, que comenzó en 2006. Registrándose en tres diferentes estudios: Digital KSB Studios (Buenos Aires), Tainha Rec (Brasil) y Probeta Records (Buenos Aires, Argentina), bajo los controles de dos de los componentes de la banda: Axel Sierra Bas y Gerardo Abbenante, siendo ellos también los que realizaron la producción del disco. Recurriendo a Mika Jussila para la masterización en Finnvox Studios (Finlandia). Aunque en los dos temas extras que hay al final del CD su mezcla y masterización corrió por cuenta de Axel.
En los créditos del álbum figuran como componentes de la formación argentina Axel Sierra Bas (voz y coros), Erick Trotta (guitarras eléctricas y acústicas) y Gerardo Abbenante (piano y teclados). Contando para la base rítmica con Federico Mele (Frater, ex–E.C.O., Mindslave) y Ariel Hausvirth (Enchained Souls), batería y bajo, respectivamente. Además de un extenso número de invitados que aportan guitarra, voces, coros, instrumentos folclóricos, de cuerda… enriqueciendo así las variadas composiciones del por aquel entonces trío argentino.
Al instante de ponerse a girar el CD lo que escuchamos son los latidos de un corazón, seguidos de una gran introducción instrumental, “Sólo será”, con teclas y orquestación de cuerdas y percusión, a la que se van uniendo con poder la batería y los demás instrumentos, enlazándola con la canción “Mentira”. Mostrándonos ya el potencial de Power Metal de cariz europeo que realiza la banda, sonando bastante potentes, ayudando para ello también el muy buen sonido y producción que tiene el disco. La voz de Axel es clara, fuerte y normal, sin ningún alarido rompecristales ni de castrati que tan en boga se puso durante la explosión del Power Metal. La batería suena de manera magistral en este tema y en todo el disco, aportando la incisiva guitarra de Erick Trotta buena técnica, además de toques y detalles.
Con tranquilidad se inicia “Se acerca el final”, con el piano de Gerardo (teniendo el teclista su peso durante los temas aportando melodías, sinfonismo… aunque sin tomar excesivo protagonismo) y la voz de Axel (que llega a registros más agresivos en partes del tema). Siendo otra potente canción de ritmo Power Metal, aunque con momentos oscuros, y donde colaboran con coros, como en la anterior, el teclista Gerardo Abbenante y Santiago R. Aciar; y en guitarra el antiguo componente Facundo Coral (quien también aporta sus seis cuerdas a “No mires atrás” y “Soñando”).
Todas las canciones están unidas por diferentes sonidos, como en el caso de la respiración del comienzo de “Vuelve a respirar”, incluyéndose instrumentos de Folk del Cono Sur americano, como el charango (por Adolfo “Tato” Rojas), sicus, quena y quenacho (tocados por Pedro Torres), el arreglo de carnavalito (Goyo Álvarez), además de sonar la viola (Elizabeth Ridolfi) y la voz de Laura “Buri” Ros.
“No mires atrás” es una veloz composición de Power Metal, con letra de superación personal, y donde suena la flauta traversa de Denise Guerschanik (habiéndolo hecho anteriormente durante “Se acerca el final”).
Balada de doloroso amor tenemos con “Lejos de ti, lejos de mi”, donde a la voz de Axel le acompaña de nuevo Laura “Buri” Ros, además de la flauta de Denise, la viola de Elizabeth y los violines de Daniel Karinkanta.
“En un instante”, dedicada a Alejandro Sierra Armengol y Carmelo Abbenante, es una inconmensurable pieza cargada de dramatismo con la grandísima voz operística de Julio Raggi, y la de Axel Sierra.
Ejercicio percusivo se escucha en el comienzo de “Soñando”, siendo la composición más speedica de todo el disco. Aunque donde realmente suena más grandioso, con gran técnica y pegada, Federico Mele con su batería es en “Corazón pétreo”.
La anti-bélica “No podrán”, con partes progresivas, quizá es el tema que menos me gusta de todo el disco, dotada de aires africanos acentuados en su pegadizo estribillo por el masivo coro.
“Heridas que sangran” es una instrumental neo-clásica que da paso a “Más que nunca”, dividida en tres partes, la I relajada, la II de rápido Power Metal, siendo la III y última compuesta con voces, sonidos… escuchándose en su final un corazón apagarse.
Los dos temas extras -con sonido menos bueno que los del álbum- son “Stony Heart” (imagino que perteneciente al single de adelanto del disco), versión en inglés de “Corazón pétreo”, con solo de guitarra tocado por Nahuel Sierra Bas; y “No miris enrere”, en catalán la versión a “No mires atrás”, con una segunda voz hecha por Adrián Gastón Santoro. Prefiriendo la cantada en el idioma de la tierra de la señera y la barretina, antes que la pronunciación de la cantada en la lengua de Shakespeare. Y quizá te preguntes, ¿qué hace una banda argentina cantando en catalán?, pues realmente no sé las raíces o parentesco que hay, pero el CD me fue remitido por el vocalista Axel desde Barcelona, desconociendo servidor si aún está allí viviendo y trabajando.
Web SPERANTHAS - Myspace SPERANTHAS
BREATHLESS “Thrashumancy” (2011)
A pesar de llevar en activo más de diez años, para servidor Breathless era una desconocida banda de las Islas Baleares, en concreto de Palma de Mallorca, hasta que el primer mes del presente 2011 Xtreem Music editaba su primer álbum.
La historia de los mallorquines empieza en junio de 1999 al reunirse un par de amigos, Eduardo Moreno (guitarra; ex–Sudden Death) y Joan Font (batería), a los que pronto se les unió Eddy (bajista). Aunque después se quedaron en dúo con la marcha de Eddy, no fue impedimento para que Eduardo y Joan llegaran a dar algunos conciertos tocando temas instrumentales.
Llegados a 2001 a la pareja de fundadores se les une Paco “Max” (guitarra) y Javier Martí (bajo), continuando con los temas instrumentales. Pero tiempo después Paco deja la formación, y en 2003 Javier se centra en Redrum (banda de Death Metal en la cual también está Eduardo Moreno). Dos nuevos componentes procedentes de la banda Surgeon se incorporaban: Víctor Arco (guitarra; en la actualidad en Taifa, ex-Strangled) y Álex (bajo). Durando con éstos cuatro años, en los que Eduardo, además de la guitarra toma las riendas de la voz.
“Breathless” (2007) fue la primera maqueta del cuarteto; dejando el guitarrista Víctor al grupo en 2008, y más adelante regresaba al puesto de bajista Javier Martí.
Con la entrada de Óscar Maestre (Redrum) el cuarteto entra a grabar en el estudio Urban (Palma de Mallorca) en diciembre de 2009 “Thrashumancy”. Ocupando los controles de grabación Rafa Rigo, acompañado por Toni Toledo. El disco se registraba en un mes, pero por problemas con la portada del álbum, éste se demora bastante tiempo en ver la luz. Por fin se publicaba en enero de 2011, con la genial portada por obra de Juanjo Castellano. Recordándome el estilo de Ed Repka (responsable de portadas de Death, Megadeth, Evildead… y más recientemente de nuestros Aggression y Wild), y digna de contemplarse en grande, como la de los vinilos.
Pienso que a estas alturas sobra decir el estilo musical que practica el cuarteto mallorquín, quedando más que patente en el título de su primera obra. Conteniendo el disco trece cortes, aunque cuatro de ellos sin voz: “Faceless Perspective” (que es la introducción), “Deadly Sessions” (instrumental utilizada como “outro”), y entre las canciones dos piezas instrumentales: “El 5º mafioso” (recuperada de la primera época del grupo) y “Ramiro Has A Gun”, que tan sólo se diferencian de las otras en que no está la voz de Eduardo.
Breathless, sin nada nuevo en sus canciones, ni creo que lo pretendan, nos evocan principalmente sonidos de bandas surgidas en los 80 en la Bay Area de San Francisco (USA) y en Alemania. Para algunos pueden estar bien y colmar sus expectativas, y no seré yo quien les lleve la contraria, pero para mi, habiendo hoy en día tanta oferta de formaciones de Thrash Metal, creo que hay que intentar ofrecer un producto en condiciones, no sólo con una genial portada y con canciones, más o menos, destacadas (“Thrashumancy”, “Pastors Of Hell”, “Penelaster”, “Arrass Attack!!”, “Storming For Vengeance”), porque si éstas poseen un sonido muy normal y corriente, opaco, con falta de más brillo y gancho en el resultado final de producción y grabación, lógicamente se puede decir que son correctos, pero que les falta algo para llamar la atención ante la masa. Y eso es lo que me sucede al escuchar esta primera obra de los baleares. Sus temas están simplemente bien -aunque demasiado homogéneos entre sí- pero para servidor no destacan ante otras muchas bandas nacionales (con disco o maqueta), ni extranjeras.
Es posible que si veo alguna vez a Breathless en directo me causen mejor impresión que en disco. Por lo pronto con la salida del álbum, además de en su tierra, han empezado a tocar por parte de la Península Ibérica: Manises, Valencia (el sábado 26 de marzo en el III Metal Bats Fest., acompañando a Baphomet´s Blood, Convixion, Ciclón y Nadsokor), Guadalajara (sábado 4 junio en la sala Bumerang junto a Stillnes y Agresiva), Madrid (domingo 5 de junio en Ritmo y Compás con Agresiva y Beast; y sábado 10 de diciembre en la sala Excalibur junto a Buskin Method y Beast), y Alcázar de San Juan, Ciudad Real (viernes 9 de diciembre en la sala Arco, con Atrocius Demise, Nightfear y Ante Todo Calma).
WISHBONE ASH “Elegant Stealth” (2011)
Wishbone Ash siempre se han caracterizado por ser un grupo innovador y de calidad, pero con una discreción de corredor de fondo que les ha puesto en una injusta segunda fila. Padres de las guitarras dobladas o “gemelas” que tanto influyeron después, los cambios en su formación y en su estilo no han impedido que estos músicos siguieran haciendo, sin llamar mucho la atención, buena música (y, si me lo permitís, buenísimas portadas).
De la formación clásica sólo nos queda Andy Powell (guitarra y voz), miembro fundador y letrista. Este hecho ya nos prepara para el contenido del disco, que sólo se asemeja un poco a aquella banda setentera de Hard Rock elaborado y preciosista. He aquí mi primer aviso: no esperéis encontraros un segundo “Argus”, porque os va a decepcionar. Sin embargo, si nos acercamos al plástico con mente abierta y un poco de condescendencia, no hay duda de que nos encontraremos ante un trabajo elaborado y más que respetable de música de calidad. Y digo música, no Hard Rock o Rock Progresivo, porque no todos los temas se ajustan exactamente a estas etiquetas. Esta es, en mi opinión, una de las constantes en la carrera de estos dinosaurios: como otras muchas bandas progresivas de los ‘70, han tenido que ir mudando su estilo para sobrevivir, pero sin dejar nunca de hacer buena música (o al menos de intentarlo). Lo mismo se podría decir de Yes o de Genesis, otros grandes, pero esto ya es otra historia.
Entrando ya en materia, lo primero que salta a la vista es que en este CD hay de todo, aunque destacan los temas más rockeros (un servidor es muy previsible). Es, por lo tanto, un disco bastante ecléctico, con una gran variedad de recursos (¡e instrumentos!) sabiamente administrados. Si antes he dicho que esta banda influyó a medio mundo (la otra mitad simplemente los copió), tampoco se puede negar que este disco supura influencias recibidas según el tema.
Por lo que se refiere a las canciones en sí, se puede constatar rápidamente el dominio de los medios tiempos, el protagonismo de las guitarras o el uso de coros y de punteos constantes. Hay algunos estribillos realmente conseguidos (“Can't Go it Alone”), y una balada (“Searching For Satellites”) que sale bastante bien parada; otros temas a destacar pueden ser “Warm Tears” o “Heavy Weather”, que explora la técnica del in crescendo o de la “canción doble”. Y luego está la instrumental (que no falte), “Mud-Slick”, toda una lección para guitarristas junto con el final de “Big Issues”. La última canción es un tema aparte (nunca mejor dicho). Se trata de una hidden-track, una especie de broma en mi opinión, en la que se dejan unos minutos en silencio para luego hacer un experimento bastante raro. A más de uno le ha gustado, pero a mí me estropea un poco el disco.
Y para acabar, otro aviso: este disco es de esos que gana con las escuchas. Palabra.
Jaume “MrBison”
TEARS OF MARTYR “Entrance” (2009)
Cuatro años transcurrieron desde que la banda originaria de Las Palmas de Gran Canaria apareciera por esta casa con su segunda demo, “Renascence” (2005), y ya con su nueva ubicación en Madrid autoeditar su primera obra de larga duración: “Entrance”, con esa oscura y sugerente portada (obra de Drawing Tears Design) que nos invita a adentrarnos en un mundo de sensaciones acompañadas por su muy bien compuesto, trabajado y ejecutado Metal Gótico.
El disco fue grabado del 20 al 24 de octubre de 2008 en los estudios M-20 (Madrid), y desde el 19 de enero al 1 de febrero de 2009 en los estudios Cube (Madrid). Corriendo su producción por cuenta del reconocido Alberto “Timburton” Seara y la propia banda, siendo Alberto quien mezclara los doce cortes que componen el álbum; y masterizándose en La Nave de Oseberg (Buenos Aires, Argentina) en febrero de 2009.
Con “Entrance” comprobamos que la banda ha crecido y mejorado bastante respecto a su anterior grabación, siguiendo integrando el grueso de la formación su fundador Miguel Ángel Marqués (guitarras & voces), Berenice Musa (voz soprano), Doramas Párraga (batería), junto a la incorporación del guitarrista J.M. Astur (ex–Dawn Of Tears), y la colaboración en todo el disco del bajista Dani Fernández (en la actualidad con Violent Eve, ex–Inntrance, Dark Moor, Metrópolis VI).
La introductoria e instrumental “Entrance” me recuerda a la música de algún programa televisivo, anuncio, o película, siendo la artífice de lo que suena (teclas, orquestación…) Isabel García, quien también es la encargada de las partes de Midi en el álbum. Esa intro enlaza con “Realm Of Pain”, donde la voz principal (gutural, grave, y voz rasgada) la lleva Miguel Ángel, aunque también aparece la preciosa voz soprano de Berenice, escuchándose además, y dándole un grado mayor de grandilocuencia, las voces de las sopranos Marina León, Beatriz Albert (ex–Ebony Ark) y Adriana Rodríguez, el tenor Juan Antonio Sanabria, y el barítono brasileño Roosewelt Borges, quienes vuelven a escucharse durante: “The Book Of Blood”, “Evil Domini”, “Dark Tears (Don´t You Shed Those)”…
En las primeras canciones -“Realm Of Pain”, “The Book Of Blood”, “Evil Domini” (con aires Doom), “Dark Tears (Don´t You Shed Those)” (incluyendo pequeña parte sinfónica/progresiva) y “A Shadow Blurs The Path” (escuchándose a Miguel Ángel hasta con voz limpia)- no sabría cuales destacar, ya que el juego de las voces extremas de Miguel Ángel y la bella de Berenice quedan bastante ejemplares en todas ellas, acompañadas correctamente por los instrumentos, sin resaltar ninguno. Metal Gótico de calidad con todo lo que conlleva, sin nada que envidiar en absoluto a otras formaciones foráneas.
“Prelude To Violence”, con la participación del violín del cubano Julio Fernández, es el preámbulo a “Violence In Red (A Violin´s Story)”, una tortuosa historia entre dos personajes (soprano y violinista).
“A New Design” (con letra de Berenice, Miguel Ángel, y el anterior teclista, Yeray Corujo) precede a “The Renascence (I)” y “Chasing The Sun” (II)”, dos canciones que anteriormente grabaran para su segunda maqueta y que aquí suenan estupendamente y mucho mejor.
Con la melancólica “Ballad For A Tortured Soul”, donde Berenice nos estremece con su voz, concluyen con bastante acierto su primera obra.
Además de resaltar del libreto la portada y el oscuro dibujo de ciudad futurista en la parte central, me ha gustado que se recuerde a: Jürgen Bjurenlind (batería), Jorge Maestre (guitarra solista) y Armando Álvarez (bajo); Luz Díaz (voz), Javier Montesdeoca (guitarra líder), Óscar Morante (guitarra líder), Yeray Corujo (teclas); y Javier Santos (bajo) y Carlos Archeón (bajo). Todos antiguos componentes de la banda, y les honra al grupo acordarse de ellos, algo que en muchas formaciones no es así, obviando o queriendo olvidar músicos que dieron vida y pasaron por las filas de las bandas.
Tears Of Martyr, junto a formaciones como los albaceteños Níobeth… son los grupos del llamado Metal Gótico u Operístico de mayor calado que hay en la actualidad en nuestro país. “Entrance” ha sido distribuido en Alemania, Austria y Suiza por STF Records.
Las actividades más significativas de la banda durante el presente 2011 fue abrir el concierto del 15 de abril de Dark Moor en la sala Heineken (Madrid), e integrar el cartel del Palencia Metal Rock 2011, y dar su primer concierto fuera de nuestras fronteras en el “Night Of Rock 2011”, que tuvo lugar en julio en Enzesfeld-Lindabrunn (Austria).
En la actualidad (Berenice, Miguel Ángel y Doramas, junto al bajista Adrián Miranda) preparan lo que será su segundo disco, el cual tienen previsto grabar en verano de 2012, co-produciéndolo la banda junto a Enrik García (Dark Moor).
Web TEARS OF MARTYR - Myspace TEARS OF MARTYR
OFFTOPIC “Impacto” (2011)
Sin prisa pero sin pausa, OffTopic ha ido labrándose un camino desde que en 2007 se nos presentaran con aquel “Sin miedo”, debut discográfico con el que les descubrimos. Al año siguiente volvieron con “A fuego”, y el año pasado nos dejaron “Backstage”, que no se podría considerar un nuevo disco al tratarse de una versión en inglés de algunas de sus canciones ya editadas. Por tanto, “Impacto” es oficial el tercer disco de la banda.
Lejos de dormirse en los laureles, los chicos de OffTopic han vuelto con más ganas que nunca. La formación de la banda permanece invariable desde sus inicios, es decir, Toni Sánchez-Gil (guitarra), Rosa Ibáñez (voz), Cristian Millán (batería) y José Luis López (bajo), y esta estabilidad permite al grupo crecer y mejorar sin los altibajos que suelen generar los cambios de formación en otros grupos. El trabajo de estos músicos ha conseguido una mejora tanto individual como colectiva, desembocando en un grupo cada día mejor.
Toni Sánchez-Gil lidera los temas con una guitarra poderosa que sirve de guía al resto del grupo, un pilar sobre el que se sostiene el disco. El otro estribo sobre el que cabalga la banda es la voz de Rosa, que no ha dejado de mejorar disco a disco. En “Impacto” tenemos a la mejor Rosa de su carrera, y su voz denota la confianza en sí misma de la que quizás adolecía en anteriores trabajos. Muy bien tanto de potencia como de modulación, se ha ganado a pulso un sitio entre las buenas cantantes femeninas que tenemos en nuestro Rock, destacando la amplitud de su registro, sobre todo en las notas graves, difíciles de afrontar en la voz de una mujer.
La base rítmica es sólida y brillante. Tanto Cristian como José Luis son muy hábiles con sus instrumentos, sabiendo mostrar su destreza en pequeñas dosis, sin perderse en excesivas demostraciones de virtuosismo, algo que juega a favor del desarrollo de los temas.
El disco es más cañero y contundente que los anteriores, con temas más frescos y directos, que necesitan menos escuchas para entrar en nuestra mollera. Los riffs de Toni entran como cuchillas afiladas, abriendo algunos de los temas más heavies que la banda ha escrito en su carrera, como “Cuarto sello”, “Fuera de sí” o “Sigo viva”, que junto al ritmo pesado de “Siempre” podría encuadrar “Impacto” como un disco de Heavy Metal, de no ser porque está compensado por otros temas de puro Hard Rock como “Más” o “El elegido”, mostrando como el grupo puede moverse con agilidad en ambos estilos.
El disco contiene, además, dos temas más tranquilos que sirven como contrapunto a tanta energía. Tanto la tierna y melosa balada “Abrázame” como el precioso medio tiempo “Veinte años” sirven, además, para que Rosa muestre lo mejor de sí misma, algo que también muestra en “El elegido” o “Iberia”, un tema con un riff inicial de tintes arábigos y texto de épico orgullo nacional.
Si el primer disco de un grupo es su presentación y el segundo la confirmación, el tercer trabajo debe significar la consolidación de una banda ya estable y madura. OffTopic ha conseguido este objetivo con creces, e “Impacto” significa el afianzamiento del grupo como una opción muy recomendable para seguir, tanto en disco como en directo.
No lo dejes pasar.
ANNIHILATIONMANCER “The Involution Philosophy” (2010 / 2011)
Bruno Masulli es el alma máter de este trío de Thrash Metal técnico y progresivo procedente de Nápoles (Italia) que el pasado año 2010 publicaba de manera independiente este primer álbum, pero que en el presente (a finales de marzo de 2011) se lanzaba como primera referencia de los germanos Pure Underground Records / Pure Steel Records.
Annihilationmancer surgía en 1995 por los jóvenes guitarristas Bruno Marsulli y Angelo Sasso, uniéndoseles después el batería Marco Tufari. Se intentó incorporar un bajista, pero al final el grupo quedó como trío con Bruno encargándose de la guitarra y la voz; Angelo de la guitarra y el bajo; y Marco de la batería.
En 1998 Angelo Sasso dejó la banda, y en 1999 se publicaba la primera maqueta de Annihilationmancer: “Unpunished Massacre Messiah”, con Bruno grabando la voz, guitarras y bajo; y Marco la batería. Volviendo a ser trío con la incorporación de Luca Coppola (ex–Power Beyond) como bajista.
El batería Marco Tufari en 2001 abandonaba la formación, entrando ésta en un período de hibernación hasta el 2004, donde Bruno Masulli (Loadstar, Power Beyond, Savior From Anger, ex-Burial In Sulphur, Marshall) se hizo acompañar del batería Lino Mazzola (Marshall, ex–Savior From Anger) y de nuevo del bajista Luca Coppola. Después de una serie de conciertos por la región de Campana (al sur de Italia) y de la “Promo ´09”, empezaron a registrar “The Involution Philosophy”, aunque durante la grabación entraba como batería Andrea Cannata (In Aevum Agere).
Durante cerca de cincuenta minutos el terceto italiano nos envuelve en un excelso aluvión de Thrash Metal dotado de una técnica y momentos progresivos de una magna clase.
La gran técnica y cambios de ritmo de unos Watchtower, y pasajes instrumentales de una calidad inusitada en línea a los últimos trabajos de Chuck Schuldiner (R.I.P.) con sus Death, podemos recrearnos y gozarlos en cada escucha de extensos temas como “Etero” (precedida de la pequeña, pero gran, introducción instrumental “Antimateria”), el diverso paroxismo musical y de un enorme Thrash Metal técnico y progresivo durante “The Involution Philosophy” (rozando los nueve minutos), “Apolide” (pasando de los nueve minutos), “Impoverishment God Existence” (la composición más directa y trallera después de su tranquilo inicio)… con la voz de Bruno con parecido a la nasal y rabiosa de Dave Mustaine (Megadeth), aunque también se atreve a rasgarla y hacerla más agresiva.
En ciertos momentos de canciones como “The Involution Philosophy”, “Corner Of The Answers”… el trío napolitano nos puede recordar además la calidad de bandas del Power Metal norteamericano.
Buenos pasajes relajantes tenemos también durante “The Involution Philosophy”, “Apolide”, “Impoverishment God Existence”, y la instrumental “Reflected In Her Life”, que precede al octavo y último corte, “Mind Surrounds, The Cavities Of Fear” (una de las pistas que integraban, junto a la intro “Antimateria” y “Etereo”, la demo promocional de 2009), con unas guitarras rítmicas y solista, bajo, batería, alternancia de voces… ¡¡¡todo perfecto!!!
Me gusta muchísimo el Thrash Metal, pero si tengo que elegir entre el “tupa-tupa-tupa…” repetitivo y monótono de algunos grupos del estilo, y la clase, técnica y calidad de bandas como Annihilationmancer, prefiero antes la de éstos. Quienes han logrado un disco debut para alucinar ante cada ritual de escucha.
Web ANNIHILATIONMANCER - Myspace ANNIHILATIONMANCER
QUINTA ENMIENDA “Ne Bis In Idem” (2010)
¿No acabamos hasta las gónadas de grupos de Power Metal de corte europeo?, pero claro, ¿acaso no pasó lo mismo con el Thrash Metal, Hair Metal, Sleazy, Grunge, Nu Metal, Death Metal melódico, Gothic Metal, etc., etc.? Es lo que tiene saturar el mercado discográfico con grupos del mismo estilo, algunos destacables, y otros copias y clones de aquellos. Pues bien, ya pasada esa fiebre del Power Metal europeo en nuestro país, esta joven formación autoeditó el año pasado un disco que contiene temas de Heavy / Power Metal, pero marcando la diferencia respecto a otros grupos de igual índole en que las canciones están bastante bien compuestas y ejecutadas.
El nombre de la banda viene del principio en latín “Ne Bis In Idem”, una defensa legal que en nuestros tiempos se continúa aplicando en los tribunales y por la cual una persona no puede ser juzgada ni declarada culpable dos veces por el mismo delito o crimen. Así Quinta Enmienda surgió a finales de 2006 en Getafe (Madrid) por medio de Miguel González Calvo (guitarra y voz), dedicando sus inicios en realizar versiones de grupos como Stratovarius, Manowar, Tierra Santa, WarCry… La formación sufre cambios entre sus filas y en 2007 (ya con Daniel Martínez del Monte, guitarra y coros; ex–Septem Custodes) comienzan a escribir sus primeros temas propios. Grabando en 2008 su primera maqueta (de tan sólo dos canciones) al resultar los segundos en el concurso “¿Y tú qué tocas?”. Comenzando después a dar sus primeros directos.
En 2008 también registraban su segunda maqueta, “Quinta Enmienda”, compuesta por nueve cortes, que luego serían los que de nuevo grabarían para este disco debut.
A comienzos de 2009 la base rítmica se marcha (Benito y Vanessa), siendo más adelante completada de nuevo con Sergio Martínez Vicente (bajo; ex–Intruso, Wild Dreams) e Iván Méndez Familiar (batería; ex-Intruso). Con ellos, el sábado 5 de septiembre de 2009 integraban el cartel de un homenaje al fallecido e histórico mánager Javier Gálvez en Alcorcón (Madrid), donde compartían tablas con Medina Azahara, Muro, Saratoga y Mr. Rock, asistiendo al tributo más de 4000 personas.
“Ne Bis In Idem” fue grabado durante diez días en los estudios valencianos FireWorks, entre febrero y mayo de 2010, estando tras los controles (grabación, mezclas y producción) el solicitado y afamado Fernando Asensi.
Una intro orquestada titulada “Ne Bis In Idem” precede a uno de los mejores temas del disco, “Mi libertad”, donde las guitarras, la potente batería (me gusta el sonido conseguido) y las teclas están bien compactadas y sonando más que correctamente. Recordándome a los mejores Tierra Santa, y con un estribillo bastante pegadizo. A los riojanos también me suenan en “Dulce prisión” y en otras canciones (“Oscuro amanecer”, “Exiliado”…), aunque los madrileños añadan más cambios, ambientes y frescura.
“El viejo código”, dotada con diferentes cambios de ritmo, es una canción que puede traerte a la cabeza especialmente en su estribillo a los asturianos WarCry, otro de los grupos nacionales a los que recuerdan en algunas ocasiones.
Más de seis minutos duran “Oscuro amanecer” y “Desde el Infierno”. La primera de comienzo y pasajes baladísticos, y donde en ambas tienen tiempo de sobra para imprimir velocidad, cabalgar rítmicamente, y recrearse instrumentalmente.
“Exiliado” es otro de los temas que más destacan en el álbum por su pegadizo estribillo, digno de cantar en pleno éxtasis en sus conciertos. En “Prisionero” cuentan con la participación de una voz femenina (Flor Luna) que toma su protagonismo al comienzo del tema, y que no queda muy allá comparada con la de Miguel, quien sin ser un gran cantante, sabe sacarle su buen punto a sus cuerdas vocales, además de a las de la guitarra.
Las teclas comienza “Quinta Enmienda”, siendo su inicio, acompañando a la voz, pausado y relajante. Después continúan a ritmo de Power Metal, incluyéndose destacados pasajes y líneas vocales épicas.
Antes de ver el disco la luz apareció en marzo de 2010 un single de descarga gratuita, con los temas “Dulce prisión”, “El viejo código”, y la versión de “Valhalla” (Blind Guardian), en la que instrumentalmente no se pueden poner apenas peros (dando su toque personal, y variando el final), aunque queda patente el acento hispano en el inglés por parte de Miguel González.
Tras la salida del álbum a finales de mayo de 2010, Quinta Enmienda formó parte del festival “Sonisphere 2010” (Getafe, Madrid), en concreto del segundo día (sábado 10 de julio) compartiendo el escenario 2 con Headcharger, Coheed And Cambria, Soulfly, Megadeth y Meshuggah.
En el último mes de 2010 entraba como teclista Jesús Martín Toribio (quien ya había participado con la banda en directo y en el disco, en concreto en el tema “Quinta Enmienda”) sustituyendo a Francisco Jesús Quintanilla “Patxi” (que había formado en la banda desde 2006).
Quinta Enmienda ha seguido creciendo en los escenarios, destacando sus conciertos en 2011 abriendo para los italianos Elvenking (el domingo 13 de febrero en la madrileña sala Ritmo & Compás), en el festival “Power A Live” (domingo 15 de mayo en la sala RocKitchen; con Sphinx, Opera Magna, DarkSun, Nocturnia, Arkania, Aura Eterna e In Vain) y en el festival Granito Rock 2011 (24 de julio) en Collado Villalba (Madrid), con Tierra Santa, Jorge Salán, Third Dimension, The Skyline War, AK97 y Señor Mamut.
El quinteto madrileño ya se encuentra grabando lo que será su segundo disco, el cual contará con la participación de una coral de 50 personas.
Web QUINTA ENMIENDA - Myspace QUINTA ENMIENDA
 |
|
E-En Er-Et Eu-Ey Pe-Ph Pi-Po Pr-Pu |