Horroroso Malo Regular Bueno Brillante Excepcional
| MORGANA VS MORGANA Sol invicto |
| LIVING CORPSE Metaphysical Collapse |
| PATENTE DE CORSO MMX |
| SILENT SCREAM Teoría de cuerdas |
| EXCALIBUR Fils Vengeur |
| BERRINCHE Todo el mundo sabe... |
| VINCE NEIL Tattoos & Tequila |
| HELLWITCH Omnipotent Convocation |
| LA BANDA DE OSIRIS Despertar |
| THE UNDEAD FAMILY En el silencio |
| MORVITY Némesis omnisciente |
| THE SPEKTRUM Daemonicus Awakening |
| VARIOS (AE)quilibrium - Man Vs. Machine |
| EXTREME Take Us Alive |
| ASSANIA Tímida luz de gas |
| SEXTO SONAR Enfrentando la realidad |
| ELDORADO Eldorado |
| DAMAGE Pure Alcoholic Metal |
| LUJURIA Llama eterna |
| DULCE NEUS Hotel, cuatro estrellas |
MORGANA VS MORGANA “Sol invicto” (2009)
Es la primera vez que se asoman a nuestra web, a pesar de ser un grupo ya veterano, fundado allá por 1992. “Sol invicto” es su tercer trabajo, tras su debut “Luz visión 3.57”, que tuvo su continuación en “Hipnoterapia” (2003).
Desconocemos cómo serían los dos anteriores discos, pero “Sol invicto” está realmente bien, si eres de los que disfrutan con el metal progresivo, ya que las características de este estilo hacen que aquellos seguidores que no estén habituados a escuchar grupos como Porcupine Tree o A Perfect Circle, por poner dos ejemplos, echen en falta elementos más comunes en el Rock o Metal más tradicional, pero aquellos que estén habituados a este tipo de elaboradas composiciones, tendrán en este disco un buen referente nacional que añadir a sus otras referencias.
“Sol invicto” cumple con muchas de las premisas que se le suponen a grupos de este género: composiciones largas y muy trabajadas que dejan lugar a unas estructuras volubles que van y vienen a lo largo del extenso minutaje de cada tema. Morgana Vs Morgana utiliza momentos de contundencia e ímpetu, combinados con fases de tempos contenidos, siendo en éstos últimos donde el grupo brilla en mayor medida. Esta sensación es acrecentada por la voz de Carlos Pagola, suave y bien modulada, quien huye de cualquier tipo de demostración de facultades y se centra más en llevar a buen puerto las melodías vocales sin muchas estridencias.
El grupo cuenta con dos guitarristas, Javier
Cortés y Zagg, cuya aportación es curiosamente menos protagonista de lo que
cabría esperar, construyendo riffs y solos para diseñar los temas, y dejando
el lucimiento a la base rítmica, que nos ofrece un trabajo brillantísimo.
Tanto la batería de Vicente Merodio como el bajo de Raúl Pagola están a un
nivel muy alto y disfrutar de su aportación es uno de los alicientes del
disco.
Entre los temas contenidos, yo me quedo con “El horizonte”, en el que juegan
con la intensidad de forma majestuosa, sabiendo cuando insertar elementos
poderosos en un largo tema concebido de forma más suave. Otro tema destacado
es “Si quiero decir no”, que cierra el disco dejándonos buen sabor de boca.
El resto del trabajo sigue esta misma línea, aunque para los que no sean muy
seguidores del estilo puede llegar a cansar en algunas fases, ya que se echa
en falta algo de ritmo o algún elemento que saque al disco de la dinámica
algo estática en el que se mueve.
Con todas estas premisas, y sabiendo qué es lo que el Morgana Vs Morgana quiere ofrecer, “Sol invicto” es un disco al cual se le puede sacar mucho partido.
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LIVING CORPSE “Metaphysical Collapse” (2010)
La llamativa obra del holandés Dennis Sibeijn “Damnengine Desing” (All Shall Perish, Killswitch Engage, Slipknot, Lamb Of God, Chimaira, Aborted…), con una pareja que es atravesada por estacas de madera, es elegida como portada del primer disco de esta joven banda italiana.
Living Corpse comenzó su andadura en el año 2000, grabando cinco años después la demo “The Redline” (2005), que les llevó a realizar su primera gira. Participaron también en la única fecha en Italia del “Hellbound Revenge Tour 2005” de 25 Ta Life, además de compartir escenario en su país junto a bandas como All Shall Perish, Brutal Truth, Brujeria, Neaera, Arch Enemy, etc.
En junio de 2009 entraban a One Voice Studio para grabar, bajo los mandos de Daniele Giordana (técnico de sonido de Suicidal Tendencies, Agnostic Front, Sick Of It All, Biohazard, Madball, Hatebreed, Obituary…), su primer álbum. Produciéndolo, mezclándolo y masterizándolo el músico y productor Ettore Rigotti (Disarmonia Mundi, Destrage, Slowmotion Apocalypse, Stigma…). Murdered Music / Coroner Records era el Sello encargado de publicar “Metaphysical Collapse”.
En algo más de media hora despachan su colérico Metalcore, incrustando en las contundentes canciones sacudidas de noventero Thrash / Death (habiendo más de lo primero que de lo segundo). Rafael Felletti (voz), Emanuele Ciancio (guitarras; Corroosion), Daniele De Giorgi (batería) y Mauro Lacertosa (bajo) suenan arrolladores, pero con la sensación de que esto lo has escuchado anteriormente, viniéndome a la testa mientras suenan los temas grupos como At The Gates, The Haunted, Hatesphere… y también bandas del actual y moderno Metalcore. Aunque aquí no hay nada de voces melódicas ni limpias, la voz de Rafael es enrabietada y descarnada, teniendo el defecto que acaba haciéndose demasiado monótona, ya que no varía su fiereza, algunos guturales como en “Twin Divine”, “Conspiracy” o “Supplying My Lust”, pero poquito más cambia el registro rabioso y visceral.
“Ars Regia”, “Metaphysical Collapse”, “The Great Silver Bullet”, “6th Race Of Aquarius Age”… te harán un esguince cervical si intentas seguir partes de sus apabullantes y tremendos ritmos, y destrozarás tu garganta si emulas cantar como el vocalista… pero al final te dejan vacío, pensando que mucha potencia y tralla, pero poco más donde rascar.
Ante tanta violencia sonora hay algunos pequeños momentos de respiro y calma, como el corto instante que hay en la inicial “Ars Regia”, y luego tenemos dos cortes instrumentales relajantes: tras pasar el ecuador de la grabación está “Mindflow”, y cerrando el disco “Daybreak”, una pieza ambiental con teclas.
Si buscas tralla actual sin compasión puede que la propuesta de los italianos te atraiga y te guste. Para servidor el grupo si no progresa en el futuro quedará como otra banda de las muchas que hay de Metalcore, que suenan bien, pero no les siento alma y no ofrecen absolutamente nada dentro del panorama.
Living Corpse de cuatro integrantes pasaron a cinco con la entrada de Davide Marrone (samples / media) en otoño de 2009.
PATENTE DE CORSO “MMX” (2010)
Siempre es una buena noticia que un nuevo grupo se asome al mundo del Hard Rock en España. Significa que, a pesar de que el futuro pinta negro, la escena se mueve y siempre hay músicos intentando sobresalir, poniendo toda su ilusión en ello, y empeñando si hace falta algo de su patrimonio personal para ofrecer el mejor producto posible a sus seguidores.
Patente de Corso es un buen ejemplo de ello. “MMX” es su disco debut, aunque llevan funcionando ya bastante tiempo. De hecho, fueron invitados a actuar en una de las fiestas de aniversario de esta santa casa, dejándonos una grata impresión, y desde entonces hemos deseado ver plasmados aquellos temas en un disco, cosa que ahora tenemos la oportunidad de hacer.
En el grupo hay algunos viejos conocidos. Juanma puso su voz en los inicios de Mago de Oz, con los que grabó su homónimo disco debut, Paco Benítez fue guitarrista de Los Trípodes, la banda que acompañó a Julio Castejón en su etapa en solitario antes de refundar Asfalto, y con quien grabó dos discos, y Javi “Cozy” fue batería de Hamlet y acompañó a Ángeles del Infierno en alguno de sus periplos por Mexico y los USA. Del bajo se hace cargo Fran Montero, al que desconocíamos hasta que descubrimos al grupo, y la última incorporación a la banda es la figura del guitarrista Gustavo Martín, quien compagina su pertenencia en Patente de Corso con su otro grupo, Cover Band, con quienes toca versiones acompañado de amigos de toda la vida.
En unos tiempos donde hay que ofrecer algo más en cada disco para evitar la tentación del pirateo, una buena presentación hace ganar muchos enteros a la opción de dejarse unos pocos euros en adquirir el CD original. Patente de Corso lo tiene claro, y antes de hablar del contenido no podemos por menos que hablaros de las excelencias del continente. Porque no sólo se han preocupado de que el digipack tenga una apariencia visual atractiva, sino que se han procurado de estimular un sentido que pocas veces es tenido en cuenta: el tacto. El disco ofrece una textura suave, imitando piel y con el logo del grupo en relieve, realmente atractiva, y que ha debido costar una pasta, subvencionada directamente por el bolsillo de los músicos. Una vez que dejamos de acariciar la portada, abrimos el digipack y podemos disfrutar de un extenso libreto con las letras, fotos del grupo y los créditos y agradecimientos habituales.
Hablando ya del contenido, también se han preocupado de que el disco sonara lo mejor posible. Para ello han contado para las labores de productor con Pablo Salinas, a quien aún recordamos como guitarrista-teclista en los Topo de “Ciudad de Músicos”, y a quien su trayectoria vital le ha llevado a ser un gran productor que ha sacado todo el partido al grupo y ha conseguido un sonido brillante en el cual destacan todos los instrumentos.
“MMX” es un disco que requiere algo de paciencia. La ausencia de estribillos pegadizos hace que necesitemos varias escuchas para empezar a sacarle todo el potencial que atesora. Una vez que hemos insistido varias veces sobre él, los temas van entrando y vamos descubriendo en ellos la calidad que a la primera escucha puede pasar más desapercibida. Entre ellos me quedo con varios cortes que me han gustado especialmente, como “Aún estando muerto”, “Empezar de cero” o “Nada tiene sentido”, unas canciones espléndidas que, como el resto del disco, mejoran con cada escucha.
La banda raya a gran nivel, con especial lucimiento de ambos guitarristas, Paco y Gustavo, quienes se turnan para ofrecernos grandes solos en cada tema, cada uno con su propio estilo. La base rítmica es poderosa y versátil, con Cozy y Fran formando un tándem que va mucho más allá de la función de soporte a los temas, con fases de protagonismo, siendo un aliciente más del grupo. A la voz de Juanma hay que acostumbrarse, ya que su personal timbre de voz choca en un principio con lo que se esperaría de un cantante de este estilo. Tiene como lastre que en los dos primeros temas, “Corsario” y “La taberna del turco”, su interpretación no es demasiado acertada, aunque a partir del siguiente su forma de cantar mejora mucho, llegando a momentos realmente brillantes, como en “Nadie como tú”, que empieza como un medio tiempo para después animarse algo más, y donde Juanma ofrece su mejor interpretación del disco.
Uniendo todos los elementos, tanto la música en sí como el lujoso envoltorio en el que se nos presenta, hacen que el precio del disco sea liviano en relación a lo que se nos ofrece. Os invito a descubrirle, seguro que no os defraudará.
SILENT SCREAM “Teoría de cuerdas” (2010)
Slayer tienen un tema titulado “Silent Scream” (¡¡¡mortal la manera de enlazar “South Of Heaven” a “Silent Scream”!!!), pero estos barceloneses no tienen nada que ver con uno de los grandes del Thrash Metal, ni son una nueva formación de las muchas que han surgido en estos últimos años que rinden culto a dicho estilo. Los cinco jóvenes debutan con este álbum, el cual le costó lo suyo que viera la luz. A mitad de la grabación el bajista tuvo que marchar a trabajar a Galicia, y la jodida crisis económica también azotó a la formación, dejando a dos componentes sin trabajo, por lo que la banda tuvo que esforzarse para poder seguir en el local de ensayo, y con la grabación.
La idea de la creación de Silent Scream se inició en la Facultad de Ciencias de la Universidad Autónoma de Barcelona, donde se conocieron Chus Corral (guitarra) y Lluís Cano “LouiSka” (batería). Era Semana Santa de 2001 cuando Chus adquirió su primera guitarra eléctrica (antes sólo tenía una española).
En 2002 comienza a completarse el grupo, primero con la entrada del guitarrista Daniel Alpáñez (amigo de Chus desde pequeño y compañero en las clases de solfeo, armonía y guitarra), con el que comenzaron a realizar versiones de Iron Maiden, Led Zeppelin, Yngwie Malmsteen y Joe Satriani. Un par de meses después la tarea de bajista recayó en el hermano de Lluís Cano, Xavi Cano, quien era guitarrista pero al que no le importó pasarse a las cuatro cuerdas. Continuando los chicos con la tarea de versionear grupos que les gustaban: Maiden, Malmsteen, Stratovarius, Children Of Bodom…
Llegados al año 2003 toman la decisión de empezar a componer canciones de cosecha propia, por lo que comienzan a buscar vocalista. Tras el paso de meses y meses de duro trabajo componiendo, buscando y encontrando un local de ensayo en Barcelona… en 2004, gracias a un anuncio, por fin dan con el vocalista definitivo, Daniel Claramonte.
La primera grabación que hicieron fue la maqueta “El preludio” (2006), grabada de manera casera en su local de ensayo con un ordenador y un micrófono. De esa demo de seis cortes volvieron a recuperar y grabar cuatro canciones para el disco (“Odio eterno”, “Victoria o derrota”, “Noche y niebla” y “Sin destino”). Tras la edición de la maqueta empezaron a tomar contacto con los escenarios.
Los once cortes de “Teoría de cuerdas” fueron grabados durante 2009 entre Dante Studios y Cima Digital Studios (registrándose aquí las baterías). Cargando la banda con la tarea de la producción, consiguiendo un resultado bastante decente, aunque con aspectos a mejorar, como el sonido sacado a la batería, por ejemplo. Finalmente el disco lo editaban el pasado febrero de 2010 con la distribución a cargo de los asturianos de Santo Grial.
Para ser el primer disco de Silent Scream no está del todo mal su debut, aunque siendo sincero, la clase de Heavy Metal que realizan no es que me apasione ni sea en la actualidad lo que más me atraiga o guste. Por norma general, termina aburriéndome, y eso que en cada composición hay heterogeneidad. Pero no se puede negar que tras las canciones de la banda hay muchas horas de trabajo y ensayo, cuidando con esmero la composición y los arreglos. Durante las escuchas de los temas se pueden percibir numerosas influencias de Iron Maiden y Edguy (incluido el tono vocal de Dani Claramonte, que se asemeja a Bruce Dickinson o Tobias Sammet)… más ráfagas veloces de Power Metal europeo, Metal Progresivo… y hasta guitarreo de Metal Neoclásico. También cuando suenan a Maiden, y al cantar en castellano, me vienen a la cabeza los gaditanos Sphinx.
Los cuatro instrumentistas se muestran con un nivel alto (en cada tema, y especialmente en la instrumental “Fuerza suprema”), y la voz principal, y voces, tiene diferentes registros, incluyendo hasta líneas vocales agresivas y rasgadas (“Delirios de grandeza”, “Sumergidos en el caos” y “Tu final”), aunque para mi éstas no están a buena altura. La diversidad musical y cambios es lo más normal en cada canción, y aunque con eso consiguen que se capten matices, nuevos detalles y elementos a cada escucha, sin embargo no tienen temas directos que te enganchen plenamente (puede que las que se acerquen sean la épica “Gritos en el silencio”, “Noche y niebla” y “Odio eterno”). Tampoco juegan a su favor que las composiciones, en su mayoría, pasen de los cinco minutos (exceptuando “Noche y niebla” y “Fuerza suprema”). La verdad que me cuesta imaginar un concierto del grupo donde la gente cante y se vuelque por completo ante canciones insignias.
Invitaron a dejar sus huellas en el disco al guitarrista Ángel Romero (Seven Seas, Hapax, ex–Rain), con un solo entre el guitarreo de “Odio eterno”, y a Israel Ramos (Amadeüs), que participó con su voz en “Victoria o derrota”.
Hay que hacer mención al buen y original trabajo de portada (eligieron ésta de ocho posibles) y libreto por obra de Fernando Medina.
Intentando acercarme a la total objetividad, el disco tiene variedad y extensión en cada canción (quizá en demasía), siendo un álbum correcto. Más si lo comparamos con otros trabajos de grupos nóveles, y no tan nóveles, de nuestro país. Pero tampoco es que sea un disco para lanzar las campanas al vuelo y agasajar sencillamente a la banda. Espero que Silent Scream sigan trabajándoselo, logrando y definiendo su propio sonido, aunque eso en los tiempos que corren es ya prácticamente una utopía.
EXCALIBUR “Fils Vengeur” (2009)
Adoptando el nombre de la legendaria espada del rey Arturo ha habido y hay numerosas bandas esparcidas por el globo terráqueo. De hecho, en nuestro país tuvimos a los alicantinos Excalibur, dejando, entre otras grabaciones, el álbum “Generación maldita” (Sniff Records, 1989). Los Excalibur que nos ocupan surgieron a comienzos de los 80 en Francia, llegando solamente a editar una demo, separándose años después.
Méthane era una banda que tendía hacia el Hard Rock y que estuvo en activo durante el período 1982 / 1983. No publicaron ninguna demo oficial, aunque sí que llegaron a sonar temas suyos en emisoras de FM francesas como en el programa “Maniac” de Campus Radio, “L´èmission sans nom”, etc. Dando tan sólo un par o tres de conciertos por el norte de Francia (Ostricourt y Cambrai).
En busca de sonidos más duros, Méthane pasó a mejor vida, naciendo Excalibur, con Black (voz y guitarra), Lou (bajo) y Buck Dan (batería), incorporándosele poco tiempo después Phill (guitarra), con el que comenzaron a realizar conciertos y a establecer el nombre de Excalibur. Algunos de los temas de Méthane fueron: “Solitude”, “Metal Kid”, “Jungla de L´Erreur”, “Rock Scène”, “Accroche Toi Jeannot”... utilizándose partes, o trozos, de esas antiguas composiciones en las nuevas de Excalibur, como por ejemplo de “Accroche Toi Jeannot” en “Fils Vengeur”.
A comienzos de 1984 dos canciones (“Baby Killer” y Apocalypse) grabadas de una sesión fueron empleadas para que Excalibur sonara en algunos programas radiofónicos. Y tras una serie de conciertos (en el verano de 1984 en Portel ante 1500 personas, Bethune, Rouvroy...), en septiembre de 1984, entraban a grabar su demo oficial, conocida como “Fils Vengeur”. Que hizo que Excalibur fueran más conocidos, bien haciendo promociones y sonando en las emisoras de radio, o descargando en directo sus canciones. Destacando el concierto que dieron abriendo para sus compatriotas H-Bomb durante el “Attaque French Tour” en Carvin (Francia) en febrero de 1985, o su descarga en “Foyer Brossolette” de Armentières el 16 de marzo de 1985.
En 1985 hubo contacto con el Sello belga Mausoleum Records para un posible primer disco, pero finalmente no se consiguió, entre otras causas por la marcha del guitarrista Phill en dicho año, siendo sustituido por “Blue Bird” en 1987. Dando Excalibur los últimos estertores de vida durante ese mismo año en el que finalmente se separaron.
Pero veinte años después Excalibur de nuevo se
alzaba resplandeciente y afilada.
EmanesMetal Records, el Sello de Laurent & Nath Sename, editaba el 12 de
enero de 2008 el vinilo “Fils Vengeur”. Una edición limitada de 500 copias
numeradas a mano, conteniendo
los
seis temas de la demo de 1984, más las dos primeras canciones que grabaron
anteriores a la demo ´84, y un tema en directo (“Heavy Metal”) registrado en
el concierto de Armentières de 1985. Los antiguos guerreros, Black y Lou,
unían sus fuerzas de nuevo, y, tras probar sin éxito a una serie de
candidatos, regresaba con ellos otro guerrero de la vieja escuela en enero
de 2008, el batería Buck Dan. Completando la nueva etapa de Excalibur el
guitarrista Fabien (Marlyn´s). El cuarteto volvía a los escenarios después
de 22 años en el “Long Live Metal!!! Festival-Chapitre 2”, celebrado en el
“Splendid” de Lille el 10 de mayo de 2008 (compartiendo cartel con Hirax,
Sacred Steel, Released Anger, Blaspheme, Lonewolf, The Bootle Doom Lazy Band
y Portrait), y en el primer día (13 de septiembre) del “Raismes Fest 2008”,
con Saxon, Y&T, Nilfheim, Mass Hysteria, Virus IV, Inactive Messiah, Glyder,
Dreamlost, E-Force, Herrschaft, Sammsara y Ace Out.
La edición de “Fils Vengeur” en CD (con libreto de doce páginas con fotos, biografía, letras...) la publicaba en noviembre de 2009 EmanesMetal Records, con muchos más temas que en el vinilo. Diecisiete cortes en cerca de ochenta minutos, encontrándose casi la totalidad del legado musical que dejó Excalibur en sus cuatro años de existencia durante los 80. Eso sí, las canciones están pasadas de cintas al CD, por lo tanto no esperes gran sonido, pero en cambio así escuchamos la esencia pura de la mezcla de Speed y Heavy Metal que realizaban los cuatro franceses. ¿Hace falta que a estas alturas diga que Black canta las canciones en francés?
En la primera parte del CD están las seis
canciones de la demo´84. El tema “Fils Vengeur” tiene un comienzo
instrumental de sonido
Doom, heredero de los genuinos Black Sabbath, pasando
luego el tema a tener como característica principal los veloces riffs de
guitarras al estilo de los primeros Metallica, y por consecuente con
recuerdo a grupos de la N.W.O.B.H.M. que influenciaron a los de San
Francisco: Diamond Head, Blitzkrieg, Sweet Savage, etc. Con Black cantando
de manera rápida y un tanto agresiva, aunque también se permite lanzar altas
y agudas notas, como podemos comprobarlo aún más en “Black Speed” (con un
pequeño cambio a lo Mercyful Fate). “Holocaust” y “Prédateur” (de inicio
oscuro y pesado a lo Sabbath) no poseen tanta rapidez como sus predecesoras,
tendiendo más al Heavy Metal clásico, siendo “Holocaust” todo un himno, y
destacando en “Prédateur” la melodía conseguida por las guitarras de Black y
Phill. Regresan con un más enérgico y contagioso “raca-raca” (rápido rascar de
cuerdas) en “Exterminateur” y “Destination Enfer”.
Tras los seis cortes de la demo “Fils Vengeur”, vienen dos temas pertenecientes a una sesión de 1983 nunca editada. Siendo instrumentales, sin tener voz, sonándome un poco el comienzo de “Turbulences” al “Road Racin´” de Riot, y “Metal Force” es una composición de Heavy Rock, donde creo yo que aún se perciben rescoldos de Méthane.
“Baby Killer” y “Apocalypse” son el par de canciones que sonaron en algunas emisoras francesas, grabadas de la sesión de enero de 1984. La primera tiene esa buena mezcla de Speed & Heavy Metal (y parte instrumental también a los cuatro locos y oscuros de Birmingham) que predominó meses después en la maqueta. La segunda canción es un cargado medio tiempo de estilo Heavy Rock, con reminiscencias de Iommi y cía.
Si en el vinilo de “Fils Vengeur” incluían en directo el tema “Heavy Metal”, aquí escuchamos en vivo la instrumental “Prophécie d´Outre Tombe” (donde el batería Buck Dan se emplea a fondo), la speedica “Exterminateur” (con mantenido de agudo en el final de Black) y “Coeur de Pierre” (medio tiempo heavy metalero mezcla de Manowar y Judas Priest o Saxon). Las tres también grabadas del concierto en el “Foyer Brossolette” de Armentières el 16 de marzo de 1985. Excalibur en estado crudo y puro.
En la parte final del álbum dejan cuatro temas que para mi son los menos atractivos que hay en el CD. Tres canciones pertenecientes a una sesión de 1987 no editada: “Fils Vengeur´87” pierde toda la garra y velocidad de la genuina, ¿dónde están esos riffs matadores?, incluso Black canta de otra manera, más despacio y melódico; “Hurlement” (lo mejor los cambios de ritmo en su parte instrumental) y “Uter de Bretagne” (con estribillo, y coros, pegadizo y melódico) son composiciones de un marcado Heavy Metal estándar que no están del todo mal, pero tampoco deslumbran. De esa sesión no se han incluido otras canciones como “Dieu Metal”, “Coeur de Pierre” (aunque ésta sí en directo)... “Ôde A Satan” es la última composición que Excalibur hizo en los 80, una canción en la que pueden recordarte por momentos a Diamond Head, Anthrax, Mercyful Fate, Iron Maiden... y eso sería más que válido para prestarle atención, pero tras las escuchas encuentro la canción falta de más solidez y claridad en su estructura y desarrollo.
Agradecer a EmanesMetal Records el haber rescatado y editado el material de esta formación desconocida para servidor hasta hace unos meses. Buen documento traído al siglo XXI de las mazmorras metaleras francesas de los 80.
BERRINCHE “Todo el mundo sabe...” (2009)
Desde comienzos de 1998 llevan en candelero los de Torredonjimeno (Jaén) tocando de acá para allá (desde su primer concierto en La Noche de Rock en Villagordo, pasando por infinidad de escenarios, entre ellos los de festivales como Skulls Of Metal, Rock Almería, Marinaleda Rock, etc.). En su haber tres maquetas: “En el punto de mira” (1998), “Partiendo piketas” (1999) y el directo “Al estilo tigre” (grabada en su concierto en el IV Festival Resistencia de su pueblo natal); y los siguientes discos autoproducidos: “…en estos días de pasión y latigazos” (2002), “Todos muertos” (2003), “No todo está perdido” (2005), “Historias del Sur” (2005), más el actual, “Todo el mundo sabe…”, con el que alcanzan la cifra de cinco discos.
Luchando a brazo partido por sacar a Berrinche a flote siempre han estado el vocalista Emilio “El Farola” y el guitarrista / coros Emilio “El Manta”. Habiendo pasado infinidad de músicos por la banda (llegando a grabar su primer disco autogestionado siete componentes). No sé cuando la bajista / coros María del Mar se incorporó a la banda, aunque en el antepenúltimo disco, “No todo está perdido”, ya aparecía en la portada. Para “Todo el mundo sabe…” agarraba las baquetas el joven Corey, que sustituía al irlandés Liam Drew (reemplazando éste a Alberto).
“Todo el mundo sabe…” es el disco con el que se han dado a conocer en más puntos de la geografía nacional, gracias a la distribución de DFX Records. El álbum fue grabado entre agosto y noviembre de 2008 en los estudios RR (que es la propia casa / estudio / ensayo del grupo), encargándose de la grabación el guitarrista Emilio “El Manta”. Viajando hasta Granada para que fuera mezclado y masterizado en Pig Estudios por Javi P.P.M. y Emilio “El Manta”.
Desconozco como sonarían sus anteriores álbumes, grabados los dos primeros en los estudios BoomTrack (Úbeda, Jaén), el tercero en los estudios Korsakov (Madrid) y el cuarto en Pig Estudios (Granada), pero en “Todo el mundo sabe…” se nota la falta de un estudio profesional a la hora de haber sido registrado, con la consecuentes carencias a la hora de echarse al oído el disco. Notándose, por ejemplo, que las pistas de la batería no llegan a quedar del todo integradas con las demás, al igual que pasa con las guitarras. No sé como explicarlo bien, pero conforme se va escuchando cada canción se percibe que, aún a pesar de la caña de los temas, falta unión y compacticidad entre cada instrumento y en la voz / voces.
Berrinche, con unas letras de la calle, reales, cotidianas, combativas, de denuncia social, etc., por obra de Emilio “El Farola”, aúna en sus composiciones Rock, Punk, Metal, Thrashcore… dando como resultado destacables canciones como “Sin calle” (unida y precedida de “Intro”, donde se escucha a un niño en plena barraquera o berrinche que hace que al escucharlo uno piense en invocar al mismísimo Herodes), “El bastón”, “La jaula” y “Maldito cabrón”. También hay detalles de ciertos temas que me atraen por sus tralleras o rockeras guitarras, como sucede en “Ruina”, “El camaleón”, etc. Pero en general el disco se hace bastante monótono, en parte por el sonido y por la constante voz corrosiva, cazallera, aguardentosa… del vocalista.
Si en anteriores obras habían participado gente como Óscar Sancho (Lujuria), los hermanos Molina (Luis Ricardo Borrikero y su amigo el Farfollas), Kosta (Boikot), Laura (Sweet Little Sister), Fernando Madina (Reincidentes), Javi (P.P.M.), etc., en esta grabación han contado con el toque maestro a la guitarra de Ángel Ruiz (de la banda pionera del Hard Rock en nuestro país: los sevillanos The Storm), quien deja su marca en “De vampiros”, “El bastón”, “La jaula” y “Mal negocio”. Colaborando también Sonia en coros (“Sin calle” y “De vampiros”), José “El Negro” con su cajón flamenco (“Devora”, tema con un buen respaldo de coros) y la perrilla Berri (ladridos “En el cementerio”).
El cuarteto se marca una revisión al “Take Me Back Home” de los granadinos P.P.M., titulada la adaptación en castellano como “Vuelta a casa”, teniendo un sonido mucho más sucio que las otras canciones.
Realmente, si comparamos lo que hay en el disco comentado con el directo del grupo, me quedo con el cuarteto en vivo, como pude presenciar el pasado mes de mayo de 2009 en el concierto que dieron en el almeriense pub El Zaguán, reseñado por aquí en su tiempo.
Lo último de Berrinche es la participación en el homenaje a los valencianos Transfer, “Valió la pena – Un tributo de las jentes a Transfer” (2010). Haciendo la versión de “Otra historia” (tema que grabaron en el sevillano Estudio 16 con Juan Catón y Ángel Ruiz, que volvió a grabar un punteo con ellos).
VINCE NEIL “Tattoos & Tequila” (2010)
El polémico rockstar Vince Neil Wharton, logró la fama por ser el clásico y reconocido vocalista de una de los buques insignias del Glam Metal de los 80: Mötley Crüe. Aunque no nos olvidemos del paso del bueno de John Corabi por las filas de los angelinos, dejando su impronta a la voz en el controvertido sexto disco de la banda: “Mötley Crüe” (1994).
Después de cosechar un éxito masivo grabando los cinco primeros discos de estudio de los Crüe y realizando grandes conciertos, giras y festivales, el rubio cantante dejó de ser compañero de Nikki Sixx, Mick Mars y Tommy Lee en febrero de 1992, comenzando una carrera en solitario con el lanzamiento de “Exposed” (1993) y más tarde el denostado “Carved In Stone” (1995).
Limando asperezas en 1997, el frontman se reunía de nuevo con sus antiguos compañeros en Crüe y desde entonces han editado tres álbumes de estudio: “Generation Swine” (1997), “New Tattoo” (2000; con el batería Randy Castillo – R.I.P.), y el último “Saints Of Los Angeles” (2008), aparte de recopilatorios y directos.
Entre grabaciones y giras con Mötley Crüe ha tenido tiempo para realizar sus conciertos como Vince Neil, editando el disco en directo: “Live At The Whisky: One Night Live” (2003), compuesto casi en su integridad por canciones de Mötley Crüe.
Vince Neil en invierno de 2009 entraba al estudio con dos componentes de Slaughter, además de ser acompañantes de su propia banda en directo: el bajista Dana Strum (ex–Vinnie Vincent Invasion, Badaxe) y el guitarrista / coros Jeff “Blando” Bland (ex–Saigon Kick, Crash, Left For Dead, Kody Lee); junto a Zoltan Chaney a la batería. Pero además de esos tres músicos participaron: Marti Frederiksen (bajo, batería, teclas, percusión y coros); a las guitarristas Brad Gillis (Night Ranger, ex–Vicious Rumors) y Will Evankovich; a los coros Jack Blades (Night Ranger, Damn Yankees) y Mollie Solow; a la batería Anthony Focx (Beautiful Creatures); y a las teclas Christian Matthew Cullen.
El título elegido para el disco, lleva dos de las cosas, tatuajes y tequila + mujeres, que más le gustan al vocalista. En él se recopilan principalmente versiones que marcaron al cantante en su juventud y en su carrera musical, incluyéndose además dos “nuevas” composiciones.
“Tattoos & Tequila” suena excelentemente, habiendo sido producido por el músico y compositor Jack Blades (bajista / vocalista en Night Ranger, Damn Yankees) y el propio Vince Neil; excepto el par de “nuevos” temas, que han sido producidos por el músico, productor y compositor Marti Frederiksen (que ha trabajado con Aerosmith, Def Leppard, Ozzy Osbourne, Foreigner, Mötley Crüe…), quien ya le echara una mano en algunas composiciones del anterior disco de estudio del cantante, “Carved In Stone”.
Aunque la voz de Vince Neil nunca fue un dechado de virtudes, siempre tuvo una voz particular y especial, y así se nos muestra a lo largo de los temas, realizando una muy buena labor adaptándose a cada canción (aunque a saber la de trabajo de estudio que habrá detrás, porque no es la primera vez que es criticado por su estado vocal en directo). Los músicos también cumplen con creces, especialmente los guitarras, a pesar de que en determinados temas sobren sonando tan metálicos (“Viva Las Vegas”, “Bitch Is Back” y “Beer Drinkers And Hell Raisers”).
Está muy bien la idea de haber aunado diferentes y variados temas, todos pertenecientes a la década de los 70, excepto el de Elvis Presley, llevándolos a terrenos más rockeros o metálicos. Aunque para mi hay algunos que han quedado bien y otros no tanto.
El tema-título, “Tattoos & Tequila”, es el primer corte del álbum, y la verdad no me ha atraído apenas. Suena metálico, pegadizo y actual, pero no es una canción que impacte. El otro tema “nuevo” es “Another Bad Day”, cuarto corte, y que es una antigua composición del bajista Nikki Sixx desechada para el álbum “New Tattoo” de los Crüe. Siendo un medio tiempo baladístico ideal para las radio-fórmulas, pero para mi gusto con demasiada azúcar.
Entre medias de las canciones citadas anteriormente están las versiones de “He´s A Whore” (Cheap Trick; tema que ya hacía Neil en su época con Rock Candy, y que estuvo a punto de ser parte del disco “Theatre Of Pain” de los Crüe, optando finalmente por la versión de “Smokin´ In The Boys Room”), “A.C.D.C.” (The Sweet; anteriormente rindió tributo a los glam rockeros británicos con “Set Me Free” en el álbum “Exposed”) y “Nobody´s Fault” (Aerosmith). Las dos primeras son festivas, rockeras, y dándole su buen punto macarra, quedando bastante bien su revisión. Tampoco les queda mal la de Aerosmith (que recuerde también la versionearon Testament), que la llevan al terreno Crüe, en parte también por la voz de Neil.
Otras versiones, más o menos, de mi agrado son las que hacen a “No Feelings” (Sex Pistols; no es la primera vez que el vocalista canta un tema de los punks ingleses, recordemos el “Anarchy In The U.K.” que hizo con los Crüe), la buena “Long Cool Woman” (The Hollies), con aires rockeros y de la Creedence Clearwater Revival, realizando de éstos “Who´ll Stop The Rain”, que la ejecutan casi igual a la original, aunque quizá le falte la magia de la genuina.
“Another Piece Of Meat” (Scorpions) suena bastante metalera, gustándome también, incluso Neil se acerca al tono y giros de Klaus Meine. Sin embargo, otro tema que llevan al terreno metalero sin el mismo resultado es la versión al “Viva Las Vegas” del Rey del Rock And Roll, Elvis Presley. Demasiada metalizada para mi gusto.
“Bitch Is Back” (del glam-uroso y hortera Elton John), a pesar del estribillo pegadizo, no me gusta nada. Por último, el tema extra que incluye la primera tirada en digi-pack, “Beer Drinkers And Hell Raisers”, cantada a dos voces (desconozco quien acompaña al rubio), no me convence porque echo en falta algo de más macarrería a la versión de los tejanos ZZTop.
El álbum (editado a comienzos de junio en Europa por Frontiers Records) en general no está para nada mal y puede hacer pasar un buen rato a los que les agrada escuchar revisiones a canciones antiguas. Seguro que los músicos lo pasaron estupendamente grabándolo y dando su punto personal a las versiones. A mi me ha dejado un poco a medias, pensando que el haber tardado quince años para sacar un disco de estudio casi plagado de versiones (algunas mejor que otras), además de dos temas “nuevos” que tienen poco tirón, es un bagaje un poco pobre.
Vince Neil tiene pensado editar su autobiografía. Quizá la lectura del libro acompañada por el disco haga que éste pueda resultar más ameno.
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HELLWITCH “Omnipotent Convocation” (2009)
Supe de la existencia de Hellwitch cuando editaban su primer disco, “Syzygial Miscreancy” (Wild Rag Records, 1990), por el comentario que se le hizo en la añorada revista Metali-K.O. Alcanzando con el tiempo ser un grupo y álbum de culto, aunque sinceramente nunca me lo llegué a echar a las orejas íntegramente. Diecinueve años después de aquel debut, Xtreem Music publicaron en agosto de 2009 el segundo larga duración de los norteamericanos.
El guitarrista Patrick Ranieri y el batería / voz Harry Tiyler daban vida en octubre de 1984 a Hellwitch. En la sala de estar de su apartamento, en Gainesville (Florida, USA), grabaron la demo “Nosferatu” (1984), compuesta sólo con el tema que dio título a la grabación (en 1992 se editaban 500 copias de un single de aquella primera grabación junto al tema “Torture Chamber” en directo registrado el 2 de agosto de 1990 en un concierto dado en Pennsauken, New Jersey). Pronto el guitarrista / vocalista se tomó el incipiente proyecto más en serio y se juntaba en febrero de 1985 con el batería Dave “SilverThrash” Silverstein (Precipice, Gardy-Loo) y el bajista / guitarrista Andy “Bikken” Adcock (Precipice, Gardy-Loo). En julio de 1985 Hellwitch debutaba en directo acompañados por los punks Roach Motel. Compartiendo escenarios durante los tres siguientes años con formaciones de la talla de G.B.H., Agnostic Front, D.R.I., Corrosion Of Conformity, Nuclear Assault, Anthrax, Coroner, Nasty Savage, Kreator, Dark Angel, Deicide, Death, Morbid Angel, Atheist, etc.
“Transgressive Sentience” fue la primera demo grabada en estudio (en enero de 1986), cogiendo de ahí la canción “Torture Chamber”, con una nueva remezcla, para que integrara el recopilatorio “Thrash Metal Attack” (New Renaissance Records, 1987). Antes de la publicación de dicho recopilatorio se editaba en junio de 1987 la segunda demo de estudio: “Mordirivial Disemanation”.
Patrick Ranieri se traslada en julio de 1988 a Fort Lauderdale (Florida, USA) y reforma Hellwtich con el bajista Frank Watkins (luego en Obituary) y el batería Steve Rincon, con ellos se graba un ensayo / demo de tres canciones en marzo de 1989, “Rehearsal Demo”, incluyendo una versión al tema “Archangel” de Death.
A mitad de 1989 Pat se hace acompañar por una nueva base rítmica: Jesse Trevino (bajo) y Joe “Witch” Schnessel (batería). Publicando los suizos de Flight 19 Records en junio un single de edición limitada con dos temas: “Purveyor Of Fear” y “Pyrophoric Seizure”, ambos pertenecientes a la demo “Mordirivial Disemanation”. En agosto de 1989 Tommy Mouser entra como nuevo bajista.
“Syzygial Miscreancy”, el debut discográfico de Hellwitch grabado en los Morrisound Studios con el afamado productor Scott Burns como ingeniero, lo publicaba Wild Rag Records en marzo de 1990. No llegando los siete cortes que lo integraban a superar la media hora de duración. Ese primer disco fue re-editado en CD por los holandeses de Displeased Records en 2009, incluyéndose además las cuatro demos anteriores al disco.
Después de la edición del álbum, a mitad de 1990 se incorporaba como segundo guitarrista Jim Nickles (uno de los fundadores de Malevolent Creation y después, y en la actualidad, en Vile Vindiction), realizando una gira por la Costa Este de USA, acabando en el “Milwaukee Metal Fest.”.
El bajista Jesse Trevino regresaba a la formación en febrero de 1991, realizando una gira por el estado de Texas. Habiendo otro cambio en ese año, Craig Shattuck reemplazaba como segundo guitarra a Jim Nickles. Grabando de nuevo en los Morrisound Studios el E.P. “Terraasymmetry” (Lethal Records, 1991).
A mediados de 1992 el batería Joe “Witch” Schnessel dejaba su puesto, retomándolo fugazmente en 1993 antes de otra salida. Con el bajista Trevino marchándose a vivir a Texas, el guitarrista Craig Shattuck pasaba a hacerse cargo del bajo, aunque no se tarda mucho en romperse la banda.
“Anthropophagi” es una demo que es grabada en agosto de 1994 por Joel Suarez (batería) y Patrick Ranieri encargándose de la voz, guitarra y bajo. A finales del mencionado año entra como segundo guitarrista J.P. Brown y vuelve Craig Shattuck.
Llegamos a 1995, donde ahora tras la batería se sienta Gabe Lewandowski, firmando en 1996 un contrato con Nazgul's Eyrie Productions, pero finalmente no editan nada, y tras el concierto que dan junto a Deicide y Acheron en la noche de Halloween de 1998, Hellwitch entra en hibernación.
“Final Approach” fue un CD recopilatorio, editado por Progressive Arts Music en 2003, que contiene los siete cortes del disco debut, los tres del E.P. “Terraasymmetry”, y varias canciones pertenecientes a las demos, y ensayos de 1998.
Seis años habían transcurrido, pero el 24 de julio de 2004, Hellwitch aparecen en directo junto a Malevolent Creation y Divine Empire en el Culture Club de Fort Lauderdale (Florida, USA). El guitarrista / voz Pat Ranieri se hacía acompañar por sus antiguos compañeros Joe Schnessel (batería) y Craig Shattuck (bajo).
En 2005 ve la luz un limitado CD-R de promoción, “The Epitome Of Disgrace”, con dos canciones “Final Approach” y “Epitome Of Disgrace” (ambas de un ensayo de 1998 y aparecidas en la recopilación “Final Approach”) y dos nuevos temas: “Opiatic Luminance” y “Mythologicalies (Enlightened Paganus)”, grabados por: Pat Ranieri (guitarra / voz), J. Pierce Brown (guitarra), Craig Shattuck (bajo) y Joe Schnessel (batería). Esa edición limitada de 100 copias le sirve para que el Sello español Xtreem Music les fiche en febrero de 2006 para la publicación de su segundo larga duración. Con la formación mencionada anteriormente comienzan a mediados de 2008 a grabar “Omnipotent Convocation”en Studio 13, llevándole más tiempo del esperado el acabarlo. Marchándose de nuevo el batería Joe “Witch” Schnessel en la primavera de 2009, antes de la edición del esperado segundo disco, el cual fue producido por Jeremy Staska (habiendo trabajado con, Malevolent Creation, Santa Sangre, Hate Plow, Poison The Well, Paingod …).
Diez temas, más una versión de Death, en poco más de cuarenta minutos, nos contagian toneladas de energía para sacudir la cabeza y mover íntegro el cuerpo al escuchar “Omnipotent Convocation”. Canciones estructuradas con un excelente nivel técnico y con variados cambios de ritmo de un Death Metal mezclado con la velocidad y virulencia del Thrash Metal, acompañadas por la voz agresiva, rabiosa y chillona (y a veces casi histérica), de Pat Ranieri, quien en el enérgico y arrasador primer corte, “Vicious Avidity”, es acompañado puntualmente por la voz de ultratumba del fines Antti Boman (Demilich, Winterwolf).
La velocidad, adrenalina, intensidad, cambios rítmicos, control, técnica y dominio instrumental, etc., brotan a borbotones en piezas como “Sought To Beguile”, “Irreverent Salvation”, “Days Of Nemesis”… dignas para aprender lecciones y descubrir aspectos nuevos a cada escucha por los incipientes jovenzuelos que ahora se dedican a recrear el Death / Thrash Metal de la llamada vieja escuela.
“Opiatic Luminance”, “Mythologicalies (Enlightened Paganus)”, “Final Approach” (con sampler de voces iniciales, y pequeños toques de guitarra acústica durante la gran canción) y “Epitome Of Disgrace”, aparecidas en la promo de 2005, volvieron a ser grabadas, siendo las tres últimas compuestas en la época de 1996 para lo que iba a ser el segundo CD.
“Neolithic Journey” es un corto pasaje instrumental previo a la huracanada “Mysteria”, la cual irrumpe con alocadas y rápidas guitarras.
La versión elegida que hacen del grupo del desaparecido Chuck Schuldiner es la tremenda “Infernal Death”, pero la que aparecía en la demo de 1985, con la letra original y el solo de guitarra. Y es que las influencias de Death / Mantas siempre han estado presentes en la carrera de Hellwitch, aunque también sus técnicos y salvajes temas pueden recordarte a grandes bandas como Atheist, los canadienses Obliveon, Realm, Kreator, Possessed, Dark Angel…
“Omnipotent Convocation” también fue impreso en edición limitada de vinilo por Xtreem Music. Además hay que mencionar entre la discografía y material de Hellwitch: “The Twin Bestial Forces” (Metal Zone Distro, 2008), un disco compartido junto a los thrashers malayos Storming Steels, apareciendo entre las canciones de los norteamericanos temas en directo pertenecientes a conciertos de finales de los ´80. Además de los vídeos (en VHS o DVD) “Video Miscreancy Volume 1 (1986-1994)” y “Video Miscreancy Volume 2 (1995-2005)”, con diversas actuaciones en vivo. Pero mejor que eches un vistazo en su página web a todo el material disponible que venden.
Diecinueve años tardaron Hellwitch en sacar su segundo disco, pero pienso que, aunque con tanto tiempo de diferencia entre su primer lanzamiento y el presente, mereció mucho la pena la espera. Gran disco, inmenso de ultra-rápidos torrentes de riffs y solos guitarreros de un técnico Death / Thrash Metal para escuchar y recrearse.
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LA BANDA DE OSIRIS “Despertar” (2010)
Según la biografía que nos adjuntan con el disco, La Banda de Osiris pronto cumplirá cuarenta años de carrera. La verdad que no conocía ni de oídas a esta formación ubicada en la ciudad bonaerense de Ingeniero Budge, y la poca información que se encuentra por la Red es referente al lanzamiento de este primer álbum y poco más: participando como banda tributo a Deep Purple en un concierto de tributos y versiones en Green Hell de Buenos Aires el 17 de julio de 2010, junto a Poseidon (versiones de Black Sabbath), Tormenthor (tributo al Thrash Metal), DiOzz (tributo a Ozzy Osbourne).
El guitarrista (y coros) Miguel es el único miembro fundador que sigue manteniendo la llama desde 1971 de La Banda de Osiris. Entre otros muchos grupos, han compartido escenario con Vox Dei, Plus, El Reloj, Bloke, Alakran, Horcas, Tren Loco, Jerikó, etc.
La reciente etapa de La Banda de Osiris, siempre con Miguel como alma máter, comenzó a gestarse con la entrada del vocalista Naldo en el año 2000, incorporándose el guitarrista / coros Richard y el batería / coros Héctor en el 2005. Ariel se hacía con el puesto de bajista / coros mientras se grababa el álbum en los estudios Doble B. en Buenos Aires (Argentina) entre el año 2009 y el 2010. Siendo el ingeniero Leandro Bordicelli y el asistente técnico Gabriel Wright. Editándose por Ribera Records y distribuyéndose en Argentina por Prisa Distribuidora. Aunque previo al disco se puso en circulación en el 2008 un E.P. promocional con tres canciones: “Despertar”, “Rayos de Sol” y “Profeta”.
En “Despertar” se pueden escuchar diez buenas piezas de un siempre clásico, agradable y atrayente Hard Rock & Heavy Metal del palo de Rainbow, Yngwie J. Malmsteen, Riot (en su etapa más Rainbow / Purple)… y de sus paisanos Rata Blanca. Comandando los temas el buen registro melódico y potente de Naldo y la guitarra principal de Miguel.
Composiciones desde la inicial “Rayos de Sol” (de estribillo pegadizo), la más movida y metalera “Abismal”, “Despertar” (enorme Naldo a la voz), “Profeta” (más floja y melódica), la aguerrida y metalera “El Bien y el Mal”… hasta la final “Volver a sentir”, estoy seguro que harán las delicias de los seguidores de Rainbow (era Turner) y de los primeros discos de Malmsteen junto a vocalistas como Jeff Scott Soto, Mark Boals o el propio Joe Lynn Turner, con unas estupendas guitarras que toman el justo protagonismo en cada tema, sin abusar ni cansar, todo a favor de la canción y no para exhibirse.
“Vencer” es una sentida balada con sus dosis de poderosa rabia, donde el cantante alterna su voz suave y melódica con la más forzada, rasgada y potente. Después hay más energía Hard Rock + Heavy Metal con “Sin salida”, “Guerrero” y la gran “Mundo corrupto” (de comienzo instrumental a lo Malmsteen, y en la canción hasta algo de Maiden).
La Banda de Osiris no es la quinta esencia del Hard Rock & Heavy Metal, pero sus muy buenos temas compuestos, tocados y grabados se dejan escuchar muy, pero que muy gratamente. Seguro que si te gusta el Hard Rock & Heavy Metal más clásico, tus oídos no rechazarán en absoluto los temas de “Despertar”.
THE UNDEAD FAMILY “En el silencio” (2009)
Bastante esfuerzo y trabajo le costó a los burgaleses The Undead Family que su segundo disco se editara. Siendo grabado en sus propios Undead Studios (como el primero) entre mayo y diciembre de 2007 por Raúl Puente (guitarra y voz) y Mario Peña (batería y percusiones), los dos fundadores del grupo. Aunque las voces las registraron en Estudio 5 por Yon de la Cámara, quien también, en el mismo estudio, hizo la mezcla y masterización, junto a The Undeads.
Lo curioso es que su primer álbum, el autoeditado “Party in Hell” (2004), comentado también por estos lares (llegando incluso a sortear unos cuantos discos que nos envió muy amablemente Mario), estuviera integrado por canciones cantadas en inglés, y para este segundo, Raúl dejó el idioma de Shakespeare para cantar en castellano, encargándose de la edición del álbum los ingleses de Casket Music, quienes teniendo previsto editarlo a finales de 2008, finalmente lo ponían en circulación en febrero de 2009, un año y pico después de estar grabado.
The Undead Family en este segundo larga duración se nos muestra un grupo de Death & Roll (en otros sitios hablan de Stoner Metal) más maduro y hecho que en su primer disco, sonando más consistentes y duros, más oscuros, tenebrosos, terroríficos… con Raúl cantando a veces grave y casi susurrante, y en otras ocasiones aumentando la potencia gutural. Desenvolviéndose, para mi gusto, mejor al cantar en castellano que en inglés, como comprobé en el debut “Party In Hell”.
Con un sonido de chirriar al abrir una verja, o quizás al abrir la entrada a un sepulcro, es lo primero que suena a al ponerte a escuchar el CD. Esa introducción es titulada “The Great Overture”, tras ella las guitarras de Raúl Puente y Raúl Viduerios suenan demoledoras con sus gruesos y potentes riffs, empacadas con la consistente base rítmica en el tema que le da título al trabajo, “En el silencio”, aportando las teclas de Joaquín Velasco los toques y melodías justas para hacer el tema aún más oscuro y escalofriante.
Pachi de Pablo (Cronómetrobudú) es la única novedad respecto a la formación del primer disco. Reemplazó a Diego Díaz “Súper” (ex–Agonía), siendo éste quien sustituyera al bajista Miguel A. Peñacoba (ex guitarrista de Avalon), que grabó el primer disco. Pues es Pachi quien se encarga de abrir con sus buenas líneas de bajo el tema “Demonios”, añadiéndosele después las guitarras y la batería e ir subiendo en intensidad para desembocar en una de las composiciones más veloces y duras de toda la grabación.
“Mefisto”, el servidor del Diablo, además de poseer un ritmo lento y Doom, tiene unas guitarras de melodías oscuras que se incrustan en la mente. Logrando ser uno de los temas más interesantes del álbum.
Reposado comienzo de guitarra y bajo tiene “El sepulcro”, para que luego las teclas hagan de las suyas y aumenten el sonido totalmente mortuorio de la banda.
“El final de mi vida” cuenta con la participación de Begoña García, tomando el protagonismo vocal en la mayoría de la canción, cantando a dúo con Raúl en el estribillo y en el último párrafo. Destacando de nuevo las melodías y dureza de las guitarras.
Un ritmo más veloz y duro, como en “Demonios”, nos viene de sopetón al iniciarse “Into The House Of Wax”, aunque alternan con variadas partes cargadas de pasajes más oscuros y tétricos, dando un repaso en su letra a algunos de los fallecidos personajes históricos que podríamos encontrar “En el museo de cera”, como Caín y Abel, Julio César, Juana de Arco, Ana Bolena, Marat y Carlota, Abraham Lincoln, García Lorca y John Lennon.
Nos relajan un poco con la instrumental “1377”, acompañada en su comienzo por ruido de ventisca y al final por ventisca y fluir de agua.
En “Obsesión” imprimen un ritmo más cargante, pesado y recio, acompañando la voz más gutural de Raúl P., pudiéndose ésta entender totalmente sin necesidad de echar un vistazo a la letra.
Las guitarras imparten sus dosis de dureza en los riffs rápidos y mastodónticos de “Nadie”, tranquilizándonos un poco hacia el final del tema en un pasaje instrumental, para luego ser roto por las seis cuerdas de nuevo y la voz gutural e imponente repitiendo el título.
Temática vampírica tiene “No muerto”, una composición que consigue su cometido tanto en la música, con diversos ambientes y ritmos, como en la letra.
Ni en el final del disco nos dejan abandonar el Reino de las Tinieblas con “Muerte ven” y “Sombras del pasado”, quizás el único tema donde me sobran un poco los teclados, dándole un aire un tanto festivo (además de setentero) que no pega nada con la lírica de la canción, excepto en el final, que ahí si quedan fenomenales con ese sonido de órgano de iglesia antes del cierre del sepulcro.
A cada escucha del disco me cercioro más, a pesar de los pocos medios que tendrían, que han conseguido un trabajo de mucha mayor calidad que su debut en todo. Sin olvidarnos del arte de la portada y el libreto, por obra de Unai, Sebas y Daniel Ortega (éste de los grupos Pathfinder e Icarian, ex-Mistweaver, Belyerath). Siendo Dani quien sustituyera a Pachi al bajo a finales de 2008.
“En el silencio” era presentado en directo en su ciudad natal, Burgos, en la sala Coliseum el 28 de febrero de 2009, estando acompañados para tan señalado día por sus paisanos Hold Fast Hope y los maños Después de Todo.
The Undead Family viajó a finales de noviembre de 2009 para realizar una mini-gira por el Reino Unido (del 24 al 27 de noviembre). Descargando su Death ´n´ Roll por Boston, Edimburgo, Glasgow y Croydon (Londres). Aunque en dicha gira el batería Mario, por motivos laborales, tuvo que ser sustituido por un colega.
A finales de mayo de este 2010, los burgaleses hacían el siguiente comunicado:
COMUNICADO THE UNDEAD FAMILY....... SE ACABÓ!
SE ACABÓ..................
Hola gente, lamentamos comunicar que después de hablarlo y pensarlo mucho hemos decido dejarlo. Se han juntado una serie de cosas, las cuales han llevado a una desmotivación y una falta de ganas con la que no podemos seguir.
Después de sacar el 2º CD “En el silencio”, fichar con la compañía inglesa Casket Music , hacer una gira por U.K., unos cuantos conciertos por aquí, y de intentar mover el CD en España con DFX…. Nos sentimos engañados y muy desanimados con estos últimos. Nos iban a hacer una promoción que pagamos y nunca llegó, mover el CD por España, etc., etc.… y todo se quedó en palabras.
Con esta desmotivación que tenemos ahora mismo tanto por sentirnos engañados, por el apoyo que contamos en nuestra ciudad que es ninguno, como por varios asuntos personales más, hemos decido parar y dejar esta historia aparcada. No tenemos ni fuerzas ni ganas de seguir así. Vamos a intentar hacer una fiesta de despedida en la que tocaremos rodeados de amigos de la cual ya os informaremos. Nada más…. ¡mucha suerte y hasta siempre!
THEUNDEADFAMILY
Toda separación de un grupo no es agradable, y esto es una muestra más de que el panorama está fatal, y más si sigue habiendo desalmados sin escrúpulos que se aprovechan de la ilusión y el trabajo de los grupos.
Aunque en actividad The Undead Family hayan entrado lamentablemente “En el silencio”, dejan como legado una maqueta y dos discos, además del recuerdo de diversos conciertos (en Burgos, Bilbao… Cebolla Rock 2007…) de la gente que pudo llegar a verlos en los cerca de siete años que estuvieron en activo. Ojalá que les vaya mejor en sus otras formaciones (Mistweaver, Pathfinder, Misty Moors, Mass Burial, Authority Crisis, Nusick...) y futuros proyectos. Y quién sabe, quizás en un futuro The Undead Family rompan su silencio, salgan del sepulcro y regresen de las sombras del pasado. Porque es una pena que un grupo que iba en ascenso y ofrecía música no muy común en España termine desapareciendo.
Pido disculpas por no haber comentado este segundo, y ya póstumo, trabajo antes. Quizá les hubiera ayudado un poco en su lucha día a día por sacar la cabeza.
Rest In Peace, The Undead Family!!!!!!
MORVITY “Némesis omnisciente” (2009)
“La vida y la muerte están separadas por una estrecha línea… Morvity”
En el pueblo almeriense de El Ejido no sólo hay mares de plástico, ni políticos corruptos, ni es sólo la tierra donde vio nacer y pasar su infancia D. Manolo “el del carro sislao, el de la minifalda…” (entre otros éxitos de la España de Paquito “Rana”). Esa zona del poniente almeriense a lo largo de los años ha dado diversos y diferentes músicos y grupos. Siendo desde hace unos años el centro de operaciones de una de las bandas con mayor futuro en el panorama del Metal Extremo almeriense, Morvity.
Corría finales del año 2003 cuando unos adolescentes se juntaban dispuestos a tocar Death Metal. Álvaro Valdeavero “Perro de Satán” (guitarra), Helios Ferrer (bajo) y Pablo Blanco “La Tarántula” (batería) fueron el trío inicial, agregándosele poco después Luis Parrilla (guitarra), y por último Fran Martín (voz). El primer ensayo fue en abril de 2004, y tras mucho debatir a la hora de elegir nombre para el grupo, finalmente se optó por el de Morvity. A partir de ahí la formación ejidense permaneció unida con los cinco jóvenes, dando diversos conciertos en garitos de su municipio (participando en el festival Loma Rock 2006, San Marcos Rock 2007 y 2008, II Ejido Metal Festival con Terroristars, Adonay y War Inside…), en localidades como Adra, Retamar (tres veces: junto a Noctem y War Inside; en el Infernal Summer Fest. y en el Pre-BrutAlmería Fest. IV), Velez Blanco… en la capital almeriense (sala El Rockero 2006, III BrutAlmería Fest. 2008 y I A Day Of Darkness Festival), en tierras murcianas en el Extreme Metal Festival en septiembre de 2009 (junto a Mortis Cruentus y The 4 Sakes) y en Obscuria Medieval en noviembre de 2009… hasta la edición por Hecatombe Records de su primera grabación, el álbum “Némesis omnisciente”.
Morvity desde diciembre de 2008 hasta mayo de 2009, estuvieron poco a poco grabando, mezclando y masterizando en los estudios Until Now (Viator, Almería) su primera obra. Obteniendo un resultado sonoro más próximo a una maqueta o demo, que a un disco. Y me cuesta decir eso, pero es innegable que al escuchar la grabación el sonido no le hace para nada justicia al grupo, sonando en algunas ocasiones un poco embarullado (en los momentos más tralleros), sin potencia o gancho, y con un sonido de batería que no me gusta y que es deficiente (aspecto que vengo notando, en mayor o menor medida, en la mayoría de las grabaciones que se hacen en los modestos estudios de Kike Prieto) a lo largo de todo el disco. Para colmo la batería suena en primer plano.
Después de comentar lo negativo de la grabación (uno de los mayores lastres del disco), vayamos al extremo opuesto, al lado positivo. Hay que darle la enhorabuena al grupo por tener un logo sencillo, efectivo y legible, al igual que haber hecho una portada que se sale de las típicas del Death Metal y Metal Extremo, y es destacable también el trabajo en todo el libreto. Todo ello realizado por los componentes de la banda. Mis felicitaciones por esa buena labor hecha.
En “Némesis omnisciente” vas a escuchar nueve cortes: una “Intro” (compuesta por sonido de aves, pasos, gritos…) más siete canciones de un Death Metal que te puede recordar por momentos a grandes bandas como Death, Morbid Angel, Atheist… más algunos pequeños ramalazos de Thrash Metal (“El reto de la hipocresía”, “Morvity”, “Purgatorio”…), y un tema instrumental, “In Memoriam”, como despedida. La “particularidad” es que su Death Metal lo cantan en castellano, y la verdad es que me cuesta acostumbrarme a escuchar esos temas en la lengua de Cervantes (y lo dice una persona que no tiene prejuicios a la hora de escuchar música en el idioma que sea), además que la voz gutural de Fran no termina de gustarme, incluso llegándome a resultar pesada y un tanto lineal.
Uno de los aspectos positivos de Morvity son las guitarras de Álvaro y Luis, que sin ser unos fuera de serie, saben plasmar y sacarle buen nivel a sus riffs y solos (“El reto de la hipocresía”, “Todo comienza a surgir”, “Némesis omnisciente”…), además de los momentos técnicos que incluyen en ocasiones, una muestra la tenemos al escuchar “Morvity”, por ejemplo.
“Purgatorio” (ante tanta furia hay un momento de tranquilidad instrumental muy conseguido), “Pinturas grotescas” (algunos cambios son un tanto bruscos, faltando pulirlos más) y “En las sombras” son las tres canciones que mayor duración tienen (entre cinco y siete minutos y pico), habiéndolas dejado para el final del disco, resultando ser de las que más me atraen.
Para acabar de manera sosegada el disco, incluyen “In Memoriam”, que es una relajante pieza instrumental con instrumentos de cuerda, compuesta e interpretada por el guitarrista Luis Parrilla, junto a Juanma Córdoba, Fernando Villegas, Ainhoa Criado y Lucía García (las tres últimas personas del grupo Folk Langue d´Oc).
La salida de “Némesis omnisciente” se retrasó lo suyo, viendo la luz finalmente en octubre de 2009, aprovechando y presentándolo en el Pre-BrutAlmería Fest. IV (acompañados de Altar Of Sin y Winter Night) el 10 de octubre de 2009 en el pub Salammbo de Retamar (Almería), quedando bastante deslucida esa presentación por las condiciones del local, habiéndose merecido un sitio mejor donde haberlo llevado a cabo.
A comienzos de diciembre de 2009 Morvity compartieron tablas con Napalm Death, Hybrid y Aggression en la sala almeriense Jala Jala (reseña que puedes leer en los archivos de la sección Conciertos), siendo el primer concierto que dieron como cuarteto, por la baja semanas antes del vocalista Fran, encargándose Álvaro de tomar el puesto de vocalista, además de tocar la guitarra.
Meses después, ya en el presente 2010, la base rítmica, Helios y Pablo, también dejaban la banda (ambos ahora en Lapidated), siendo reemplazados por el bajista Ismael Arrachidi (de la banda de Metal Progresivo Delirium y de Langue d´Oc) y el batería Samuel Fernández, respectivamente. Con ellos iban a debutar en directo el pasado sábado 8 de mayo de 2010 en el pub Concept Club de El Ejido junto a Hour Of Penance, pero finalmente no se llevó a cabo el concierto por los problemas que hubo en la descarga de los italianos la noche anterior en Alicante.
Morvity con “Némesis omnisciente” pagaron la novatada, y como de los errores se aprende, eso y otras vivencias pasadas, les habrán servido para superarse. Pienso que ahora con la nueva etapa iniciada como cuarteto, seguro que le será mucho más fructífera, o ese espero, que la anterior. Hay buena base y buenos mimbres para que Morvity alcance por méritos propios estar como mínimo compartiendo los primeros puestos de una hipotética lista de formaciones almerienses de Metal Extremo como los desaparecidos Holocaust, Reincarnation, Die You… e incluso empezar a darse a conocer con orgullo por otros territorios y escenarios del país.
“Entre la vida y la muerte… Morvity”
THE SPEKTRUM “Daemonicus Awakening” (2009)
El Metal Extremo, en su sentido más amplio, goza de muy buena salud en nuestro país vecino, Portugal. Encabezando desde hace años esa vertiente Moonspell (los más conocidos fuera de las fronteras lusas), aunque no hay que quitar mérito a otras formaciones más subterráneas como el caso de Filii Nigrantium Infernalium… Con el debut de The Spektrum podemos añadir sin ninguna duda ese nombre a la buena lista de bandas oscuras y extremas de Lusitania.
The Spektrum se formaba por un grupo de amigos en la pequeña ciudad portuguesa de Leiria en octubre de 2005. En esos inicios estaban en la banda: Ricardo Pedrosa “Dyrion” (voz), los guitarristas David Sousa “Engraved” y Joseph “Abigor”, Emanuel Sousa “Zouzahammen” (bajo) y Luciano “Lulu” (batería). En un primer momento practicaban Thrash Metal, pero en enero de 2006 decidían cambiar su estilo a un Metal más melódico, en parte por la incorporación a las teclas de Samuel “Samnu”.
En mayo de 2006 el batería Lulu dejaba el grupo, pasando el teclista Samnu a ocupar el puesto libre tras los tambores y platos, encargándose de la labor de los teclados, junto a la guitarra, Abigor. El quinteto decidía en julio de 2006 grabar su primera demo, “Marching Through The Darkness”, editándola en octubre de 2006. Llevándole a tocar por diversos puntos de la geografía portuguesa, incluidos festivales, y realizando algunos conciertos por España.
En el verano de 2007 The Spektrum comenzaron a pre-producir su primer álbum en su propio estudio, para más tarde, a finales de 2007 grabar el disco en Medusa Lab Studios, junto a los productores Dikk (guitarra de WitchBreed) y João “Ares” Pedro (bajista de WitchBreed, ex-Moonspell, Filii Nigrantium Infernalium). Siendo finalmente masterizado por el reconocido músico y productor Waldemar Sorychta. A comienzos de 2009 firmaban por los austriacos de NoiseHead Records y por fin el debut de los portugueses veía la luz en abril de 2009.
Digamos que la música de los cinco jóvenes portugueses se puede etiquetar como Dark & Death Metal melódico, aunque en sus composiciones también se puedan escuchar influencias del Black Metal (¡esa voz de Dyrion!), Doom Metal e incluso Gothic Metal. Lo que más me ha gustado es el aura y ambientes oscuros que crean y dotan a cada una de sus composiciones, destacando en ellas las limpias guitarras melódicas, melancólicas y nostálgicas, y la voz rasgada y gutural de Dyrion. Esas buenas características se pueden percibir totalmente, tras la muy conseguida introducción épica de teclas “Hymns Of Doom”, en los temas “The Angels Set Our Future Appart”, “Embracing The Dark” (con respaldo vocal de Peter Slaughter, bajista de Echoes Of The Fallen Messiah) y “Lost In Time”, en donde las teclas le hacen ganar en ambientación. Estando esas tres canciones entre las mejores del trabajo.
Cuando llego al ecuador de la grabación y escucho la más cañera “Nenphilis”, pienso que el disco será bastante homogéneo, sin arriesgar apenas y siguiendo las pautas de los primeros temas, pero nos encontramos con “The Awakening”, donde la pequeña aportación de Ruby Roque (WitchBreed, ex–Extreme Attitude) le da con su voz femenina un nuevo aire a la canción, como también lo hace en la siguiente, “Drowned In Sadness”, de comienzo, partes y ambientes melódicos y de ensueño.
“Tomorrow Dies” (normal y corriente, sin destacar de las anteriores, al menos para mi), “A Cursed Existence” (lo mejor la musicalidad en la recta final) y la melódica “Eternal Fear” (realizando las teclas un buen papel en la canción) son los tres últimos cortes del CD, siguiendo las pautas del grueso del disco, el cual alcanza una duración menor de cuarenta y cinco minutos, pensando que es más que correcta para no llegar a hacerse pesado.
A ver cómo crecen y progresan los lusitanos, al menos en su primera carta de presentación, “Daemonicus Awakening”, se perciben buenos detalles y no es un álbum simple ni del montón.
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VARIOS “(AE)quilibrium - Man Vs. Machine” (2009)
En este recopilatorio editado por Mutant-e Records se nos muestra parte del panorama musical oscuro de nuestro país, y algunas incursiones fuera de nuestras fronteras. Con cimientos asentados, principalmente, en sintetizadores, samplers, secuencias, bases electrónicas… se nos presentan en más de setenta y cinco minutos veinte grupos de sonoridades Dark, Electro, Industrial, Techno, Metal, Rock, Gothic…
Apokalyptika posó de enfermera psicótica para la portada, en el interior del libreto… disparando las fotos Robert Martex. Currándose Moisés Hernández el concepto artístico y el diseño. El libreto contiene una foto de cada una de las veinte bandas que integran el recopilatorio, poniendo al lado de cada una el nombre, de donde proceden, el título del tema, de qué grabación está sacado éste, y la manera de contactar con el grupo (Myspace o página web).
Sergio Gordillo Bellido “Ashes” de la banda Xperiment se encargó de mejorar el sonido general del disco, con arreglos y masterización.
En “(AE)quilibrium – Man Vs. Machine” hay veinte temas de otros tantas formaciones, primando las de nuestro país (dieciséis en total): Crow Nest (Madrid), Noesis (Santander), Ratio (Madrid), Wormparade (Murcia), Octavo Pecado (Huelva), Nekrotech (Vitoria), Blood (Alicante), Killus (Villareal), Xperiment (Madrid/Málaga), Mekanik Disorder (Granada), Larva (Barcelona), Gradual Hate (Valencia), T3rror 3rror (Madrid), Minim (Vigo), InvadersFromMars (Barcelona) y Stigmatroz (Barcelona). E incluyendo cuatro extranjeras: Forgotten Sunrise (Estonia), Replica (Chile), Conteched (Holanda) y Vigilante (Chile).
Además de haber canciones que pueden escucharse en discos o demos de los grupos que integran el recopilatorio, éste cuenta con la particularidad de tener cuatro temas cedidos exclusivamente: “Samewonder” de Forgotten Sunrise, “Un motivo” de Ratio (prefiero a los Ratio de su segundo disco, “Unreal”), “Protégeme madre” de Xperiment, y “Lightstorm (Club Mix)” de T3rror 3rror, ideal para arrasar en las pistas de baile.
Seguro que cada persona que escuche este álbum echará en falta otras bandas, desecharía otras… y de las veinte que hay les gustarán unas más y otras menos, como suele suceder a la hora de echarnos al oído esta clase de discos. El caso es que es interesante haber escuchado este recopilatorio, destacando para servidor, bajo mi modesto punto de vista, a los santanderinos Noesis, que ahora cantan en castellano tras su primer disco en inglés “When All Colours Are Dead” (2006), con el potente y a la vez melódico “Regresarán a mí” (de su “Demo´08”); los vitorianos Nekrotech y su Metal Industrial a lo Ministry en “Revolución” (del disco “Interactiva”); los alicantinos Blood poniéndonos firmes a base de ritmos marciales y marcados en “Jíbaro” (de su tercer disco “Seppuku”, ya comentado en esta casa); los villarrealenses Killus con la contundencia en “Dead Revolution” (perteneciente a su disco “God Bless Us”), los holandeses Conteched repartiendo tralla con “Standstill” (sacado del disco “The I-Experience”); el dúo Xperiment en la terrorífica “Protégeme madre”, y los granadinos Mekanik Disorder haciendo los germanos con “Das Letze Mal” (procedente de su demo “Mekanik Disorder”).
Otros temas que no están nada mal son “Samewonder” (Forgotten Sunrise), “Broken Dolls Won´t Smile On Scene” (Wormparade), “The Deviant Factor” (Replica), “Vampire Device” (Gradual Hate), “Time To Kill” (Vigilante) y “I´m Crazy But People Are Ill” (Minim).
Como muy bien dicen los de Mutant-e Records al final del libreto: “Esperamos que con este disco conozcáis nuevas bandas y os animéis a ir a sus conciertos, comprar sus discos…”. A mi me ha servido para saber un poco más de ese panorama musical un tanto desconocido para servidor. Conociendo tan sólo, de haberlos escuchado, visto en directo o de oídas, a Noesis, Ratio, Wormparade, Replica, Blood, Killus y Mekanik Disorder.
Mutant-e Records ya se encuentra preparando el segundo volumen del recopilatorio, con el título “(AE)quilibrium V2.0 – Digital Reconnection”. Será doble, y además de la mayoría de bandas españolas, habrá de Francia, Alemania, Rusia, Argentina, Colombia…
¡¡¡Apaga la luz, cierra los ojos y danza, dejándote llevar por los veinte temas del CD!!!
EXTREME “Take Us Alive” (2010)
El punto más álgido de la carrera de Extreme fue hace 20 años con aquel disco llamado “Pornograffitti”, toda una sensación que les llevó a la cumbre. Un guitarrista excepcional (el portugués Nuno Bettencourt), una alegre fusión de Rock y Funk y, como guinda, una balada de las que se incrustan en todo tipo de emisoras comerciales (“More Than Words”) hicieron que Extreme tocara el cielo tanto a nivel de ventas como de popularidad. Era su segundo disco, tras un inicial “Extreme” (1989) que nadie conocía hasta entonces.
Y lo que suele pasar tras un disco tan aclamado: que no se puede mantener el nivel. Su tercer trabajo, “III Sides to Every Story” (1992) bajó el listón, aunque mantenía un buen puñado de temas destacables. Pero para su cuarta entrega, “Waiting for the Punchline” (1995), el grupo ya no daba más de sí, y tiró la toalla. Tras esto, su vocalista Gary Cherone probó fortuna uniéndose a Van Halen, y cosechando un batacazo memorable, y Nuno Bettencourt intentó una carrera en solitario que pasó sin pena ni gloria, y se dedicó a acompañar artistas de todo tipo y pelaje para poder sanear su cuenta bancaria.
En 2008, y tras 13 años siguiendo caminos separados, Cherone y Bettencourt deciden unir sus fuerzas de nuevo, y el resultado fue un disco llamado “Saudades de Rock”, al que siguió una gira mundial en la que el grupo ofreció 75 conciertos y que pasó por nuestro país. El último concierto de la gira tuvo lugar en Boston, su ciudad natal, y aprovecharon la ocasión para grabar lo que es su primer trabajo en directo, que ha visto la luz tanto en formato DVD como en CD audio.
La copia que tenemos en nuestras manos es esta última, por lo cual no os hablaremos de la calidad de las imágenes, pero sí del brillante sonido conseguido, y de lo interesante de este trabajo, no sólo para los fanáticos de la banda, sino para cualquier amante del Hard Rock.
Todos sabemos que uno de los motivos que llevan a los grupos a grabar un disco en directo es un intento de reactivar una carrera musical que no vive sus mejores días. Sin duda esta es la razón de “Take Us Alive”, pero esto es algo que no nos debería importar, ya que el resultado es un gran disco en directo, en el cual la banda demuestra que está en plena forma.
Hablando de la banda, nos encontramos con una única novedad con respecto a la formación original, en la persona del batería Kevin Figueiredo, quien forma base rítmica con el bajista Pat Badger para dar soporte a las dos estrellas del grupo.
Como imaginará todo aquel que conozca a Extreme, quien sale mejor parado de la grabación es Nuno Bettencourt. El guitarrista portugués demuestra en cada tema que es uno de los mejores instrumentistas que podemos encontrar, y brilla con luz propia en cada tema. Técnica, pasión y sentimiento son el denominador común de cada aportación, tanto si hablamos de riffs como de solos. Y junto a él, el cantante Gary Cherone, quien siempre ha sacado mucho partido a sus limitadas facultades, canta con solvencia todos los temas y nos quita el mal sabor de boca que nos dejó su paso por Van Halen.
El disco ha conseguido captar las buenas sensaciones que siempre debe transmitir un disco en directo, incluyendo una presencia protagonista el público, que canta estrofas enteras de algunos temas, sobre todo aquellos cortes rescatados del superventas “Pornograffitti”. Da gusto escuchar a la audiencia cantar los pesos pesados del repertorio, como la inicial “Decadence Dance”, “It’s A Monster”, “Get The Funk Out” o el tema que cierra el título, “Hole Hearted”, y sobre todo la balada “More Than Words”, donde el protagonismo del público es absoluto, fundiéndose con el grupo en una interpretación fabulosa.
Los discos en directo, además, son una forma atractiva de recuperar canciones de todas las etapas de un grupo, algo que Extreme aprovecha por completo, ya que más de un tema que hasta ahora nos había pasado desapercibido, lo disfrutamos en este formato gracias a este disco, que nos invita a recuperar alguno de los CDs más desconocidos de la banda, como el recuerdo a su disco debut, con un medley que combina retazos de “Kid Ego”, “Little Girls” y “Teacher's pet” al que sigue una extensa versión de “Play With Me”, y nos invita a descubrir la actualidad de la banda, con algunos temas de su último disco, entre los cuales me quedo con una fabulosa “Star”.
Ahora sólo nos queda comprobar si la imagen visual contenida en el DVD completa las buenas sensaciones que nos ha dejado el disco. Vistos los medios con los que se ha contado, estoy seguro de que así será. Sea en un formato u otro, si te gustan los discos en directo, estoy seguro que “Take Us Alive” colmará todas tus expectativas.
ASSANIA “Tímida luz de gas” (2009)
Aunque los primeros coletazos del Assania tuvieron lugar en 2003, no fue hasta el año pasado que empezamos a oír hablar de este grupo almeriense, que tras los habituales cambios de formación en grupos noveles, consiguieron la estabilidad necesaria para embarcarse en la aventura de editar su primer disco, “Tímida luz de gas”, autofinanciado y autoproducido, aunque ha contado con la masterización de Peter in de Betou en los Taylor Maid Studios de Suecia.
La banda la componen Gabri Fernandez (voz y guitarra acústica), Jeanno Rodriguez (guitarra solista), Onofre Sanchez (guitarra rítmica), Encarni Gómez (voces), Angel Veas (bajo) y Abel Tudela (batería), y su estilo es Hard Rock, con breves acercamientos a algo más duro o más progresivo, según los temas, pero siempre de modo muy tenue.
En general, la sensación que me ha dejado el disco es que Assania es aún un grupo en formación, con elementos interesantes y algunos otros en los que se ve que el grupo está todavía algo verde. A destacar la buena labor de las guitarras, quienes lideran la parte instrumental, quien merece mayor valoración que la parte vocal. No es que la voz de Gabri Fernández sea mala, si acaso su entonación recuerda innecesariamente a grupos de Rock urbano, pero el problema reside en las melodías vocales, un aspecto a revisar en profundidad, ya que en general nos dejan bastante fríos, con contadas excepciones. A nivel vocal, cuenta con la ayuda de una corista, Encarni Gómez, cuya labor pasa bastante desapercibida, salvo una parte protagonista en el tema “En el olvido”.
Con unas líneas vocales más inspiradas, los temas ganarían muchísimo, ya que la base rítmica y, sobre todo, las guitarras, hacen vislumbrar que este grupo tiene mucho más potencial que lo que demuestra en el disco. Buenos ejemplos son la inicial “Quién te ha visto y quién te ve” y, sobre todo, en “Vi caer”, el mejor tema del disco, con una intensa parte central bastante interesante.
Espero que “Tímida luz de gas” sea el primer paso que haga avanzar a Assania y les permita desarrollarse como grupo. Les queda trabajo por delante, pero con dedicación e ilusión todo se puede conseguir. Suerte.
SEXTO SONAR “Enfrentando la realidad” (2009)
El compañero Joaquín Domingo, del programa radiofónico Aldea Rock, me descubría y me hacía llegar el disco debut de este buen quinteto venezolano de Heavy Metal Progresivo.
Sexto Sonar se gestaba a finales de 2004 en Maracay (Venezuela) por los guitarristas Santiago Rodríguez & Guillermo Hernández y el batería Juan Jiménez. Incorporándose en 2005 el bajista Héctor Rivas (ex–Adh Seidh, Big Black Kiss, Caballo de Fuerza).
En los inicios de 2006 entraba como teclista Ángel Martínez, empezando a dar conciertos y tocando en festivales del estado de Aragua. En junio de dicho año cuentan con la colaboración del vocalista Amílcar Sánchez, con quien participan en el “I Festival de Bandas Unitec”, consiguiendo ser los ganadores.
Deciden buscar un vocalista, eligiendo, tras una serie de candidatos, a Alexander Jara, con quien graban dos canciones: “Soledad oculta” y “Enfrentando la realidad”, las cuales suenan en diferentes programas radiofónicos rockeros de Venezuela, obteniendo muy buena aceptación.
A finales de 2006 el sexteto pasa a quinteto con la marcha del guitarrista Guillermo Hernández.
En 2007 Sexto Sonar publica una demo promocional de cuatro temas: “Enfrentando la realidad”, “Te escondes, yo huyo” (luego sería “Visiones”), “Soledad oculta” y “El sexto legado”; llegando a compartir escenario con Chaos Avathar, Torre de Marfil… entre otras bandas conocidas del panorama metalero venezolano. Participando también en su país en la gira “Histórico Tour”, con grupos como Bull Hunter, Deveron, Gamalyel y Gastonia. Tras esa gira el vocalista Alexander Jara abandonaba el grupo.
Noviembre de 2007 queda marcado en la historia de Sexto Sonar al encontrar como cantante a Joad Manuel Jiménez (ex–Torre de Marfil, Centurión, Sanctuary, Arkangel, Centinela, Cáliz…). Incorporándose también, a comienzos de 2008, el teclista Yeffry Marval (ex–Kabal, Redes).
Así comienza la nueva, y actual, etapa, de Sexto Sonar. Santiago Rodríguez (guitarras), Héctor Rivas (bajo), Juan Jiménez (batería), Joad Jiménez (voces) y Yeffry Marval (teclados) viajaban en julio de 2008 a Caracas y en Saeztudio registraban “Enfrentado la realidad”, el primer álbum de Sexto Sonar. Siendo producido por el grupo y por Eduardo Sáez (propietario del estudio y batería ex–Gillman, Electrocircus…).
Siete cortes integran “Enfrentando la realidad”. Comenzando el disco por una expectante introducción, “Intro – Reflejos”, y finalizando con una relajante `outro´, “Finale – Nostalgia”. Entre esas piezas instrumentales, que bien podrían sonar en alguna película, hay cinco extensas canciones de Heavy Metal Progresivo, influenciado principalmente por Fates Warning, Dream Theater, y bandas de similares características, además de Metallica, Iron Maiden, etc. La portada del disco me trae a la cabeza el “Awake” de los norteamericanos (será por el espejo).
Durante “Visiones” el quinteto venezolano ya nos deja claramente sus credenciales. Desarrollos instrumentales progresivos, pero dotando a la composición de la garra y dureza del Heavy Metal, además de los diferentes registros vocales, prevaleciendo el falsete, de Joad Jiménez.
“Soledad oculta” tiene un comienzo, y desarrollo, muy espacial, cósmico y misterioso. Quizá sea en esta canción donde más me cuesta acostumbrarme a los falsetes del vocalista. En cambio escuchar instrumentalmente a los músicos es una delicia para los oídos, e imagino que los que entienden de música le sacarán más provecho, y si no prueba con la preciosa y emotiva “Olvidando el ayer” (con ese inicio a lo Pink Floyd), quizá donde más me gusta como encaja la voz de Joad con la música, o “Enfrentando la realidad”, la composición más extensa de todo el trabajo, rozando los once minutos, dando el grupo rienda suelta a todo su potencial de Metal Progresivo, recordando en su letra la situación del pueblo venezolano, incluso utilizando extractos de noticiarios televisivos en su comienzo.
Una gran crítica a las corridas de toros se marcan en “Luces y espadas”, un tema de Heavy Metal Progresivo, con agresividad vocal y hasta con un pequeño toque musical aflamencado. En el tema intervienen Huaico Lovera (Tierra del Dragón) y Luis González (Arkangel), en coros y cantando cada uno una estrofa (el vocalista de Tierra del Dragón también participa en el tema-título). De “Luces y espadas” se ha editado un videoclip (los primeros que se hicieron fueron de los temas “Visiones” y “Olvidando el ayer”) en dos versiones: la censurada y sin censurar, con crudas, pero reales, imágenes.
La presentación oficial del disco en directo se hizo en el festival “Metal en la Ópera” en el Teatro de la Ópera de Maracay en junio de 2009, vendiéndose todas las entradas y alcanzando un gran éxito.
“Enfrentando el Tour 2009” llevó a Sexto Sonar a tocar por diversos escenarios de Venezuela, llegando a traspasar las fronteras al realizar tres conciertos en Colombia.
Desde febrero de 2010 Alejandro Yaguaracuto (ex–Los No Name) se sienta tras los tambores. Y con él el próximo sábado 21 de agosto Sexto Sonar formarán parte del cartel del “GillmanFest Aragua 2010”, donde además de Gillman, y otras bandas venezolanas, compartirán escenario con los norteamericanos Holy Diver (versiones de Dio) y con nuestros Lujuria.
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ELDORADO “Eldorado” (2009)
Hace algo menos de dos años nos quedamos gratamente sorprendidos con el disco debut de Eldorado. Aquel trabajo, llamado “En busca de Eldorado” contenía unas dotes de calidad impropias para un grupo novel, tanto en el nivel de los temas y pericia de los músicos como en el excelente sonido, producida por una producción de alto nivel. Este segundo trabajo, llamado simplemente “Eldorado”, demuestra que aquello no fue flor de un día, y que el grupo no se ha dormido en los laureles.
La banda ha cambiado sensiblemente. De hecho, la mitad de sus componentes son nuevos, ya que los fundadores César Sánchez (bajo) y Nano Paramio (guitarra) se acompañan ahora del batería Javi Planelles y el cantante Jesús Trujillo. Este último cambio es crucial, como siempre lo es cuando hablamos de la voz principal, y es que Jesús Trujillo es uno de los protagonistas del disco. Con temas muy exigentes a nivel vocal, su aportación es de sobresaliente, siendo uno de los alicientes del disco.
Pero no sólo Jesús raya a gran altura. El resto de componentes no le va a la zaga, dando forma a un disco que se hace algo corto (9 temas para un total de 40 minutos) pero que no tiene ni un segundo de desperdicio. Hard Rock fresco y contundente, con cortes vitales y enérgicos que se combinan con medios tiempos intensos, en los que la voz de Jesús Trujillo siempre va un poco más allá de lo esperado, y donde la guitarra de Nano Paramio siempre brilla, con solos de la vieja escuela, sin excesos de virtuosismo exhibicionista pero mostrando su liderazgo en cada tema. Ambos músicos están perfectamente sostenidos por la base contundente y enérgica de César Sánchez y Javi Planelles, cuya aportación es crucial para que los temas lleguen a buen término.
Porque, afortunadamente, la calidad de los temas es el mayor estímulo para escuchar el disco una y otra vez. Tanto en los temas más rápidos como en los medios tiempos, siempre encontraremos dificultad para elegir nuestro preferido, pues no hay ni un tema de relleno. Quizás podría decantarme por “La casa de las 7 Chimeneas” o “Atlántico”, como dos buenos ejemplos de ambos tempos, pero cualquier otro corte me satisface igualmente.
Al igual que hizo en su disco debut con “Mistreated”, la banda ha incluido la versión de un tema clásico, en este caso “I Don’t Need No Doctor”, de Ray Charles, aunque seguramente la conozcáis de otros grupos que la han versionado anteriormente, como Humble Pie, W.A.S.P. o Styx.
La producción del disco ha sido de nuevo cuidada con mimo, sin escatimar medios. Tanto la grabación como la mezcla se realizaron en Toronto por Richard Chycki, siendo masterizado por Andy VanDette en Masterdisk (New York). Y los resultados son evidentes, ya que la calidad sonora no tiene nada que envidiar a los mejores discos del género.
Sin duda, Eldorado puede competir de tú a tú en cualquier mercado, no solamente el hispano. Conscientes de su potencial, el disco está disponible tanto en español como en inglés, y tanto su web como su MySpace están orientados al mercado internacional.
Gran disco, sin duda. No lo dejes escapar.
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DAMAGE “Pure Alcoholic Metal” (2010)
Cuarteto asentado en Guanatos, apodo dado a la ciudad mexicana de Guadalajara, que debuta con este su primer álbum.
La disolución de las bandas Smegma y Eskoria, hizo que tres de sus componentes, el batería Jorge (de Smegma) junto al guitarrista Andrés “Cholo” y el vocalista Raúl “Uriel” (ambos en Eskoria), comenzaran con Damage a mediados de 2007. Incorporándose el bajista Diego a finales de ese año.
De cuarteto pasaron a quinteto con la entrada de Luis como segundo guitarrista a principios de 2008. A mediados del mismo año grababan sus cuatro primeros temas en una demo. Presentándose en vivo por distintas zonas de México.
Durante el 2009 hay variaciones en la alineación mejicana. En los comienzos de año se marchan el bajista Diego y el guitarrista Luis, entrando a las cuatro cuerdas Rafael, y regresando Damage a la formación de cuarteto. Es a mediados de año cuando Raúl “Uriel” (voz) y Jorge (batería), 2/3 de los fundadores, abandonan, siendo sustituidos por el joven Óscar Cesarin (ex–Iron Force) y Rodrigo “Roy” (ex-Ignis Atrum, Dearth Carnage, Fahrenheit, Eskoria), respectivamente.
“Pure Alcoholic Metal” se grabó entre febrero y finales de marzo de 2010 en Blue Play Studio y, aunque el presupuesto para la grabación era muy reducido, el resultado no ha quedado nada, pero nada mal. Consiguiéndose plasmar de manera acertada la rabia y energía del cuarteto mejicano en los diez temas (+ uno extra).
Las canciones de Damage destilan Groove & Thrash Metal, teniendo sus composiciones como base principalmente a Pantera (de hecho han participado en algunos conciertos tributo a los tejanos), pero también se pueden escuchar riffs a lo Slayer, influencias de Sepultura, Exhorder… e incluso acercamiento al Death Metal, de hecho la guturalidad de la voz en variadas ocasiones recuerdan a ese estilo.
El veloz comienzo de “Revenge”, acompañado por ese acongojante alarido inicial, nos golpea los oídos sin compasión, alternándose luego durante el tema rapidez con cambios de ritmo más marcados, pesados y “panterianos”.
“Getting Younger” es una bestial descarga (atención a ese despiadado cambio final) donde se aúnan la contundencia de bandas como Pantera y Slayer. Como se vuelve a notar en la que le sigue, “Ends In Pain”.
Alguna pista sobre el estilo predominante podemos hallar en el título del cuarto corte, “Death Preacher”, pieza donde más influencias del Death Metal se pueden escuchar sobre la base de Groove Metal.
El ritmo impuesto en “The Row” es tremendo e ideal para sacudir cabezas. Pero si me quedo perplejo por la composición conseguida sencillamente, más anonadado me quedo al escuchar cuando atruena “Burning Inside”, además de aconsejada para seguir su ritmo con la testa, es recomendable para empezar rebosante de energía el día.
Con “Stay Away” y “Buried Alive” (ambas con ese deje etiquetado como Groove Metal que cultivó, creando escuela, el grupo de los hermanos tejanos Abbott) se baja para mi un poco el ritmo demoledor de las seis primeras canciones del disco.
La veloz y desquiciante “29 Needles” nos conduce a la recta final de la primera obra de Damage, siendo seguida de la tranquila y relajante instrumental “Beer Brake”. Y para remate extra, y final, una correcta versión al “Territory” de Sepultura.
El disco debut de los mexicanos, aunque no descubre en absoluto nada novedoso, tiene buenas canciones cargadas de una gran rabiosa energía que consiguen hacerme pasar un buen rato cuando escucho el álbum.
LUJURIA “Llama eterna” (2010)
De todos es conocida la pasión con la que Óscar Sancho siempre ha defendido y apoyado al Rock en España. Tanto desde su grupo Lujuria, su programa de radio o cualquiera de sus actividades, su ímpetu y buena disposición siempre ha sido digna de elogio. Desgraciadamente, el sentimiento de unidad entre los heavies que existía allá por los ’80 se ha ido diluyendo progresivamente, y muchos de los nuevos seguidores desconocen esa sensación, así como ignoran las raíces de la música que ahora les apasiona. Este ha sido uno de los motivos por los que Lujuria ha editado “Llama eterna”, un disco que pretende ser un homenaje a un puñado de músicos clave en la historia del Rock de este país, y que por diversos motivos se dejaron la vida en el camino. Por lo tanto, este disco es mucho más que un disco de versiones. Es todo un tributo a esos músicos caídos y un acto de reconocimiento a su aportación al Rock nacional.
Los temas elegidos son diversos, y todos abarcan la época (años ’70 y ’80) de mayor esplendor del Rock. Muchos de ellos posiblemente sean desconocidos para los actuales seguidores que aún no hayan cumplido los 30, y valga este homenaje como aliciente para investigar un poco en nuestra propia historia.
Este es un disco que se empieza a disfrutar antes de escucharlo, ya que el libreto, muy cuidado, recoge fotos de los músicos homenajeados, la mayoría inéditas, así como comentarios actuales de quienes fueron sus compañeros. La portada está diseñada por alumnos de la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Segovia.
Los temas están adaptados al estilo de Lujuria en general y a la voz de Óscar en particular, pero en la mayoría de ellos se ha respetado en gran medida la composición original. La única excepción es “Necesito un trago”, de Tequila (dedicado a Manolo Iglesias y Julián Infante), que está prácticamente irreconocible, ya que ha pasado de ser un Rock and Roll ligero a ser un tema de Heavy Metal, algo que no me gusta demasiado. En el otro lado de la balanza tenemos temas prácticamente invariados con respecto al original, como “Esta es una noche de Rock And Roll” de Barricada (va por Mikel Astrain, batería original de la banda) o el mítico “El Heavy no es violencia” de Bruque, que en su día fue un alegato del fallecido Pedro Bruque en un intento de normalizar nuestro estilo y quitarnos de encima el estigma de delincuentes que siempre hemos cargado.
La peculiar voz de Óscar Sancho se pone a prueba en todo el disco, ya que debe adaptarse a temas cuya voz original dista mucho del timbre del cantante segoviano. En concreto, parecería imposible que pudiera enfrentarse con éxito a temas tan exigentes a nivel vocal como “Después del concierto” de Topo (en homenaje a Terry Barrios y Víctor Ruiz) o emular a la recordada Azucena en “No hay piedad para los condenados” de Santa, pero lo cierto es que Óscar sale airoso del envite. Entre los temas recuperados, sorprende gratamente la elección de “La fuerza del Rock”, de Goliath, en memoria de Javier Ponce, guitarrista que también lo fue de Júpiter y que hoy está injustamente olvidado por la mayoría.
Hay tres temas muy alejados del estilo Lujuria, y por ello aún son más sorprendentes. Uno de ellos es el ya comentado de Tequila, que no es de mi gusto, pero los otros dos son mis preferidos de este trabajo: “Balada para una viuda” de Burning (en recuerdo a Toño, Pepe Risi y Arturo Terriza), y sobre todo, una increíble versión de “Tu frialdad” de Triana (en homenaje a Jesús de la Rosa y Tele Palacios), donde Lujuria logra combinar el Rock andaluz de los ’70 con el Heavy Metal segoviano del siglo XXI con mucho acierto.
Lujuria no se ha querido olvidar del Rock procedente del otro lado del charco, donde tienen tantos seguidores, y ha recuperado “Destrucción”, de los argentinos V8, dedicado al desaparecido Osvaldo Civile, con lo que dan sentido global a este trabajo.
Para cerrar el disco, Lujuria ha incluido la única composición nueva que nos encontramos, un emocionante tema llamado “Estrella del Rock” dedicado a la memoria de Javier Gálvez, entrañable manager que lo fue de la mayoría de grupos de la historia del Rock español, y que falleció inesperadamente hace algo más de un año.
Estoy muy agradecido a Lujuria por este disco. La calidad de las interpretaciones son subjetivas (a mi me gustan todas excepto el tema de Tequila), pero el hecho de haber recuperado estos temas, desconocidos para muchos, y haber querido homenajear con ellos a estos músicos que han sido historia del Rock de este país, es algo que nos debe llenar de satisfacción.
Tras las pertinentes escuchas para poder daros mi opinión de “Llama eterna”, se me han despertado las ganas de ir a buscar mis viejos discos para escuchar de nuevo estas canciones en manos de sus míticos componentes. Seguro que ese fue uno de los objetivos de Lujuria a la hora de idear este proyecto, así que, querido Óscar… misión cumplida.
DULCE NEUS “Hotel, cuatro estrellas” (maxi-single) (2010)
La Rolling Rock Band nacía en 2004 auspiciada por el American Rolling Rock Bar de Alcázar de San Juan (Ciudad Real). Cuando llegaba el jueves de cada semana, el cuarteto, con vocalista femenina al frente, hacía las delicias de la parroquia que se acercaba al bar motero a base de versiones de grandes clásicos del Rock (Eric Clapton, Tina Turner, Bonnie Tyler, The Police, U2, AC/DC, Free…). Consiguiendo ser los ganadores de la VI Muestra Provincial de Grupos organizada por la Diputación de Ciudad Real en el 2007, con la maqueta compuesta por cuatro versiones: “Walking By Myself”, “Simply The Best”, “Si pudiera” y “Proud Mary”. Puedes escuchar algunos de esos temas, y otros, aquí.
El cuarteto, sin dejar aparcada la Rolling Rock Band, decide componer temas propios y presentarse bajo el nombre de Dulce Neus, alzándose otra vez con el primer puesto en la VII Muestra Provincial de Grupos de 2008. La maqueta de ese año estaba integrada por tres temas originales: “María”, “Si nos volvemos a ver” y “Tus mentiras”.
“En mi piel” (Music Plus, 2009) fue el primer álbum de Dulce Neus, y con el que realizaron más de 80 conciertos por todo el territorio nacional compartiendo tablas con M-Clan, Mägo de Oz…, según su biografía.
La funda de cartón que tengo en las manos, la cual hace la función de portada y contraportada del CD, y los cuatro temas que escucho, pertenecen al maxi-single de adelanto de su segundo disco que será editado en otoño de 2010. El cuarteto grabó a mediados de marzo de 2010 en los valencianos estudios Fireworks, con el reconocido técnico de grabación Fernando Asensi.
Gente que desconozca al grupo quizás juzgue antes de tiempo y digan que Dulce Neus es un producto prefabricado, pero en absoluto es así, el bagaje como banda de versiones ha conseguido que el grupo nos ofrezca buena música. De acuerdo que los temas son sencillos, directos y fáciles de asimilar, pero en ellos se nota la base rockera de los de Ciudad Real, aunque seguro que hay más de un “poseedor de la verdad absoluta musical” que dice que esto es popero en plan despectivo.
Las cuatro canciones tienen unos cimientos rockeros aderezados con muchas melodías que juegan con el Pop, consiguiendo que los temas se absorban fácilmente. Escuchándose en un primer plano la bonita y melódica voz de Nieves Lucerón, que también logra que suene algo más rockera desgarrándola en ocasiones, trayéndome recuerdos el sonido de la guitarra de José Cuesta a AC/DC, Platero y Tú, Los Suaves… y con la correcta base rítmica de Chevy Nieto (bajo) y Ricardo Sierra (batería), cumpliendo su papel sin más.
“Un buen día” es la canción de arranque y la elegida como single, pensando que su elección ha sido bastante acertada. Siendo un tema muy pegadizo, lleno de positivismo y optimismo que con un mínimo de apoyo y promoción puede hacer que el grupo se conozca entre más público. Aunque también podría haber sido elegida “Viejos sueños”, especialmente por su estribillo, siendo este segundo corte de temática diferente al inicial, de letra derrotista, al igual que la realista “Alicia (…en el país de las mentiras)”, con recordatorio diferente a algunos personajes de cuentos clásicos. Siendo una composición en la línea musical de los demás temas, sin mucha variación entre unos y otros, pero quizá de las cuatro canciones del maxi-single me quede con ella como favorita.
“Tú y yo” es el tema que menos me atrae de esta grabación, aunque aquí es donde más destaca con su guitarra José, quien sin ser un fuera de serie a las seis cuerdas, su trabajo lo realiza de una forma notable.
A las canciones incluidas en este maxi-single de adelanto, le acompaña un apartado multimedia. Pudiendo escuchar en un reproductor los cuatro temas al introducir el CD en el ordenador, incluyendo la opción de poder bajarlos en mp3 y poder leer las letras de cada canción. También se puede ver el videoclip de “Un buen día”, con el grupo tocando en la azotea del hotel de la portada, y el “Making of…” en el estudio de grabación y durante la filmación del videoclip, alternándolo con opiniones de los cuatro componentes. En la sección Media tenemos fotos promocionales, las letras de las canciones y la biografía de la banda. Por último están los enlaces, dirigiéndonos cada icono a las diferentes redes sociales donde Dulce Neus está inscrito (Myspace, Facebook, Youtube, Last FM…), incluyendo también un e-mail para contactar con el grupo y el icono que nos dirige al Blog del club de fans de Dulce Neus.
Los ciudadrealeños han participado con el tema “Perdedor” en el disco “Valió la pena – Un tributo de las jentes a Transfer” (2010), donde se pueden escuchar a 23 grupos rindiendo homenaje a canciones de los siete discos de la rockera y luchadora formación valenciana.
Dulce Neus es un grupo más que correcto que no ofrece ni mucha dureza (a veces no es necesaria) ni blandenguería pastelera musical de usar y tirar. Yo que tú les prestaba atención y es posible que te encuentres al poco tiempo cantando sus canciones o tarareando sus melodías y haciéndote pasar un buen rato sin ninguna pretensión más, que en eso consiste básicamente la música, más allá de guiarnos, y estar influenciados, por etiquetas, estilos y encajonamientos.
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